lunes, 1 de diciembre de 2014

RompeCortázar en el ECU


Caleidoscopio Cortázar en cuadritos


Con RompeCortázar, el ECU expone ocho historietas sobre relatos del escritor. Desprejuicio, desazón, tinte fantástico y música jazz, para recrear un mundo que no es sólo literario.

Por Leandro Arteaga

Julio Cortázar en historietas es placer que rebota. Cada cuadrito como pieza que encastrar en relatos que son, cada uno, tantas piezas más. Hasta conformar ese mapa donde continuar y completar –sin final– desde la lectura personal. Esto es, apenas, algo de lo mucho más que desprenden las ocho versiones presentes en RompeCortázar. Relatos para armar, muestra inaugurada en Espacio Cultural Universitario (San Martín 750) el pasado viernes, con cierre previsto el 20 de diciembre.
La curaduría es de Juan Sasturain, y las páginas en cuestión –en paneles impresos de tamaño generoso, donde leer es gusto máximo– suman a la conmemoración de los cien años del nacimiento del escritor, con organización que el ECU comparte con el Ministerio de Cultura de la Nación y Radio Nacional.
El vínculo entre Cortázar y las historietas tiene, de hecho, un precedente que es rara avis: Fantomas contra los vampiros multinacionales (1975), cuya edición fiable debe rastrearse en el librito que Doedytores publicara en 1995. Allí aparece la réplica verdadera de las páginas del Fantomas mexicano (de ediciones Novaro), con participaciones estelares de Susan Sontag, Julio Cortázar, Alberto Moravia, entre otros. Esa fue la historieta disparadora del libro, verdadero metatexto.
De manera tal que, se intuye, si Cortázar viese estos espléndidos trabajos quizás se detendría en algún rasgo casi huidizo, así como lo sugiriera al momento de ver Blowup (1966), de Antonioni (basado en “Las babas del diablo”). En todo caso, de lo que se trata es de encontrar esa afinidad que el lector sabe porque, justamente, ha leído. Y si también lo ha hecho con los historietistas en cuestión, ¿cómo resistir la tentación?
El recorrido comienza de manera superlativa. Con la obra maestra que la dupla Carlos Sampayo (guión) y Carlos Nine (dibujo) logran a partir de “La noche boca arriba”. Es demasiado extraordinario. Se trata de uno de los más grandes guionistas y de uno de los más grandes dibujantes. La fusión entre ambos altera todavía más la percepción del relato original, al hacer de su trama espejada una excusa desde la cual practicar otras variaciones. Más la pizca siempre exultante, de desliz semántico, que Nine sabe dibujar. Un mundo propio donde hacer comulgar ese otro mundo –por lo visto, tan parecido– que es Cortázar. Podría también pensarse en el propio Julio como paciente al que operar en este hospital demente, con bisturís en manos de Sampayo y Nine. Tan frenética es la acción, tan desencajada pero tan orgánica, que ya quisiera cualquier amante del género tenerla bien impresa en un álbum para su biblioteca.
Como si fuese un efecto más de este disparador, el recorrido continúa con otra versión del mismo cuento, ahora en manos de Salvador Sanz, quien impone un relato en blanco y negro, donde practica un montaje por asociación que es transposición eficaz de ese filo de espejo original. Sanz puede, con una precisión que le es aspecto ya reconocible, amalgamar situaciones históricas distintas por parecidas, sintetizadas en elementos casi idénticos, a partir de su disposición simétrica en la página.
Con “Carta a una señorita en París”, Diego Agrimbau (guión) y Lucas Varela (dibujo) resultan encantadoramente sombríos. Esos conejitos de pelaje suave que acarician la garganta, en el lápiz de Varela son, precisamente, adorables y siniestros. Todo muy simpático, todo muy deprimente. Saltarines, trozados y suicidas. Junto al naranja predominante que tiñe de frenesí leve cada una de las acciones.
Por su parte, el gran Enrique Breccia practica con “Reunión” una mirada de mundo que es, también, reencuentro con su primera tarea profesional: Vida del Che (1968), junto a su padre Alberto, con guión de Héctor Oesterheld. Leer a Enrique es leer un historietista depurado, artesanal, capaz de confluir con Cortázar desde un sueño en forma de estrella. La propuesta más provocadora viene de la mano de Esteban Podetti (guión) y Diego Parés (dibujo) con “Ómnibus”. En clave relato de horror, con puesta en página similar a la paradigmática Tales from the Crypt, Parés-Podetti colocan a Cortázar en mismo rol que el Guardián de la Cripta, para dar rienda suelta a su historia macabra. Así como Varela, pero desde una raigambre gráfica distinta, con asidero en Fola (Pelopincho y Cachirula), Parés puede hacer del espanto algo gracioso y nunca perder foco. Así como lograr una página admirable provista de un maremoto de ojos vigías.
Con “Axolotl” (guión de Jorge Zentner), Pablo Túnica trabaja cada página a partir de dos viñetas horizontales. Una equidad en la distribución del espacio que es confluencia de espíritu con el relato de origen. Sus pinceladas, de ánimo oscuro, logran momentos extrañamente hermosos, perturbadores, en donde el propio lector queda contagiado del borde de su reflejo. El caso de “La autopista al Sur” (guión de Pablo De Santis) es excusa bella para perderse en los dibujos de Ignacio Minaverry, cuya paleta saturada de verde, amarillo y naranja, puede transportar al lector de manera afín a un ensueño sixtie, en donde también evocar el plano secuencia esencial que Godard plasmara en Week End (1967).
El desenlace viene de la mano de “La señorita Cora” (guión de Lautaro Ortiz), para que los dibujos de El Tomi empañen al que mira de recuerdos de infancia pegajosa, con historietas por el suelo y jadeos de enfermera de ensueño. Un montaje yuxtapuesto, donde palabras y dibujos dicen de modo encontrado, permite a los autores recrear la vivencia alucinada de un personaje que es, por extensión, la definición misma de todo lector cortazariano.


Mauricio Riccio (ADF): entrevista


Director de luces y sombras


Director de fotografía en numerosos largometrajes, la trayectoria de Mauricio Riccio inicia en Rosario y alcanza a México. Uno de los referentes del trabajo con la luz en el cine.

Por Leandro Arteaga

La trayectoria de Mauricio Riccio (Rosario, 1970) marca un lugar de referencia específico en el desarrollo cinematográfico de la ciudad. Se trata de alguien que ha volcado su vida y pasión a la dirección fotográfica, con un despliegue profesional que le ha llevado a trabajar y vivir en México y Buenos Aires.
De visita en su ciudad, a partir del dictado de un taller intensivo de tres jornadas, Riccio (miembro de la ADF) sabe explicar de manera precisa a Rosario/12 su profesión, al decir que el director de fotografía “son los ojos del director, es quien con la cámara compone el cuadro y con las luces crea los climas de cada escena”.
Esta vocación por la composición y el trabajo con la luz le llevó a cursar la carrera de Director de Fotografía y Cámara en el Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina, y a participar, hasta la fecha, en once largometrajes (entre ellos, Homero Manzi, un poeta en la tormenta, La infinita distancia, Tiempos menos modernos), además de un centenar de comerciales.
“Tardé mucho en poder decir que soy director de fotografía. Tengo veinticinco años trabajando pero hace diez que puedo decir que lo soy. Porque para mí era como un honor, algo muy grande, inalcanzable, no me lo creía”, comenta Riccio, quien cuenta entre sus referentes al inglés Roger Deakins (Sueños de libertad, Sin lugar para los débiles), el mexicano Emmanuel Lubezki –“mi maestro”, dice-, y a Félix Monti (La historia oficial, La niña santa), “quien me apadrinó para entrar a la Asociación Argentina de Directores de Fotografía”.

-¿Tuviste siempre claro que era ésta tu área profesional?
-Desde chiquito siempre jugué con cosas de cine, con proyectores de juguete como el Golstar y el Cine Graf. Me compraban pelotas de fútbol y camisetas, pero yo no quería saber nada con todo eso (risas). Cuando comencé a estudiar, en la Escuela Provincial de Cine y Televisión, quería ser director, como la mayoría. Con el compañero con el que armaba los equipos para trabajar, hicimos un guión que íbamos a codirigir. Pero al momento de empezar a filmar, alguien se tuvo que hacer responsable de la cámara, de medir la luz. Así que el primer día de rodaje tomé la posta, pero sin saber que se trataba del área del director de fotografía, porque en ese entonces en la escuela no nos enseñaban el trabajo por roles. Ése fue mi primer acercamiento. Y descubrí que ahí me sentía cómodo, que podía expresar mucho.

-¿Ese corto fue el que te llevó a México?
-Con este mismo ejercicio, el primero en 16 mm hecho por estudiantes en la escuela de cine en Rosario, fuimos con mi compañero a México a un festival. Solíamos comer en los Estudios Churubusco, y mientras caminaba por ahí, me topaba con los decorados de películas como Querida, encogí a los niños, El vengador del futuro, Duna; entraba en el depósito de vestuarios y veía el de Conan, el bárbaro. De repente, me meto en un estudio y veo una especie de barco pirata que estaban armando, impresionante, pensé que era de otra película gringa. Cuando me entero de que era mexicana, y que iba a ser la producción más grande en los últimos treinta años, no me la quise perder [NdR: Ámbar (1994), de Luis Estrada]. Esa fue la única vez que busqué trabajo en México. Me contacté con la productora, me preguntaron qué quería hacer y dije que pizarrista, para poder estar en el set todo el tiempo. Pasaron cinco días y me dieron el puesto. Hablé con la productora, y me presentó al director y al director de fotografía, porque también participé como segundo de cámara.

-Te referís a Emmanuel Lubezki.
-Sí. Es el fotógrafo de películas como La leyenda del jinete sin cabeza, Niños del hombre, El árbol de la vida, y de Gravedad, por la que ganó el Oscar. 

-Intuyo que vivir en México te impregnó de una sensibilidad particular, que sólo allí podías experimentar.
-Filmar en México por primera vez era distinto. No en cuestiones técnicas, sino en la percepción de la realidad. Por ejemplo, en el Distrito Federal, en los años ‘90, el cielo nunca era azul sino gris, debido a la contaminación, algo que ahora está bastante controlado. Sólo los fines de semana el cielo se veía azul. Cuando quería encuadrar con la cámara y filmaba en el centro, descubría que las puertas y las ventanas están totalmente fuera de escuadra; es decir, al componer con una puerta, una ventana te sale chueca, y al revés (risas). El centro de la ciudad de México está construido sobre un gran lago, además es una zona sísmica muy activa, prácticamente hay un sismo por semana.

-¿Cuándo te volvés y por qué?
-Estuve en dos etapas en México, del ‘92 al ’96 fue la primera, y regresé porque extrañaba. En el 2000 fui a recibir el Año Nuevo allá, y sin buscarlo me salió otra vez trabajo. Me terminé quedando cuatro años más. Después empecé a fotografiar publicidades con un amigo rosarino, a través de una productora de Miami que cada tanto, por cuestiones de costo, filmaba en México. Pasé a fotografiar publicidades en las grandes ligas, pero a nivel contenido todo era muy vacío, artificial y plástico. Por más que estaba muy bien económicamente, había algo que no me llenaba. Sentí que no iba a poder fotografiar ningún largo. A partir del 2001, acá se empezó a filmar muchísimo y ya tenía ganas de volverme, de estar acá y de fotografiar películas argentinas, con actores con nuestro acento, nuestras costumbres.

-De tus trabajos más recientes, destacan Socios por accidentes y la serie televisiva ¿Quién mató al Bebe Uriarte? ¿Cómo te resultaron estas experiencias?
-Siempre tuve ganas de fotografiar una serie televisiva, porque siempre quise que se viera como una película, así como las series gringas. Me llamaron para esta serie y los directores (Gastón del Porto, Alejandro Carreras y Juan Pablo Arroyo) también tenían la misma idea. Tuvimos que lograr una imagen cinematográfica en tiempo récord, había días que rodábamos diecisiete escenas por día y cada una con diez planos aproximadamente, con muchas locaciones, mucho ritmo. Me sirvió para aprender a manejarme con prisa, también para saber delegar, ya que tenía otra unidad de trabajo bajo mis indicaciones. En el caso de Socios por accidente, ya venía trabajando con Fabián Forte (uno de sus directores, junto a Nicanor Loreti). Fabián es también asistente de dirección, y habíamos coincidido en otras películas. Con él hicimos también La corporación (2012), que para mí es una de las mejores películas que he hecho.

jueves, 27 de noviembre de 2014

Cortos Espacio Santafesino: Marinho, Guillén, Ferro, Pavanetto.


Box, aviones, el tango y una puerta

A partir del beneficio económico del programa Espacio Santafesino, cuatro nuevas producciones tienen su estreno. Ficción, documental y animación, en manos de realizadores notables.
Por Leandro Arteaga

El programa que Espacio Santafesino propone para la función de mañana, a las 20.30 en Cine El Cairo (Santa Fe 1120) –con repetición en mismo horario el sábado–, es una muestra excelente de lo mucho que se produce a nivel local. En otras palabras, y al decir de Alain Badiou, mirar una película es mirar dinero en pantalla: si el dinero no está, la película tampoco. Por eso, a celebrar el sostén anual que significa el subsidio del Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia.
La función en continuado, con entrada libre y gratuita, permitirá apreciar el nuevo trabajo de Elena Guillén: Camino al aeropuerto. Y acá el cronista se detiene con la mejor predisposición, porque el anterior y primer cortometraje de Guillén, Cuatromil, resultó una revelación feliz, capaz de delinear un sismo de tensión a partir de la relación entre un padre y su hija. En Camino al aeropuerto, la apuesta deviene ahora un diálogo de direcciones opuestas, con el foco puesto en la pareja que interpretan Paula García Jurado y Ricardo Arias. El título dice sobre el destino del argumento, pero no sobre el cómo. Qué sucedió o sucederá, dados los ánimos encontrados, de decires interlineados, donde lo que se escucha no es lo que se dice. Una puesta en escena de espacios sin aire, con planos cerrados, de cápsula que asfixia, hacen del trabajo de Guillén (10 minutos) un hundirse lento. El despliegue de la cámara y la dirección fotográfica (Pablo Romano y Cristian Ferreira da Cámara, respectivamente) logran una consonancia justa. Se trata de un relato preciso, de paréntesis, con puntos suspensivos. Es esto, precisamente, lo que logra la realizadora: escarbar en lo inmediato y filmar la incertidumbre. Admirable.
Por su parte, Francisco Pavanetto retrata en El gato cósmico al final (14 minutos) otra relación de pareja pero en términos diferentes, de esos con los que su obra tiene costumbre, teñida como está del registro fantástico (Otros mundos, El Hombre Apnea). Martín Fumiato y María Eugenia Solana componen a estos personajes de vida en una casa vieja, grande y en blanco y negro. Pero una abertura caprichosa, que escapa a los puntos de fuga usuales, les amenaza. Como una herida en la pared, a punto de caerse o de devorarlos. El gato sabe algo, mientras camina por ahí, se aparece sin permiso, y mira. Una mezcla entre la ventana de Parque Chas (la historieta de Barreiro y Risso) y la cabina de Doctor Who. Qué más hay, no es algo que interese responder. En todo caso, mejor abrir la puerta y dejarse llevar. Y todo se transforma.
La animación llega de la mano de Maia Ferro con La gallina clueca (11 minutos). La acción se sitúa en plena década del ’50, en el barrio Refinería. El puerto, el tango, la muchachada y un casamiento. El peligro de algún secreto sin confesar está por allí rondando. Todo esto desde un encantador eco gráfico con reminiscencias al gran humorista Calé, patente en el diseño que de los personajes realizara Diego Fiorucci; pero también con la suficiente sensibilidad como para hacerles habitar una Rosario en camiseta –Calé era rosarino, al fin y al cabo– de fondos estilo Chuck Jones o la UPA (el extraordinario sello de John Hubley), en manos de Melisa Lovera. Una seductora recreación de época capaz de hacer habitar gags y melancolía. Con La gallina clueca, Maia Ferro (La quietud empalaga, cleta, La bici) también articula una coproducción entre Cooperativa de Animadores Rosario y Tembe Colectivo Cooperativo, de Santa Fe.
Finalmente, el boxeo femenino protagoniza Bonitas, unitario para TV (28 minutos) de Arturo Marinho. Desde una mirada atenta a asociaciones insospechadas, a momentos casi suspendidos, a lo que está por suceder (pero sólo para el que espera paciente), el trabajo de Marinho acompaña el trabajo y las ilusiones de las hermanas Bermúdez, de Villa Gobernador Gálvez, en pleno entrenamiento hacia una gloria anhelada ni más ni menos que en Tokio. La cotidianeidad, el barrio y el sudor, los entrenamientos diurnos y nocturnos, el cuadrilátero y las piñas, la Iglesia y los tatuajes; todo se convierte en un momento irrepetible, de tiempo dilatado, cuando quien mira es Marinho. Su capacidad para extrañar los ambientes y a la vez articular un relato, da cuenta de un recorrido profesional que crece, con ejemplos mayores como Detrás de la línea amarilla, Los degolladores y El amansador. Con Bonitas hay un salto cualitativo más, capaz de articular simultáneamente registros como el documento más puro con la ensoñación de la bruma por la noche. Sin perder, nunca, el eje: la proeza del día a día de las boxeadoras, sus ánimos de fiera y una belleza que golpea.
Cada uno de los realizadores, vale destacar, es también guionista de su película. Guión y dirección como instancias recíprocas, esenciales para la consecución de una obra. Es por esto que puede precisarse un rasgo autoral compartido, así como repartido en maneras estéticas diversas. Una pluralidad que beneficia, siempre, al que mira. Sea a través de la cámara así como a la pantalla.
 

viernes, 21 de noviembre de 2014

El escarabajo de oro (2014, Alejo Moguillansky)


El cine es el viaje a la aventura
  

Por Leandro Arteaga

 Con películas así dan ganas de volver a la aventura. No podrá ser de la misma manera que era, algunos rasgos tendrán que cambiar, pero la esencia permanece. Entonces: un tesoro escondido entre telarañas de leyendas o una película que filmar. Si ambas cosas coinciden es porque, en suma, siempre fueron un mismo asunto. Por eso, un título que es todo un rótulo y emblema: El escarabajo de oro.
Algo similar –o diferente– supo también realizar Walter Hill en Oro y cenizas (1992), con un mapa de historieta como corazón al que no se abandona. Es decir, la historia sigue siendo la misma, cambian las maneras de contarla. Y acá, de modo perspicaz, la pluma de la dupla Moguillansky/Sandlund. Un espejo realizador bifronte que distorsiona mientras cruza mensajes de un lado del teléfono al otro, entre países alejados, con un propósito de película que parece ser uno o parece otro, de acuerdo con quien hable. O escuche. Mujer, varón; centro y periferia; cine de allá y cine de por acá.
Ese límite, fronterizo, anuda ecos de raíz histórica, con diferencias sociales sin resolver, en donde el cine se inscribe todavía y como nunca, dada la inmediatez digital. Una cercanía audiovisual que, en todo caso, todavía se encuentra pendiente de las mismas historias de siempre. Es que hacia allí, ni más ni menos, se dirige todo el equipo de rodaje de esta película (im)probable.
El escarabajo de oro es y no es la película que dice ser. Se despega de sí mientras reafirma lo que dice. Sus personajes juegan esta ambigüedad hasta el punto más difícil: el de llegar a quedar atrapados por creerse lo que encarnan. De esta manera, la dupla directora. Pero también: Edgar A. Poe/Robert Stevenson, Leandro N. Alem/Hugo Santiago, y todos y cada uno de los integrantes de este equipo que tiene en el Dogo (Mariano Llinás) la síntesis del personaje/actor/apodo. ¿Quién es quién?
En verdad, todo relato es una telaraña donde, más tarde o temprano, se queda alguien dulcemente empantanado. Una vez allí, ¿quién dirá ser capaz de escuchar algo mejor que los cantos de las sirenas? Ellas ululan y hacia allá se fija el rumbo. Contra todo pronóstico o promesa previa. Nada hay que no pueda romperse, o torcerse, cuando el misterio seduce. Dar vueltas repetidas, con el fin de volver a saberse en la misma historia, parece ser el objetivo final, más allá de cuál sea el contenido del cofre o de la identidad de aquél que sabe más que el mismísimo diablo.
Bueno, en verdad, de los que más saben es de quienes dependen, como siempre, los hilos del relato. Cuando se desate la verdad última, allí entonces la llave que abra el cofre perseguido. El momento último con el que tantos relatos nos juegan cientos de páginas de paciencia lectora. ¿Y qué contiene? Lo mismo que la cajita exótica de Belle de jour, el cajón atómico de Bésame mortalmente, y el maletín de Tiempos violentos. Lo que usted quiera. O la promesa de otra aventura.

El escarabajo de oro
Argentina, 2014
Dirección: Alejo Moguillansky, Fia-Stina Sandlund. Guión: Alejo Moguillansky, Fia-Stina Sandlund, Mariano Llinás. Fotografía: Agustín Mendilaharzu. Montaje: Alejo Moguillansky, Mariano Llinás. Música: Gabriel Chwojnik. Reparto: Rafael Spregelburd, Walter Jakob, Luciana Acuña, Agustina Sario, Andrea Garrote, Mariano Llinás, Alejo Moguillansky, Hugo Santiago (voz en off).
Duración: 100 minutos.
Sala: El Cairo.
8 (ocho) puntos

El cerrajero (2014, Natalia Smirnoff)


Una película hacia adentro
 

Por Leandro Arteaga
 
 Daban ganas de ver la película siguiente de Natalia Smirnoff. Es que luego de Rompecabezas (2009), la dupla de afecto y piezas en juego que componían María Onetto y Arturo Goetz hicieron que aquel film permaneciera como un recuerdo encantado. Algo de esto está también en El cerrajero, ya desde el eco supuesto por estos mismos intérpretes, ahora desde roles secundarios, en una trama que tiene eje en ese rostro de cine actual, preciso, que significa Esteban Lamothe.
 Es en él donde giran los goznes de estas otras piezas de encastre. Es que ya no se trata de rompecabezas sino, antes bien, de cerraduras. Cada una, un pequeño peldaño dentro de esa historia con rumbo impreciso que parece ser la vida de Sebastián (Lamothe). Puertas que abrir, puertas que cerrar. Todas ajenas, y él supeditado a ellas. Hay otras, claro, que le son propias, sobre las que no tiene demasiado que decir, no puede, o no quiere.
Porque Sebastián descubre, y junto con él el espectador, que mientras repara estos artefactos no puede contener una verborragia de verdades. Una de dos, quien lo escucha queda azorado, le contempla y consulta, o más vale no haber abierto la boca. Es un don, dice Daisy (Yosiria Huaripata); es una maldición, replica él.
 Entre los dos se teje, en tanto, un vínculo. Que es llave hacia un lado, también hacia el otro. Ella encuentra en él una mirada donde confiar. Es por él que Daisy abandona su lugar de empleada doméstica en una de estas casas de cerrojos develados. También, más o menos, a su novio vividor. En todo caso, Daisy es también la síntesis de tantos inmigrantes sin destino preciso, con trabajos acotados, de los que se nutre la gran ciudad.
 Por su parte, Sebastián no sabe que sabe, pero es Daisy quien se da cuenta de que sí, es ella quien le devuelve su confianza en forma de agradecimiento. Para él son varios los asuntos pendientes; entre otros, el supuesto por el embarazo de quien es y no es su pareja (Erica Rivas). Un ir y venir que no encuentra un rumbo preciso. Puede ser su hijo, podría no serlo.
 De lo que se trata, en última instancia, es de encontrar el tono justo para la caja de música que Sebastián hace y deshace con piezas de cerrajería. Porque hay algo que no termina de sonar bien. O en todo caso, dependerá de cuál sea el oído que escuche. Para que Sebastián confíe en su propia sensibilidad habrá todavía un camino que recorrer. Entre estas instancias obligadas, aparece el reencuentro con el padre. Y vale destacarlo, porque se trata de una de las últimas interpretaciones del gran Arturo Goetz, pieza sin justo relevo en la narrativa local.
 Como rasgo mayor, El cerrajero cubre de humo verídico a esta Buenos Aires circa 2008, donde quedarse en casa parecía ser eterno. Acá, por eso, el oficio de Sebastián. Pero sobre todo, el de una puesta en escena que Smirnoff trabaja desde planos cerrados, donde el aire sofoca tanto en las escenas interiores como exteriores. Toda la película, casi, como una gran sinécdoque. Cuanto menos se ve a la ciudad, tanto mejor se siente lo que sucede.
 Una película hacia adentro, hasta tocar casi ese fondo indistinguible que Lamothe compone. Sólo después de ello habrá lugar para un encuadre más amplio, apenas dos. Que oxigenen, disipen un poco tanta confusión, y renueven las mismas preguntas de siempre.

El cerrajero
(Argentina/ 2014)
Dirección y guión: Natalia Smirnoff. Fotografía: Guillermo Nieto. Música: Alejandro Franov. Montaje: Delfina Castagnino. Reparto: Esteban Lamothe, Erica Rivas, Yosiria Huaripata, Sergio Boris, Gernán de Silva, María Onetto, Arturo Goetz. Duración: 77 minutos.
Sala: El Cairo.
7 (siete) puntos.
 

martes, 4 de noviembre de 2014

Carlos Barocelli: Betty Zane (entrevista)


El dibujante de tiempo completo

Ilustrador y docente, Carlos Barocelli dibuja uno de sus sueños: continuar la estela del gran Hugo Pratt. Mientras tanto, su demorado Eternauta conocería la publicación.

Por Leandro Arteaga

El dibujante Carlos Barocelli parece estar signado por sus artistas admirados. Por un lado, una continuación todavía inédita de El Eternauta que lleva años de demora (más datos, más adelante), y por el otro, la figura insigne de Hugo Pratt como mundo al que revisitar en un proyecto en curso para el mercado italiano.
Ahora bien, no sólo esto. Sino también su Taller de Dibujo en el Centro Municipal Distrito Sur de la ciudad y la dirección de la Escuela de Dibujo que lleva su nombre (http://www.escueladibujo.com/). “La Escuela tiene alrededor de veinticinco profesores en actividad, que dictan todas las materias habidas y por haber que se relacionen con el dibujo y el arte. Tenemos más de cien alumnos y ya llevamos dos años de actividad, estamos muy contentos. Viajamos a convenciones, y gente del interior del país viene a visitarnos queriendo saber cómo hicimos posible este proyecto. Eso es algo que nos llena de orgullo. Creo que es una escuela modelo en nuestra provincia, de hecho hay pocas en el país”, relata el dibujante a Rosario/12.

-¿En qué consiste tu trabajo para Italia?
-El año pasado ya había hecho algo para Segni d'Autore, un sello italiano independiente cuyo editor es Carlo Bazan. En esa oportunidad, realicé unas ilustraciones para el libro Deerfield 1704: Sangue sul Lago Otsego, de Bazan y Carlo Rispoli. Bazan trabaja mucho con Lele Vianello, quien fuera amigo y ayudante personal de Hugo Pratt. Le encanta el género de aventuras, puntualmente la guerra de frontera americana, que es lo que Pratt dibujó en Ticonderoga (con guión de Héctor Oesterheld). Todo lo que se haya hecho con este tema le fascina: Canadá, los franceses, los ingleses, los indios hurones, etc. Así que este año arrancamos con Betty Zane, un libro completo, de 70 páginas, que cuenta la historia de Elizabeth Zane McLaughlin Clark, una heroína de aquel conflicto. Los Zane fueron amigos, entre muchos otros, de Daniel Boone. La historia tiene que ver con el momento en donde a los milicianos se les acaban las municiones mientras resisten, sitiados por los indios, en Fort Henry. Ella decide salir para ir hasta su casa, que estaba a unos cuantos kilómetros del fuerte, para buscar un barril de pólvora. En el camino, tiene que cruzar un cerco de indios con sus aliados británicos, que les tiran con lo que venga. El nudo es ése. Pero también uno de sus hermanos se enamora de una princesa india, y los indios lo secuestran; es decir, hay un montón de condimentos.

-Y estás muy contento.
-Sí, totalmente. Me vi todas las películas habidas y por haber, busqué bibliografía, me asesoré en vestuarios, investigué sobre armas, a lo largo de unos tres meses. Estoy todo el día pensando, mirando películas, dibujando, me acuesto muy tarde, pero es una experiencia muy linda. 

-¿Quién es el guionista?
-El guión es de Andrea Laprovitera, otro italiano. Es la primera vez que trabaja para esta editorial. El guión es muy bueno. A las setenta páginas se le sumarán unas diez o quince más de ilustraciones. Y va a tener tapa dura. Las páginas van a ser en aguada y en blanco y negro. Algo similar a lo que hicimos en Haciendo Historia. La historia de Cañada de Gómez, un librito con la historia del lugar en tres capítulos, con guión de Jesica Arán. Este libro se va a regalar en las escuelas primarias y secundarias de Cañada para estudiar Historia, y fue financiado por la fundación Nova, que son los editores.

-Una experiencia que bien vendría replicar. Similar a la propuesta de las películas Guía de Rosario Misteriosa.
-Fue una experiencia muy linda. De hecho, cuando me sale lo de Italia tuve que dejar una historia sobre el Grito de Alcorta, que viene a ser el tomo cuatro de la colección Aquí mismo, con guión del profesor José Hugo Goicoechea. Pero planteé de hacerlo con los alumnos avanzados de nuestra Escuela. Así que ahora lo están haciendo ellos, y nosotros lo vamos corrigiendo. 

-¿Y El Eternauta: La resistencia?
-Su publicación continúa parada, desde hace dos años. Pero me encontré con el editor (Javier Doeyo) el año pasado, en Comicópolis, y me dijo que estaba todo listo, si bien uno de los nietos de Oesterheld lo estaba supervisando, porque no quería que se desvirtuara la obra de su abuelo. Por mi parte, le escribí a una de las hijas de Solano López, quien me pidió un tiempo para ponerse al tanto. El editor, en tanto, les ha pasado un informe sobre lo que hemos hecho. Así que tal vez se publique.
Este Eternauta es la continuación literaria e inconclusa que el propio Oesterheld realizara sobre su historieta, a partir del número 6 de la revista El Eternauta (abril de 1962), de Editorial Ramírez. Una secuela que duró pocas entregas, debido al cierre de la publicación. Los capítulos fueron recuperados por Juan Sasturain en El Eternauta y otros cuentos de ciencia ficción (Colihue, 1995). El guión para la versión en historieta corre por cuenta de Jorge Morhain. “Es una historia de Oesterheld que nunca se había llevado a la historieta. Dibujarla me llevó dos años de mi vida”, dice Barocelli.
A cruzar dedos.

martes, 28 de octubre de 2014

Maps to the Stars (2014, David Cronenberg)


Cuando al cine se lo lleva adentro


Por Leandro Arteaga

Hay que tener el cine muy adentro para hacerlo de esta manera. Tal vez se deba a ese “estilo tardío” que Edward Said refiriera. Es cuestión de ver las últimas películas de directores como Brian De Palma (Passion), Woody Allen (Magic in the Moonlight), Terry Gilliam (The Zero Theorem), Clint Eastwood (Jersey Boys). Cada una de ellas provistas de una sobriedad, de una justeza, como sólo pueden saberla aquellos que han hecho cine durante toda la vida. En suma, es la puesta en juego (o en escena) de las formas de siempre. Llegar a ello no es simple, sino consecuencia de un recorrido. (Acá, se intuye, este cronista se pelea con los comentarios rápidos, infaltables, de quienes señalan tal o cual film como “menor”, “fallido”, en oposición a otros, de otros tiempos. ¿Cuándo fue que el crítico se volvió más cineasta que los propios realizadores?).
Con David Cronenberg sucede también. Ya presente en esa visión de ultratumba, inserta en el medio mundanal, que es Cosmópolis (2012). Otro tanto con Polvo de estrellas. Es decir, por un lado y rápidamente puede referirse el argumento. Pero lo que de veras importa es la manera, la forma, desde la cual ese mundo personal se expone; y atención, porque no se trata de otra cosa más que de un mundo de cine (el del autor), y por ahí quizás sea mejor entender el por qué de la elección de Hollywood como tema, ámbito, o blanco de dardos.
No es que Hollywood –o toda relación humana (hipócrita) similar– no sea desmenuzado con fruición en Polvo de estrellas sino que, antes bien, mejor será pensar cómo es que Hollywood o similares sean lo que son mientras, y todavía, todo un andamiaje social lo sostiene o justifica. El cine, de esta manera, como expresión simbólica o ideológica de un sustrato social definido, y definidor.
Bien viene detenerse en el devenir extraño, suspendido, replicado sobre sí, que los personajes del último film de Cronenberg componen. Una víbora que se muerde a sí misma, platinada de ropajes fastuosos pero hueca, sólo piel seca. Personas acunadas por terapias para el alma, con el Dalai Lama como mención registrada, entre oropeles que se rodean de palmeras. Las réplicas, los dobleces, las imágenes desprendidas de sí mismas, ocurren como un dominó inevitable, como un sismo de fatum griego.
Por eso, Polvo de estrellas, como Cosmópolis, es cine negro. Tanto como Sunset Boulevard (1950, Billy Wilder) y Mulholland Dr. (2001, David Lynch). Mia Wasikowska podría vomitar con esplendor en la misma calle de estrellas de cualquiera de estas otras dos obras maestras. Ella, en el film de Cronenberg, como la aparición que altera y dispara lo que habrá de ser porque, retorno o ciclo, ya fue también. Monstruos que beben del fuego para desafiar, con cirugías plásticas, a la muerte. Al fin y al cabo, ninguna victoria sobre ella ha sido posible por fuera del cine. Pero, ¿cómo vivir realmente allí dentro?
Expresión de esta desazón, que es bisagra entre la madre estrella fallecida y las starlets futuras, es el personaje de Julianne Moore. Brutal, desgarrada, loca. La moral de Hollywood no es la moral vulgar. ¿Cómo cuestionarla? Sólo alguien conciente de ello, como la actriz, puede componer este personaje, de esta manera: arrojada de cara a lo que quiere, porque en ello le va la vida. Nada más importa. Actriz extraordinaria.
Y, finalmente, cineasta extraordinario. A estas alturas, Cronenberg es un enorme pedazo de cine en carne viva, con predicciones de poética envilecida, hoy ciertas. Filma como nadie más. Cine que mira al cine porque, dinosaurio de 70 años, ¿quién puede discutirlo?
En serio, ¿alguien se anima?

Polvo de estrellas
(Maps to the Stars)
Canadá/Estados Unidos/Francia/Alemania, 2014.  
Dirección: David Cronenberg. Guión: Bruce Wagner. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Ronald Sanders. Música: Howard Shore. Reparto: Julianne Moore, Mia Wasikowska, John Cusack, Evan Bird, Olivia Williams, Robert Pattinson, Kiara Glasco, Sarah Gadon. Duración: 111 minutos.
10 (diez) puntos 
 

jueves, 23 de octubre de 2014

Diego Fidalgo: El origen del pudor (2014) Entrevista


Las huellas de un pudor compartido


La construcción formal de El origen del pudor hace de ella una de las mejores películas de Diego Fidalgo. Rosario, la pornografía y el erotismo, cuyos ecos censores todavía persisten. La figura polémica de Alberto Chaume, pornógrafo y abogado.

Por Leandro Arteaga

Las fotos se le cruzaron y porque el cine está en la cabeza y las historias siempre acechan, no pudo menos que ir tras ellas. Algo de esto hay en El origen del pudor, la nueva película de Diego Fidalgo (Trescientoscincuenta, Hombres de ideas avanzadas), cuyo preestreno será mañana, a las 20.30, en Cine El Cairo (Santa Fe 1120) con entrada libre y gratuita. El proyecto resultó ganador de la Convocatoria Espacio Santafesino 2012, en la categoría Desarrollo de Proyectos de Largometrajes.
La investigación de Fidalgo termina por ofrecer todavía más, tanto como para desocultar relatos que se anudan y guardan en la figura de Alberto Chaume, abogado de la ciudad, de vocación pornógrafo, un lugar de encuentro. Fotos, en suma, como caleidoscopio de otras. Todas hilvanadas desde un pudor bordado.
“Todo empieza con un hallazgo fortuito, de un material fotográfico, hace seis años más o menos. Una serie de fotografías antiguas de los años ‘50, ‘60, de mujeres en pose sensual. Encontré dos o tres en la calle, seguí el rastro, y había todo un contenedor de basura con negativos, papeles, cartas, un análisis grafológico, todas cosas que me llamaron la atención. Pero lo más notorio era que las fotos tenían en el dorso un sello judicial, un número de serie y una firma de un oficial de Justicia. Acá hay algo, una historia, me dije, pero no sabía cuál, sólo tenía una parte del rompecabezas”, narra el realizador a Rosario/12.
Y agrega: “Pasaron tres o cuatro años con el material dentro de una caja, cada tanto las miraba, las mostraba a amigos, tirábamos hipótesis. Otro encuentro casual con un compañero de trabajo, que vivía en el edificio frente a donde había encontrado las fotos, fue un poco el que abrió la llave del misterio. Averiguando, este amigo descubrió que en el edificio había un tipo que durante cuarenta o cincuenta años se había dedicado a hacer fotografías eróticas y pornográficas. A partir de ese hallazgo se pone en marcha una especie de relato detectivesco por saber la verdad de este caso.”

-Ir tras las historias que las fotos guardaban.
-Fotos que no decían o sugerían nada, pero de pronto comenzaron a contar un montón de cosas. Ellas son el hilo narrativo. Porque no se trata de un tema sobre el que haya querido trabajar, es decir, el sexo o la pornografía en Rosario, las imágenes eróticas en los ’50, no estaban dentro de mis intereses. Pero de alguna manera la historia me vino a buscar, así que la tomé y fui hasta las últimas consecuencias.

-Hablemos de la figura de Alberto Chaume.
-Chaume era un abogado, oriundo de Santa Fe, donde había sido Director General de Rentas. Se viene para Rosario –quizás porque sus andanzas ya eran conocidas por allá–, pensando en que tal vez se trataba de una ciudad más abierta, por toda su carga prostibularia. Acá armó una red de gente y complicidades y silencios. Durante cuarenta años se dedicó a hacer esto en fiestas. Y en el ‘82 lo detienen por corrupción de menores, a quienes fotografiaba en esas fiestas. Tenía un intercambio de fotografías con revistas de todo el mundo, lo que le daba una especie de circuito internacional, en una época donde esto era mucho más difícil. Mucha gente de distintos sectores se involucraba, algo que está puesto en juego en el documental: el tema de la doble moral, de los actos privados y públicos, lo que se decía y mostraba y lo que no.

-Chaume como un fusible, en una sociedad nunca ingenua. Lo digo por uno de los ejemplos que incluís, el de la Liga de la Decencia.
-Acá tuvimos a la Liga de la Decencia, con su apogeo durante la última dictadura, marcando un poco la moral y las buenas costumbres. No es que grupos conservadores como éste desaparezcan, sino que se diluyen en otros organismos, operando desde las sombras tal vez. Me interesaba esa vinculación. Yo no hago una valoración moral del pornógrafo, pero sí cuando el tipo transgrede esa línea de corruptor de menores. Ahora bien, a los dos días de detenerlo, aparece un artículo de la Liga de la Decencia en La Capital, así que buscamos esa vinculación, a ver si ellos estaban detrás de esta caída.

-Es impactante el relato final de la agente policial, Mariana Pussafiume, al recrear la captura.
-Encontrarla fue un hallazgo. Aportó un plus a la narrativa, al romper un poco con el resto de los testimonios. Ella le da una cuestión vivencial.

-Otro personaje excepcional es el experto en pornografía.
-Un tal Edmundo, todo un conocedor. Es que la fotografía tiene valor desde el punto de vista de quien la mire. Si uno mira objetivamente mucho no dice, pero si alguien sabe, esa fotografía se empieza a corporizar, a cobrar densidad.

domingo, 19 de octubre de 2014

Guía de Rosario Misteriosa 2 (2014)+Diego Rolle: entrevista


Una ciudad para desarmar y dibujar


El Inspector Bigotudo vuelve a las historias ocultas de Rosario. Una nueva entrega de Guía de Rosario Misteriosa. Una narración graciosa, ocurrente y didáctica. Con proyección en salas de cine.

Por Leandro Arteaga

Más misterios para Rosario y, se sabe, no hay mejor ciudad que aquella donde se intuyen historias. Relatos, en suma, capaces de remodelar lo cotidiano y devolver el asombro. Si la mirada infantil participa, la experiencia es renovadora. Aspectos que vuelven a la carga en Guía de Rosario Misteriosa 2, coproducción entre Cooperativa de Animadores y Centro Audiovisual Rosario, con guión y dirección de Pablo Rodríguez Jáuregui.
Evidentemente, Guía de Rosario Misteriosa (2009) pasó a ser una piedra de toque para proyectos posteriores; entre ellos, una puesta teatral –en La Comedia– durante las pasadas vacaciones de invierno. “Cuando empezamos con Guía de Rosario Misteriosa 2 nos enteramos de la obra de teatro, fue muy raro. La vimos y resultó muy interesante, fue un éxito. La gente salía de la sala y compraba la película. Ahí avisamos que había una segunda parte en camino”, explica el animador Diego Rolle a Rosario/12.
El preestreno de la secuela tuvo lugar en la última edición del Festival Latinoamericano de Video y Artes Audiovisuales Rosario; el periplo continuó en los Distritos Municipales de la ciudad, en el Cine Diana, y ahora en Cine Monumental –mañana a las 18– y Cine Lumière –viernes 24, a las 18.30–, ambas funciones con entrada libre y gratuita. La acción vuelve a estar protagonizada por el Inspector Bigotudo (en la voz de Darío Di Meglio) y su sabueso, atrapados ahora en el desafío contenido en piezas dispersas por la ciudad. Un recorrido en forma de raid barrial, con pequeñas tramas escondidas ahí nomás.

-¿Dónde estuvo la motivación para esta segunda parte?
-Apareció a partir de unos textos que se estaban redactando para un libro escolar, eran parte de un proyecto de la Secretaría de Cultura y Educación que no salió a la luz, dedicado a recopilar información sobre nuestra ciudad en un manual para cuarto grado. Era algo que venía a cubrir un hueco sobre el tema. Es decir, no hay material didáctico ni manuales sobre nuestra ciudad, que es lo que ven los chicos en cuarto grado; algo que no sé cómo resuelven los docentes. El guión lo hizo Pablo Rodríguez Jáuregui, y consiste en un recorrido por la historia de Rosario, su fundación, y algunos de sus barrios.

-Esta segunda parte tiene una claridad formal mayor. Lo didáctico funciona a la par de los gags de manera muy fluida. Además, los chicos se divierten mucho durante las funciones.
-En el momento donde la ven los pibes está la verdad. La película puede tener sus aciertos y errores, pero lo que importa es si funciona con ellos. Además, es básicamente un documental, se está hablando de historia, si salen contentos no hay más que pedir. Hay que decir que es una película muy económica, no tiene nada que ver con ningún tanque de Disney o Dreamworks, sino que está en el lado opuesto. Nosotros nos preguntamos por qué a los chicos le gusta, y creemos que se debe a que se está hablando de cosas que los rodean, del Monumento a la Bandera, de Arroyito, de Central y Newell’s, de las chimeneas de Acindar, algo que no saben qué es o quizás los padres les hayan contado. Es simple, no es nada más que eso. Ven lo que ven todos los días pero en un dibujito más o menos entretenido.

-La película está dedicada a BK (José María Beccaría, fallecido en mayo pasado). ¿Llegó a participar del proyecto?
-Estuvo en la preproducción, porque estaba trabajando en otra cosa, que iba a formar parte de la próxima temporada de Cabeza de Ratón. BK tenía una forma tan particular de ver y de contar, es alguien a quien va a ser imposible reemplazar.
Diego Rolle es uno de los principales animadores de la ciudad y de esta Guía de Rosario Misteriosa –“Tuve el honor y placer de animar los dibujos de Max Cachimba”, señala-. La lista se completa con Belén Rodríguez Peña, Emanuel Gastaldi, Miguel Mazza, Sol Savoretti, Gonzalo Rimoldi, Flor Balestra, Melisa Lovera, Pablo Chaparro, Leticia Santa Cruz, Andrés Almasio, Luis Lleonart, Nico Ortiz, Cintia Eraso, Florencia Evdemón y Silvia Lenardón.