tag:blogger.com,1999:blog-2481813620988248422024-03-12T17:13:17.212-07:00Cine, Historietas & RadioLEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.comBlogger726125tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-47127271948181275232020-07-17T08:23:00.001-07:002020-07-17T08:23:25.260-07:00Family Romance, LLC (2019, Werner Herzog)<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #38761d;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Del otro lado del espejo y después</span></span></span></h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-XRGkGU0BLJ4/XxHB_m8NfyI/AAAAAAAAH8w/wxO7PAZUif4bEzxhDKhZPGh9p2Hm5W61wCLcBGAsYHQ/s1600/herzog.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-XRGkGU0BLJ4/XxHB_m8NfyI/AAAAAAAAH8w/wxO7PAZUif4bEzxhDKhZPGh9p2Hm5W61wCLcBGAsYHQ/s320/herzog.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span></i></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">La
película más reciente del director de Fitzcarraldo indaga en la
identidad sustituta como trabajo habitual, entre robots y muchedumbre
japonesa.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/278070-del-otro-lado-del-espejo-y-despues"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;">Leandro Arteaga </span></b></span></a></span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span><span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Family Romance, LLC</span></b></span><br />
<span style="font-size: x-small;">
</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">(EE.UU., 2019) Dirección y guion: Werner Herzog. Música: Ernst Reijseger. Fotografía: Werner Herzog. Montaje: Sean Scannell. Reparto: Ishii Yuichi, Mahiro Tanimoto, Miki Fujimaki, Takashi Nakatani, Kumi Manda, Yuka Watanabe. Duración: 89 minutos. Disponible en MUBI</span></span><br />
<span style="font-size: x-small;">
</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">8 (ocho) puntos</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">El momento de espera inicial, cuando el padre sustituto, impaciente,
ve pasar gente mientras su hija está por llegar, es síntesis de lo
demás. La cámara documenta el paso de la muchedumbre. El actor, la
actriz, actúan lo propio entre lo no premeditado. Cuando padre e hija se
encuentren, <i>Family Romance, LLC</i> cobra un rumbo más definido, sin dejar de lado esta situación, sello realista y nada gratuito.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">La película más reciente del alemán Werner Herzog transcurre en
Japón, y toma por intérprete al dueño real de una compañía dedicada a
servicios de sustitución. Tal como la película narra y ficciona, Ishii
Yuichi es propietario de una empresa que simula la identidad de
personas, recrea situaciones ocurridas y miente funerales. Si pasar del
otro lado del espejo era un desafío estético, con la propuesta de Herzog
habrá que ver en cuál de los dos lados se está. Tal vez, y sin tener
por fuente a ninguno de sus relatos, sea una de las películas más
cercanas en espíritu a la obra del escritor Philip K. Dick.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Family Romance, LLC </i>podría pasar, de hecho, por título de uno
de los cuentos del escritor norteamericano. Pero no. Es estrictamente
real. Porque es cine –y aquí se trata, justamente, de uno de sus
directores más relevantes–, la propuesta toma el brío suficiente como
para situarse en una frontera difusa, en donde actor y persona son uno y
lo mismo, y cada una de estas caras ramifica en otros juegos de
espejos. En este sentido, la historia primera, eje del argumento, sitúa
al actor Ishii Yuichi adoptando el rol del padre de una niña de 12 años.
Es a ella a quien espera durante la secuencia inicial del film. A ella
le explica que tuvo que abandonarla siendo bebé, que ahora tiene otra
familia, y que a pesar de todo siempre será su primera hija.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Mientras los encuentros sucesivos fortalecen el vínculo, Ishii vuelve
cada vez más cercana su relación con la madre de la niña. Siempre a
través del dinero. “Usted tendrá aquello por lo que pagó”, señala. Y es
ése el lema desde el cual comprender todos y cada uno de los actos que
sucederán entre él y quienes le rodeen: una mujer que desea reiterar la
sorpresa de haber ganado una suma de dinero, la puesta en escena
callejera y fotográfica para una falsa estrella de Instagram, el reto
recibido en lugar del responsable de un desfasaje horario entre trenes.
Pareciera que por el dinero se asume el rol que se requiera. Pensado
así, lo que sucede en la película no sería tan ajeno al desempeño de la
vida diaria.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es por todo esto que <i>Family Romance, LLC</i> adquiere una lectura
mucho más honda, que terminará por poner en duda los lazos reales del
protagonista. Pero, ¿quién es él? Dice tener una familia. Y en algún
momento sospechará si el afecto recibido no ha sido obra también de una
simulación. Quien le escucha, siempre de manera confesional, es alguien
que parece cercano a sus afectos, tal vez un amigo. Pero la familia
real, si es que existe, quedará por fuera de cuadro, no es algo que la
película procure resolver, antes bien lo indaga y toca desde las
simulaciones que se llevan adelante, con el cariño de esta niña cada vez
más a flor de piel.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre otras, en <i>Family Romance, LLC</i> hay dos situaciones más y
fundamentales. Una de ellas, en tanto relación cinéfila, es la que
remite a la puesta en escena fraguada, al acto ilusorio de asumir por
cierto lo que no lo es. Hay ejemplos brillantes, y es en esta estela,
con títulos como <i>F for Fake</i> de Orson Welles y <i>House of Games</i> de David Mamet, donde encuentra filiación <i>Family Romance, LLC</i>.
La otra instancia es la de la secuencia robótica, entre recepcionistas y
peces mecánicos. La mirada sonriente, la amabilidad premeditada, el
nadar de un pez vacío, son situaciones ante las cuales Ishii queda
absorto, tal vez por mirarse a sí mismo y no obtener emoción alguna.
Aquí, más que en cualquier otro lugar de la película, tendrá resonancia
uno de los más famosos títulos de Philip Dick: “¿Sueñan los androides
con ovejas eléctricas?”; es más, hay un diálogo que lo cifra con otras
palabras.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Pero hay todavía algo más profundo en el film de Herzog, y toca a la
esencia dramática de la tarea de la actuación así como a la praxis
cinematográfica. Porque, a fin de cuentas, se trata de personas que
interpretan personajes, y cuándo y dónde fijar límites entre ambas
instancias puede ser difícil. Ni qué decir entre el actor Klaus Kinski y
los personajes interpretados para Herzog: Woyzeck, Nosferatu, Aguirre,
Fitzcarraldo. ¿Cómo distinguir a todos ellos –director, personajes,
actor– de entre sí?</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">En <i>Family Romance, LLC</i> la situación adquiere un desafío mayor.
Es la propia persona quien hace de sí. Es un recurso que desde luego
que el cine ya ensayó, pero el contexto cambió y la disolución o
reelaboración humana desde lo digital alteró el panorama, así como al
cine mismo. Al respecto, vale prestar especial atención a <i>Blade Runner 2049</i>. Otra vez Dick, ¿no?</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Si el cine cambió, la película de Herzog es constancia de ello,
elaborada de una manera familiar (con su esposa y su hijo), entre pocas
personas, con él resolviendo las situaciones con planos y contraplanos
al hombro, a plena luz del día. Es una película realizada en la calle,
de tecnología accesible, desprovista de grandes presupuestos. Un cine
intimista. Que busca preguntas silenciosas en medio de la urbe
superpoblada.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">De este modo y a propósito de tanto ruido (y tantas pantallas), la
belleza de los cerezos permanece y el silencio de la meditación es
posible. Todavía es razonable encontrar un remanso, tranquilidad, una
buena película. Tan profunda y compleja como cualquiera de las grandes
producciones del alemán, a veces desbordado por la naturaleza salvaje,
que habita su cine como un dios inmisericorde. Pero ahora es el turno de
los cerezos, de sus pétalos. Mientras un padre se pregunta, ante una
hija que no es suya, si su vida es cierta.</span></span><br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-85263110232695995382020-07-17T08:17:00.002-07:002020-07-17T08:20:12.506-07:00Cotillón (2020, Maten al Mensajero). Jazmín Varela: entrevista.<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #8e7cc3;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El éxtasis y las mini pinturitas</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #8e7cc3;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3IPB686aT48/XxHAP6PDJ5I/AAAAAAAAH8U/RUfMVp7SAtUev9mCtA8aQAm07eIT92YogCLcBGAsYHQ/s1600/jazmin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-3IPB686aT48/XxHAP6PDJ5I/AAAAAAAAH8U/RUfMVp7SAtUev9mCtA8aQAm07eIT92YogCLcBGAsYHQ/s320/jazmin.jpg" width="320" /></a></h1>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La ilustradora rosarina hace una celebración del encuentro y del viaje íntimo, mientras descubre su forma en el camino.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></b></span></span>
<a href="https://www.pagina12.com.ar/277832-el-extasis-los-cuerpos-y-las-mini-pinturitas"><span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Leandro Arteaga</span></b></span></span></a></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Tres amigues, calor, ácido, fin de año, Rosario. Hay uno o varios
viajes por venir. Y posibilidades que derivan o ramifican en otras, que
hacen de la historieta un medio siempre genial, de fronteras abiertas.
En <i>Cotillón</i> (Maten al Mensajero, 2020), el nuevo libro de Jazmín
Varela, la dibujante rosarina continúa una veta personal, que crece y se
explaya. Entre <i>Crisis capilar</i> (EMR, 2016), <i>Guerra de soda</i> (Maten al Mensajero, 2017), <i>Tengo unas flores con tu nombre</i> (Maten al Mensajero, 2018) y <i>Cotillón</i>,
se distingue una obra sólida y expansiva, así como una de las más
atractivas dentro del panorama de la historieta contemporánea.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Lo
que me pasa con todas las historietas es que me cuesta tomar dimensión
de lo que voy haciendo. Una vez que están publicadas comienzan a caer
algunas fichas. Con <i>Cotillón</i> fue bastante particular, porque lo
que pasa en el libro no es una premonición, y me da mucha nostalgia
leerlo ahora, con todo lo que pasó en el medio: las calles están vacías,
no hay gente, las secuencias ocurren puertas para adentro. <i>Cotillón</i>
es una celebración del contacto físico, con los otros, de la fiesta. Me
genera mucha melancolía por las ganas de estar cara a cara con otra
gente. Terminó siendo un homenaje al contacto del cuerpo”, explica la
ilustradora.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En <i>Cotillón</i>
el año está por cambiar, pero se respira una quietud que no tardará en
volverse más extraña, cuando “el envión químico tendrá para elles el
efecto de la picadura de una araña radiactiva”, según la contratapa. Hay
que salir, por eso, a los espacios abiertos y al encuentro de uno
consigo mismo, siempre en vínculo con los demás. La fiesta, en este
sentido, como un canal donde convergen las energías. Un lugar donde uno y
todos estallen.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--¿Cuánta previsión hay para la realización de un libro como <i>Cotillón</i>? ¿Cuándo y cómo surge el guion?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Definitivamente
lo encuentro a medida que se va desarrollando la historia, no lo puedo
planificar antes. Aquí hubo un proceso de trabajo muy largo, de un año,
al que tomaba y dejaba. Me estuvo acompañando mucho José (Sainz, editor
adjunto), nos juntábamos cada 15 días a hacer correcciones. En este caso
fue una historieta autobiográfica, y al haberlo experimentado me costó
tomar conciencia de realmente qué es lo que estaba contando, cuál fue el
viaje o cuál era el sentido. Eso se termina de cerrar cuando termino la
obra. Pero durante el proceso no tengo mucha idea de nada, sé que hay
que ir por ahí, hay una historia de base, como un hilo conductor, pero
ni siquiera es un guión ni una lista de nada, sino que es sobre mi
propia vivencia y experiencia. Se va construyendo a medida que lo voy
haciendo. </span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Hay un viaje doble, hacia dentro pero hacia afuera también.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Esto
del viaje interior y del viaje exterior, conectado con les otres, tiene
que ver con las sensaciones de consumir algunas sustancias, en este
caso con el éxtasis. Es un viaje interno pero vas interactuando con los
demás, como una experimentación de la disolución del ego, donde te
sentís conectado muchísimo con el otro, donde terminás siendo un
organismo unicelular con toda la gente que está alrededor.</span></span><br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-hUTd3CHoZQk/XxHA_WH9KmI/AAAAAAAAH8k/0M-OrGM6wMgQC3eaRnpZetOMgTutX5h9wCLcBGAsYHQ/s1600/jaz.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="724" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-hUTd3CHoZQk/XxHA_WH9KmI/AAAAAAAAH8k/0M-OrGM6wMgQC3eaRnpZetOMgTutX5h9wCLcBGAsYHQ/s320/jaz.jpg" width="226" /></a><span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--La historieta parece ser el medio idóneo para dar forma a estar experiencias.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Fue
el desafío más grande, poner en imágenes todas esas sensaciones y de
qué manera, porque también son sensaciones muy sinestésicas, no es solo
visual lo que te pasa, se empiezan a mezclar los sentidos.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Con José Sainz trabajás de manera habitual, ¿qué le agrega él a tu obra?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--A
veces es muy difícil compartir el proceso desde cero de una obra, y sin
embargo José de alguna manera construye un espacio donde te sentís
súper cómoda. Las devoluciones son amorosas, certeras, tiene una mirada
que para mí no tiene casi nadie. No conozco un laburo de edición como el
que hace él, de codo a codo con el autor. Creo que ninguna de las
publicaciones que hice hubiesen sido posibles sin esa mirada suya sobre
mi trabajo. Estoy agradecida de trabajar con él.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--En <i>Cotillón</i> aparecen referencias que parecen tomadas de la animación de los años ’30. ¿Cuáles más tuviste en cuenta?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Previo
a comenzar estuve consumiendo mucha historieta europea, gracias también
a José, de autores contemporáneos como Tara Booth y su historieta <i>Nocturno</i>, que la usé mucho como referencia, para los dibujos y la paleta de color; también <i>Olivier</i> Schrauwen, que trabaja el color de una manera espectacular, con un método de impresión increíble.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Con trabajos como el tuyo, la historieta demuestra no tener límites, más allá de cierta escolástica que a veces es un límite.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--A
mí me ayuda mucho no venir del palo de la historieta, hay no sé si
reglas o cómo llamarlas que no tengo muy incorporadas o directamente no
las pienso. Mi resultado final tiene que ver con mini pinturas antes que
con una secuencia de historieta con viñetas. No tengo el prejuicio de
tener que encajar en una viñeta un texto, me gusta más que sean
ilustraciones sueltas y que el relato se vaya formando a partir de eso.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Cotillón</i>
fue editada también en España por el sello Sigilo, como título elegido
para el lanzamiento de una colección de historietas. Todavía no se
distribuyó por allí, a raíz de la pandemia. Ya llegará ese momento. Lo
que importa por aquí es que los libros de Jazmín Varela se consiguen
todos. Y son una celebración de los cuerpos, de la sororidad, de la
autoafirmación. Y de la historieta.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-25650876842171132682020-07-17T08:11:00.001-07:002020-07-17T08:12:37.437-07:00Bernarda es la patria (2020) Diego Schipani y Willy Lemos: entrevista.<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Retrato íntimo y festivo entre dolores y amores</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-snYwWmXUq1E/XxG-AjzsDyI/AAAAAAAAH8I/VBxM5jYiMdQj_uR72Uw-6LUHF15C_J5kQCLcBGAsYHQ/s1600/willy-20lemos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-snYwWmXUq1E/XxG-AjzsDyI/AAAAAAAAH8I/VBxM5jYiMdQj_uR72Uw-6LUHF15C_J5kQCLcBGAsYHQ/s320/willy-20lemos.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i> </i></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>La película de Diego Schipani que protagoniza Willy Lemos se estrenó en Cine.Ar. El recorrido discurre, amplía, traza un itinerario entre el arte, la vida, con Lorca como lugar de encuentro.</i></span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="article-summary">
<a href="https://www.pagina12.com.ar/277520-retrato-intimo-y-festivo-entre-dolores-y-amores"><span style="color: #351c75;"><span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Leandro Arteaga</span></b></span></span></a><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Ingresar a <i>Bernarda es la patria </i>es hacerlo a un mundo donde
la vida es el arte, con el teatro como núcleo y lugar de encuentro,
donde transcurre un casting –veraz, tal vez ficticio- sobre <i>La casa de Bernarda Alba</i>.
Los parlamentos, las observaciones, la cámara. Testimonios y
situaciones dirán también desde otros escenarios, situados en plena
calle, entre camarines y casas amigas. El recorrido discurre, amplía,
traza un itinerario y hace surgir con él todo un imaginario. El teatro
(y el cine) es la vida. Así lo dice a este medio el protagonista principal de la
película, Willy Lemos: “Yo me casé con mi carrera. A
través de la carrera puedo dar, puedo abrir, puedo tener hijos. Cada
personaje es un hijo. Y yo soy. No hago de. Nunca. Esa es la clave de
una verdad. Trabajar con el alma y con tu esencia. Mi ser y mi artista
se encuentran en un punto, que es la trayectoria, que es mi carrera. Mi
verdad”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>Bernarda es la patria</i> se estrenó en <a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/6385">Cine.Ar</a> y conoce ahora su segunda semana, hermosa noticia. La dirige Diego Schipani, cuenta con la participación de Albertina Carri en guión y
producción, y es una carta de amor, íntima y festiva. “Yo no estoy
contando la vida de Willy, sino a través suyo la vida de tantas personas
que trabajaron o trabajan de la actuación. A Willy lo conozco hace
mucho, desde mi primera película (<i>Las hermanas L</i>), en 2007. Es la cuarta película que hago con él. Cuando hicimos <i>La noche del lobo</i>,
en 2012, estábamos hablando entre tomas y me comenzó a contar acerca de
su vida y de la movida under de los ‘70 y ’80, y le dije ‘Willy,
tenemos que hacer algo, todo esto es genial’”, explica Schipani.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Tras sucesivas etapas –un teaser para el Festival LGBTIQ Asterisco y la presentación el proyecto al Incaa- <i>Bernarda es la patria</i>
comenzó su rodaje en 2018. “Fue muy complejo todo, por el sistema de
producción, por filmar casi sin dinero y sin guión también. Más allá de
que lo que presenté al Incaa es lo que termina siendo la película, la
forma en la que estaba estructurado el guión no me representaba. Y al
pasar tanto tiempo entre una etapa y la otra, con Albertina (Carri) nos
replanteamos cosas. El guión apareció en el montaje. La película es un
palimpsesto de ideas, armada con retazos, con historias y con sonidos”,
continúa Schipani.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>-Por eso, intuyo, el audio con el reproche amoroso de Willy.</b></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">-Allí, él cuenta que ahora entiende por dónde va la película. Más
adelante, en otro audio, dice que cree que va por otro lado, porque
entró Albertina, y porque él creía que la película era solamente lo que
habíamos grabado en 2015 en su casa, para el teaser.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Según el actor, “la película empezó de una manera y luego cambió
cuando apareció Albertina, y se nota. Hay una voz en off mía, verdadera,
donde digo algo así como ‘yo sé que ahora te llenó la cabeza’ (<i>risas</i>).
Pero creo que la mano de Albertina fue maravillosa. Y la mirada de
Diego fue desde un respeto enorme”. Este cambio de orientación resultó
fundamental para Willy Lemos, porque “empezó como una película de
transformismo, y yo odiaba esa palabra de toda la vida. Yo no soy
transformista, nunca lo fui, nunca trabajé en un boliche gay, nunca hice
un playback de Valeria Lynch. No estoy en contra de eso, me parece
bárbaro. Pero el único transformista que reconozco es Jean François
Casanovas, que me parecía un creador. A mí los imitadores no me gustan,
me gustan los creadores, y que además de crear no se la creen ni tienen
vanidad”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Hay un momento magnífico, que reúne a Lemos con Víctor Anakarato y
Mario Filgueira, las anécdotas están a flor de piel. Se les escucha
contar, por ejemplo, que no tenían luz en la cocina y que la plata se la
gastaban en drogas, alcohol y pelucas. ¡Y pelucas usadas!, aclaran. “Es
genial. Era otro momento, otra realidad. Había una explosión creativa
maravillosa. Pero dentro de esa cosa festiva estaba también el dolor. Lo
bueno es que a través del amor y a través del arte uno puede encontrar
la sanación, uno puede aprender a entender y comprender cómo se fueron
sucediendo las cosas. Willy se fue a los 14 años de su casa, luego de
que su padre estuvo preso dos años. Vivió en la calle y pasó por muchas
cosas. A los 14 o 15 años comenzó a trabajar en <i>La Botica del Ángel</i>,
de Bergara Leumann. Por eso él dice que para que existiera el
paracultural, hubo otros, y señala a quienes están sentados en su casa,
‘que nos rompimos el culo para allanarles el camino’. Es el trabajo suyo
y el de tantos más. Es como un reflejo de muchas almas”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Al respecto, Lemos afirma que “todo eso abrió puertas, eso es lo
importante, y en este documental quise contar algo muy íntimo para que,
ojalá, abra puertas también”. Las referencias a su historia personal, al
abuso sexual por parte de su padre y la vida en la calle, son tomadas
como matices intensos que la película enhebra en un todo de cariño.
Entre estos momentos, destaca también el desprecio y persecución
practicado aún en democracia. “A mí me llevaron preso en plena época de
Alfonsín, cuando la mano desocupada de los militares se ocupaba de los
gays, se metían en tu casa, te robaban, te hacían firmar ‘prostitución’.
A las diez entradas en comisaría, a las prostitutas se las llevaba a la
cárcel, y me llevaron a la cárcel”, rememora el actor. Y agrega una
síntesis precisa: “Yo zafé por mi profesión, me refugié en el hemisferio
femenino y en defender a todos los seres que sufren”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El ángel que la película invoca ya lo cifra el título: “De acuerdo
con este sistema de producción, en donde el tiempo hacía que uno
repensara lo hecho, viendo hacia dónde dirigir la próxima jugada,
apareció también García Lorca. De alguna manera, Bernarda Alba toca
estas problemáticas también. Hay un montón de cosas que hicieron que
Lorca y Bernarda sean el canal perfecto para contar esta historia, a
través de estos actores maravillosos. Estoy fascinado con Willy Lemos,
lo quiero muchísimo, y me parece que era necesario contar la película.
Me gusta que la gente la esté recibiendo bien, que la acompañe, me llena
de orgullo y satisfacción. No me lo esperaba, y ahí está. Es la patria
que somos todos”.</span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-74444385425842102412020-07-17T08:02:00.000-07:002020-07-17T08:02:40.158-07:00Da 5 Bloods (2020, Spike Lee)<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #134f5c;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Tras el mapa del tesoro vietnamita</span></span></span></h1>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-bWQ00JF3ds0/XxG84rKwdxI/AAAAAAAAH8A/O5SydcJjafIjfgly5KnUhzsKawptrhpUQCLcBGAsYHQ/s1600/da%2B5.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="319" data-original-width="450" height="226" src="https://1.bp.blogspot.com/-bWQ00JF3ds0/XxG84rKwdxI/AAAAAAAAH8A/O5SydcJjafIjfgly5KnUhzsKawptrhpUQCLcBGAsYHQ/s320/da%2B5.jpeg" width="320" /></a></div>
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De
manera grotesca, por fuera de la retórica militar, el director de El
infiltrado del KKKlan logra un retrato despiadado con Vietnam como
metáfora recurrente.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/276654-tras-el-mapa-del-tesoro-vietnamita" target="_blank">Leandro Arteaga</a></span></span></b><br />
<br />
<b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">5 Sangres</span></span></b><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">(Da 5 Bloods) EE.UU., 2020. Dirección: Spike Lee. Guion: Danny Bilson, Paul Demeo, Kevin Willmott, Spike Lee. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Montaje: Adam Gough. Música: Terence Blanchard. Reparto: Delroy Lindo, Jonathan Majors, Clarke Peters, Norm Lewis,
Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jean Reno, Mélanie Thierry. Duración: 156 minutos. Disponible en Netflix. 8 (ocho) puntos</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Con el pulso firme y galardonado tras <i>El infiltrado del KKKlan</i>,
Spike Lee vuelve ahora a Vietnam, al de verdad y al del cine, si es que
ambas cuestiones tiene sentido ser separadas. Porque sobre los hechos
históricos y sus protagonistas, el cine tiene mucho para decir, en tanto
constructor de estereotipos y mascarada de realidades. Pero también
como dispositivo consciente de sí mismo, capaz de volver a lo dicho y
hecho, reverlo y discutirlo (y discutirse). El cine es amplio, plural,
pero no relativiza. Luego de <i>Apocalypse Now</i> las ingenuidades y
complicidades sobre Vietnam ya no tienen cabida, y si todavía existen,
es por la mediocridad evidente de sus artífices.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Por eso <i>5 Sangres</i> ofrece un plano detalle sobre el título de
la película de Francis Ford Coppola, mural de un bar donde se concentra
el punto de partida de la secuencia. Y lo hace a través de un travelling
que se retrae, así como Stanley Kubrick en el comienzo de <i>La naranja mecánica</i>:
la cámara se abre y descubre progresivamente el espacio. Dos citas en
una película, simultáneas, y apropiadas por uno de los mayores cineastas
contemporáneos.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La acción retrata a los “5 Sangres” del título, afroamericanos y de
vuelta al Vietnam de sus horrores. Ya no son 5, uno cayó en combate, y
su cuerpo todavía permanece allí, en algún lugar. También un tesoro, un
cargamento repleto de lingotes de oro, fortuitamente caído entre ellos y
escondido hasta nueva oportunidad. El oro oculto servirá como manera de
reparar, llegado el momento, el infortunio sufrido. Dos misiones en
una, encontrar al hermano y con él al tesoro.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Vale aclarar que <i>Los 5 Sangres</i> no ofrece épica bélica ni
enaltecimiento militar, sino ecos de un conflicto por el cual un grupo
de personas hermanaron voluntades mientras procuraban salvar sus vidas,
con el coro retórico y de propaganda de que así salvaban la democracia.
De esto último, evidentemente nada. Sea por el desastre que la guerra de
Vietnam fue, así como por el presente norteamericano, de leyenda
suficiente en la gorra que lleva uno de estos mismos veteranos: “Make
America Great Again”, el lema de campaña de Trump.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Así las cosas, la ironía está servida, y en manos de Spike Lee es
siempre condimento. Un sinsabor que justifica también las intromisiones
“realistas” o “fotográficas” dentro de la trama que se narra.
Testimonios, fechas, personas, sucesos, que se hilvanan como subrayados.
De esta manera, entre la ficción y la realidad la diferencia es lábil,
porque el cine no mira otra cosa más –esto siempre ha sido y es así- que
lo que le rodea; es por eso que son tan efectivas las películas
reaccionarias de Chuck Norris (nombrado aquí tanto como Stallone) como
poética es <i>Apocalyps Now</i>. La incidencia de cualquiera de ellas
existe. Más vale estar atentos, pareciera decir la película de Lee, de
lo contario, no podría explicarse cómo un afroamericano, utilizado como
títere y soldado en una guerra, podría votar a Trump. Es en estos
lugares donde el cine de Spike Lee horada, una y otra vez: <i>Haz lo correcto</i>, <i>Malcolm X</i>, <i>Fiebre de amor y locura</i>, <i>SOS Verano infernal</i>, <i>Chi-Raq</i>, entre otras, como grandes ejemplos.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La acción, entonces, se sitúa en este reencuentro en suelo “enemigo”.
Otra vez a circular por los lugares alguna vez visitados, mientras el
paisaje de la Ciudad Ho Chi Minh se vuelve el Saigón de los recuerdos.
La mirada turista se confunde con los resabios de la guerra. Entre el
hermano perdido –líder de los 5, por compartir palabras sabias y
cristalinas- y el oro escondido se construye un necesario contrapunto,
como humores no coincidentes.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">No es casual que sea el hijo de uno de ellos quien complete ahora el
quinteto, escondido de la mirada de su padre, también como representante
de la generación que sigue y se mira en sus adultos. Él, en este
sentido, en un territorio fronterizo, entre un padre que alucina por las
desgracias sobrevividas pero que ha votado por Trump. Adultos que
parecen no querer recordar demasiado por qué peleaban, o cuál era la
pelea verdadera. A la vez, estos recuerdos del combate enhebran también
la voz radial de una locutora vietnamita, como un fantasma que acechaba
esos días de violencia, con música y palabras racionales. El enemigo
parecía estar en otra parte, y así era.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Progresivamente, mientras la búsqueda del tesoro sucede, la película
se vuelve más grotesca. Asume las maneras estéticas del cine bélico y
las parodia. El enrevesamiento es progresivo, con momentos que bien
podrían ser análogos a los de alguna película de, justamente, Chuck
Norris: no hay que olvidar que uno de sus más famosos títulos fue <i>Desaparecido en acción</i>, que no deja de reverberar con lo que aquí sucede.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre explosivos olvidados y una locura reencarnada, el quinteto
avanza cada vez más descuartizado. El delirio se asume, la película lo
disfruta. Y logra momentos superlativos, como el parlamento en plano
secuencia de Paul (Delroy Lindo), el votante de Trump: habla a cámara
durante minutos, en una escena cuya lógica se desprende de la dinámica
narrativa de todo lo visto y sin embargo funciona, en tanto ardid que
sostiene la historia pero a la vez la expone como construcción formal.
El cine se sabe cine en manos de directores como Spike Lee.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Seguramente no sea la mejor de las películas del director, pero a
esta altura poco importa elaborar comparaciones siempre tediosas, ni
mucho menos ensayar cuánto menos debiera haber durado: la extensión es
de 156 minutos y es puro cine, lástima que no sea aún más extensa. Antes
bien, se trata de disfrutar de una de las voces autorales siempre en
sintonía con su alrededor y el medio estético elegido. Si el cine
norteamericano subsiste todavía como promesa estética, autocrítico y
acorde con sus mejores períodos y autores, es gracias a realizadores
como Spike Lee.</span></span><br />
<br /></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-35420607267517939842020-07-17T07:56:00.001-07:002020-07-17T07:57:15.109-07:00Lina de Lima (2019). María Paz González: entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="color: #351c75;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los recuerdos viajan con la música</span></span></span></h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Q_oPDcG0XrA/XxG7gdoTl4I/AAAAAAAAH74/XGgafYQs_IQoYxrSLJt2Nwxgw3_J1MBFACLcBGAsYHQ/s1600/MAGALI.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-Q_oPDcG0XrA/XxG7gdoTl4I/AAAAAAAAH74/XGgafYQs_IQoYxrSLJt2Nwxgw3_J1MBFACLcBGAsYHQ/s320/MAGALI.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>La película de María Paz González recrea la vida migrante de una mujer de música empoderada y lazos familiares lejanos</i>.</span></span><br />
<br /></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="color: #674ea7;"><b><span style="font-size: x-small;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/276112-los-recuerdos-viajan-con-la-musica" target="_blank">Leandro Arteaga</a> </span></b></span></span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Si bien ligada al cine documental, la realizadora chilena María Paz
González estrena su primera ficción, y de un modo por lo menos
llamativo. Protagonizada por la actriz peruana Magaly Solier, <i>Lina de Lima</i>
articula pasajes musicales en el día a día de una mujer cuya familia ha
quedado en Perú, mientras trabaja en la casa de una familia adinerada
de Chile. Una situación de desarraigo que la música resuelve como
melancolía feliz.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>Lina de Lima</i> se estrenó en Cine.Ar, precedida de críticas elogiosas y premios, sin olvidar que en
Argentina pudo verse en el Festival de Cine de Mar del Plata. “Cuando
pienso una historia no pienso en la forma. Y acá fue a raíz de
investigar para un documental, a partir de los cambios que observaba en
la ciudad de Santiago, que en los últimos diez años ha cambiado mucho
con la migración. Siendo un país tan marginal del mundo, estábamos más
acostumbrados a salir nosotros, pero comenzó a llegar mucha gente,
haitianos, peruanos, argentinos. Me daba cuenta de que a la migración
argentina se le dice ‘extranjeros’ y no migrantes. La precariedad y el
tipo de trabajo que hacés te sitúan en un lugar específico, y cómo la
sociedad te mira también”, explica María Paz González.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">“Al ver muchas películas sobre el tema, todas estaban marcadas por el
drama absoluto, en donde los personajes no tienen mucha posibilidad de
hacer nada frente a una realidad que ya de por sí es aplastante y muy
difícil. Pero investigando y conociendo personas me encontré con un
mundo súper luminoso, de mujeres empoderadas. Desde ahí la película fue
virando un poco, cada vez hacia algo ficcional, porque sentía que la
ficción podía dar cuenta de una forma más profunda y sensible sobre lo
que yo estaba observando”, continúa la realizadora.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>--¿Allí surgieron los momentos musicales?, ¿estaban previstos?</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">--Siempre estuvo en el corazón de la película. Al momento de
investigar, también te das cuenta del poder y la fuerza que tiene la
música para las personas que viven fuera de su país, como los olores,
las comidas, los sabores, mucho más que la vista o las fotos. Mucho de
lo que viaja con uno son los recuerdos, marcados muchas veces por la
música. En ese sentido, la idea del musical me pareció interesante como
contrapunto, para darle vida al mundo interior de la protagonista. Se
hizo en base a una investigación, en torno a los diferentes ritmos de
Perú. Armamos un trabajo súper bonito con mi pareja que es compositor,
el agente de Magaly que es músico, y la propia Magali.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>--Hasta te permitís un diálogo, o discusión, con coreografías de musicales de Esther Williams.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">--Es interesante ver que en el cine latinoamericano hay poca relación
con el cine musical, a pesar de que somos reconocidos en América Latina
por nuestro ritmo y sonoridad. Pero el cine ha sido quizás un poco
esquivo al darle espacio a la música. Así que fue un poco por intuición
pero también por las ganas de ver eso. ¡Imaginate! Vengo del documental y
terminamos armando unos musicales. Fue todo un desafío, bien difícil y
complejo, desde las ganas de hacer un tributo y homenaje a una música
que me encanta por su valor cultural e identitario.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>--Hay diálogos con otros géneros, como el momento que recuerda los
códigos del cine silente, en el diálogo entre Lina y el personaje
haitiano.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">--Tiene que ver con rescatar algo que estaba en la historia del cine
pero escondido, y me parecía interesante. Por ejemplo, me gustaba mucho
lo que pasa con el cine asiático, Magaly tiene una cosa también que nos
conecta con lo asiático y nos parece muy interesante visualmente. Para
mí es un referente Tsai Ming-Liang; en <i>The Hole</i> el personaje vive
una realidad que es un poco más hostil, y hay una especie de episodio
musical que no es exactamente un musical. En mi caso hay elementos del
musical, que a mí me interesan desarrollar. Es un diálogo con los
géneros, algo que a mí me interesa observar y trabajar. El género muchas
veces tiene que ver con el lugar común, con seguir ciertas reglas que
dan estructura y personalidad a la historia. Y es bonito revolver un
poco y ver que tiene muchísimas más posibilidades.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>--Lina parece siempre ajena a los lugares y con las cosas.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">--Es la idea del no-lugar. El personaje es una especie de bisagra,
que no termina de estar en una familia ni en otra, en un país ni en
otro. Me parece alucinante esta idea de una casa donde tú puedes estar
sola y tener un espacio pero ese espacio nunca es propio. Además de ser
un personaje a través del cual exponer ciertos conflictos que tienen que
ver con la representación del género, hay un conflicto que es de clase.
Uno podría pensar que el conflicto del padre que no conoce demasiado a
su hija es parecido al de Lina con su hijo, pero no es lo mismo, las
realidades son muy distintas. Uno puede observar las precariedades, las
contradicciones y posibilidades que puede tener una persona, dependiendo
del lugar donde nació. Si bien para mí es un drama y tiene ciertos
elementos de humor, en ningún caso los personajes pueden escapar de eso.
Si uno lo piensa, finalmente es triste.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>--La tarea de Magaly Solier es notable. ¿Hasta dónde influyó ella?</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">--Siempre he pensado que terminé de entender al personaje, en la
edición incluso, cuando veo a Magaly interpretando. Hay miradas de
Magaly que sacan diez líneas de una escena. Su profundidad y forma de
expresar el mundo interior del personaje a veces es mucho más fuerte a
partir de un gesto, que dice muchísimo más que algo que yo pueda haber
escrito. Hay algo ahí, una verdad que ella entiende y que yo no. Y eso
me pareció bien fascinante. Todos me decían que la actriz tenía que ser
ella, pero yo tenía un poco de susto, porque los personajes que había
hecho explotaban una especia de belleza exótica, y tenía un poco de
temor al traspasar eso a una belleza más cotidiana, que viene desde otro
lugar. Y la verdad es que aprendí un montón a desprejuiciarme. Es una
tremenda actriz y conoce muchísimo más al personaje que yo, ya que ella
trabaja mucho fuera de su casa y tiene tres hijos. Creo que toma mucho
de sus elementos para actuar.</span></span><br />
<br /></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-31162943612590266522020-07-17T07:46:00.000-07:002020-07-17T07:47:35.719-07:00Bajo mi piel morena (2020). José Celestino Campusano: entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El cine pertenece a la comunidad</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-D0MwJMtMho0/XxG5IBC5X0I/AAAAAAAAH7s/2MVsEr9ZfvssPJdYkbqUldASgPPupAK0gCLcBGAsYHQ/s1600/campusano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="341" data-original-width="512" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-D0MwJMtMho0/XxG5IBC5X0I/AAAAAAAAH7s/2MVsEr9ZfvssPJdYkbqUldASgPPupAK0gCLcBGAsYHQ/s320/campusano.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Protagonizada
por la actriz trans Morena Yfrán, la película de José Celestino
Campusano asume una vez más lo que sus personajes dicen y viven.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<a href="https://www.pagina12.com.ar/275197-el-cine-pertenece-a-la-comunidad" target="_blank"><span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Leandro Arteaga</span></b></span></span></a></div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Una de las miradas más lúcidas del cine argentino es la del director José Celestino Campusano. Títulos como <i>Vil romance</i>, <i>Fango</i>, <i>Vikingo</i>, <i>El azote</i>,
alumbraron a un autor de mirada frontal, cercano a lo que retrata,
capaz de asumir la pluralidad de la voz social, pero con la atención
puesta en quienes son marginados o tantas veces estereotipados. En este
sentido, el cine, aun contemplando honrosas excepciones, todavía tiene
una deuda consigo mismo. <i>Bajo mi piel morena</i>, protagonizada por
las actrices trans Morena Yfrán, Maryanne Lettieri y Emma Serna, es la
más reciente película de Campusano, y está disponible en carácter de
estreno en <a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/6337" target="_blank">Cine.Ar Play</a> .</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Fundamos nuestra productora buscando otra poesía, otro tejido
social, que no es el que está en los programas de televisión y muchas
veces tampoco en el cine argentino, que durante mucho tiempo se afincó
en una clase capitalina media o media alta, mientras los demás estratos
eran ridiculizados, y el prejuicio de clase de parte de quien tomaba las
decisiones -sea desde la producción o dirección- era muy obvio”,
explica José Campusano. “Creo que podemos lograr una
herramienta de autocrítica y también de sanación. No nos podemos sanar
de aquello que no vemos que estamos padeciendo. Somos un país muy
complicado en muchos aspectos, si bien tenemos cosas valiosísimas. Pero
hay cuestiones de racismo, la policía es gatillera, abusiva. Nadie
quisiera estar en un calabozo con cuatro policías enervados discutiendo
de política. Hay cosas muy terroríficas. Pero a medida que no las
veamos, cara a cara, siempre será el problema de otro. Mientras no sea
el problema de la totalidad de nuestro país, estaremos muy desunidos, y
muchas veces a esa desunión se la fomenta desde las artes”, continúa.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En <i>Bajo mi piel morena</i>, tres historias se cifran en el rol que
compone Morena Yfrán, a partir de su vida cotidiana, su madre, el
trabajo en la fábrica. Con ella, los dilemas de Claudia (Maryanne
Lettieri) en el colegio donde da clases y es resistida; y Myriam (Emma
Serna), la prima de Morena que se prostituye y sobrevive al abuso
policial. ¿Hay una línea fronteriza entre personajes y personas? “Acá se
diluye esa frontera. Porque nuestro desafío tiene que ver con trasladar
los recursos del documental a la ficción. En la medida en que más
podamos hacerlo, recurriendo a los ámbitos verdaderos, a la verdadera
vestimenta, a las formas del habla de los entornos, mejor estaremos
cumpliendo con las prerrogativas. Los actores y actrices famosos no
tienen razón de ser en esta propuesta estética y política, como tampoco
los métodos de representación actoral, que están muy bien para las
tablas y para otro cine, pero acá no tienen nada que ver. Nos gusta
mucho filmar en los barrios y nos llevamos muy bien con las comunidades.
Tiene que ver con buscar lo políticamente incorrecto, por estar del
lado de la gente y no de la conveniencia y de los premios, si se quiere,
de cierta legitimación gringa, y menos aún de ciertas instituciones”,
responde el realizador.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-A Morena Yfrán la conocés a partir del rodaje de <i>Fango</i>, ¿no?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Sí, hace 10 o 12 años. Éramos un colectivo bastante grande. Salvo mi
primo hermano que es mi socio, Leonardo Padín, y yo, todas las demás
personas no eran parte del área de cine. Morena y Vikingo (Rubén Orlando
Beltrán) entre ellas. También Claudio Miño, nuestro músico hasta la
actualidad. Toda gente muy gustosa del heavy metal, con un pasado en los
barrios muy intenso en materia social. Leo y yo veníamos tratando de
establecer una impronta propia en el ámbito audiovisual, y alrededor del
2004 al 2008 se produjo la brecha en la que el fílmico dejó de ser el
único formato, tan prohibitivo. Como hizo mucha gente, comenzamos en esa
época a hacer películas con cámaras digitales, muy buenas. De ahí
pasamos a Mar del Plata y comenzamos a producir con regularidad. En 15
años hemos hecho 20 largometrajes, un promedio bastante aceptable, más
aún cuando todos tuvimos la prerrogativa de integrar a la verdadera
comunidad.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-¿Cómo surge la propuesta de filmar con Morena?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Me pasó de la misma manera que con Vikingo. Habíamos quedado con un
grupo de motociclistas a las 9 en tal lugar, el único que llegó sin
dormir y cinco minutos antes fue Vikingo. Automáticamente dije: “Acá hay
un hombre de palabra, con quien se puede hacer mucho”. Con Morena fue
igual. Llegaba puntual o antes, pero nunca falló en nada con lo que se
hubiera comprometido. Acá había una persona que podía servir de canal
con un ámbito no demasiado conocido, como el de las mujeres trans. El de
ella es un compromiso superlativo, además hace tres años que viene
estudiando teatro, por elección propia, para estar más suelta en la
película. Lo de la fábrica, la madre, su prima, la prostitución, todo
eso es real. Paralelamente, fuimos haciendo registros escritos y en
video, y algunos de estos pasajes nos resultaron tan brillantes y
difíciles de sustituir, que lo que hicimos fue transcribirlos a la
película, como la discusión de la madre violenta o la de la directora
con el personaje de Claudia. Eso fue transcripto de videos que hicimos
con amigas de Morena, principalmente con Pamela Coronel, hasta donde
tengo entendido la primera maestra trans de Argentina, que ahora ya es
directora de un colegio.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Tus rodajes deben movilizar a quienes los protagonizan.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Hemos filmado sobre trabajadores del conurbano como en <i>El arrullo de la araña</i>, músicos en <i>Fango</i>, sobre el flagelo de la trata en <i>Fantasmas de la ruta</i>, en <i>Vikingo</i> a los motociclistas del conurbano, en <i>La secta del gatillo</i>
sobre la mafia de la policía bonaerense. Pasan a ser, por nuestra
parte, documentos comprometidos con un momento de nuestra historia, y
con una forma de articulación por parte de estos colectivos. En <i>Hombres de piel dura</i>
se habla de la sexualidad promiscua en las zonas rurales, y cómo eso se
vincula con el azote de los curas pedófilos. La participación de la
comunidad es total, con mucha identificación, con un afecto que perdura a
lo largo de las décadas. Gente con la que filmamos hace mucho se vuelve
a contactar y siguen muy felices porque pudieron ser parte de algo que
queda. El poder de la imagen es abrumador, pero así como sirve para
descubrir y visibilizar, sirve para oscurecer y confundir. Depende de si
tiene verdad o propaganda. En el caso nuestro elegimos que sea una
herramienta de la cual se apodere la comunidad.</span></span><br />
<br /></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-26614882483109235972020-06-27T11:02:00.003-07:002020-07-17T07:51:41.747-07:00The Old Guard / Leandro Fernández: entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Lo importante es contar historias</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-hncHLhTGnoQ/XveI-kndlqI/AAAAAAAAH4w/0wm0ll0h4HEtLy-IPrYf-sF7kKrk6mLeACLcBGAsYHQ/s1600/leo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-hncHLhTGnoQ/XveI-kndlqI/AAAAAAAAH4w/0wm0ll0h4HEtLy-IPrYf-sF7kKrk6mLeACLcBGAsYHQ/s320/leo.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De
trayectoria internacional, el dibujante de la ciudad reparte sus
lápices en obras autorales, que ahora tocan a las puertas del cine con
la inminente The Old Guard, de estreno previsto para el 10 de julio de 2020 (Netflix).</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/238819-lo-importante-es-contar-historias" target="_blank"><span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: x-small;"><b>Leandro Arteaga </b></span></span></a></span></span></div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Anécdotas sobre el rodaje de la película que versiona su historieta
no le faltan, pero es difícil encontrar palabras que den cuenta de la
emoción con la que Leandro Fernández las refiere. El dibujante rosarino
estuvo en Londres, de visita en el rodaje de <i>The Old Guard</i>, el
film que dirige Gina Prince-Bythewood con un reparto que incluye a
Charlize Theron (también productora) y Chiwetel Ejiofor. Todo ello, a
partir del cómic creado junto al guionista Greg Rucka para el sello
norteamericano Image. Experiencia fílmica de la que el dibujante no debe
hablar, hay un contrato de por medio. Aunque sí puede conversar sobre
su trayectoria. Porque es ella, justamente, la que le ha situado como
uno de los lápices relevantes en el panorama del cómic internacional.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Paradojas mediante, el trabajo de Fernández es poco o nada conocido entre propios. Es el <i>quid</i>
del asunto, que toca a tantos artistas locales con trayectoria en el
exterior. Editoriales como Marvel, Oni Press, Image, y personajes como
Wolverine, Hulk, Punisher, estuvieron bajo la imaginería de Fernández,
quien desde hace un tiempo encuentra una voz autoral mayor, con decisión
sobre el tipo de historietas que realizar. Lo corrobora su relación con
guionistas de valía como Rucka, Peter Milligan (<i>The Discipline</i>, <i>The Names</i>) y Bryan Hill (<i>American Carnage</i>). Como ejemplo, durante 2020 la prestigiosa editorial francesa Dargaud publicará <i>Far South</i>, el libro realizado con el guionista Rodolfo Santullo para el sello rosarino Puro Comic Ediciones en 2013.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Cuando me decidí a hacer <i>Far South</i> fue con la intención de
que si bien hay mucha gente que aprecia tu trabajo y te hace comentarios
positivos, en realidad lo que la mayoría conoce son dibujos sueltos. La
naturaleza de mi trabajo, tal como lo concibo, es contar una historia,
así como lo hace un director de cine. Cuando hice <i>Far South</i> fue
con la idea de que la gente cercana pudiera conocer realmente lo que
hago, cómo cuento una historia. Y fue hecho acá, en nuestro idioma,
cuando en realidad yo trabajo para editoriales de afuera”, explica el
dibujante.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span></span><span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-La narración es una de tus características y la de tantos otros
dibujantes de la ciudad; pienso en Frusin, Risso, Paronzini, Couceiro.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Puede ser, tendrá que ver con las lecturas que hemos tenido. Los de
nuestra generación crecimos leyendo historieta. Ahora ya no es más así.
Cuando éramos chicos la historieta era popular, estaba en todos lados, y
el lenguaje de la historieta se percibía como algo natural. Ibas al
peluquero o al médico y había una pila de revistas para leer. He leído
millones de historietas de Columba de una forma totalmente natural, mi
papá las compraba, así como tuve la suerte de poder leer los clásicos en
formato historieta, algo alucinante para un chico de 10 años. El
lenguaje gráfico lo percibí de forma natural, los códigos de la
historieta eran algo que desde muy chiquito interpretaba y disfrutaba.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Hay que decir que Fernández decidió su profesión en el peor panorama
posible. Los ’90. Editoriales que cerraban y dibujantes sin revistas.
“Era un disparate. Ahora la historieta volvió a ser algo popular; aunque
no sé si la gente lee tanto, pero todo el mundo habla de historieta. En
ese momento las producciones nacionales se cayeron todas, y yo que
empezaba. Vivía con otros estudiantes que me miraban y decían ‘¡vos sí
que te divertís!’. Me costó mucho trabajo pulir mi dibujo, porque no se
trata de un camino claro, en donde rendís materias para empezar a
trabajar; acá no sabés, acá rendís permanentemente, va de la mano con el
interés espontáneo que genere o no lo que estás haciendo”, agrega.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre franquicias y héroes con capa, hubo algunas obras distintivas. Entre ellas, <i>Punisher</i> (Marvel), con el guionista Garth Ennis, y uno de los arcos argumentales de <i>Northlanders</i>
(Vertigo/DC) con Brian Wood. “Desde esa etapa, hacía un tiempo que
estaba tratando, sin darme cuenta, de encontrar la forma de hacer cosas
propias. Un impulso que tiene que ver con lo que es la historieta para
mí: cuando era chico, abría una revista de Columba, con tantas series
distintas, y estaba la cuestión de la sorpresa. Era un descubrimiento
constante, algo siempre nuevo y distinto. Siempre quise hacer algo así. Y
me fui acercando a ese tipo de trabajo”, señala.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Lograrlo en el <i>mainstream</i> no debió ser fácil.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Lo fundamental es tener un compromiso de cariño con el trabajo. Si
no te gusta lo que estás haciendo, se nota. No siempre te toca hacer lo
que querés, pero hay que encontrar la manera de ponerle lo que te
motiva. Pero cuando es al revés, el camino que sigue no es fácil, hay
que renunciar a cosas tentadoras, algo que me pasó varias veces. Si
dijera que todo lo que hice es lo que más me gustó en su momento, sería
totalmente falso. Tarde o temprano hay que hacer lo que no te gusta. Una
de las cuestiones que tiene la historieta es que aun cuando sea algo
que lleva mucho trabajo, a la revista te la leés en un rato. Y para
hacer algo medianamente potable, son muchos años de tablero. Tenés que
ver de qué forma pagar esos años, para que puedas subsistir de eso y
para que esté de por medio el estímulo.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El segundo volumen de <i>The Old Guard </i>ocupa actualmente el tiempo
del artista. Serán tres volúmenes (cada uno consta de 5 capítulos), y es
el primero el que ha sido llevado al cine, con vistas a estrenarse en
2020. Según Fernández, “el cómic es una obra de mucha riqueza visual,
con cambios de escenario y mucha acción. Trata de un grupo de
inmortales, con referencias a momentos históricos antiguos. Esperé esta
historia durante toda mi carrera. A nivel visual es un cóctel de tantas
cosas, que como dibujante tengo mucho para mostrar”.</span></span><br />
<br />
<span style="color: red;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><a href="https://linternamagicaradio.blogspot.com/search?q=fernandez" target="_blank">AQUÍ</a> Rodolfo Santullo y Leandro Fernández hablan de Far South (Puro Comic Ediciones, 2013) </span></span></span></span></b></span><br />
<br /></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-61219848084131903532020-06-27T10:55:00.001-07:002020-06-27T10:56:06.681-07:00Algo con una mujer (2020, Luján Loioco y Mariano Turek): entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una época de perfumes persistentes</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-oBiCmJja3LM/XveHVcx1gdI/AAAAAAAAH4k/yTCihoe7J2ov-GYjvUeuXytignJ7WNqmwCLcBGAsYHQ/s1600/loioco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-oBiCmJja3LM/XveHVcx1gdI/AAAAAAAAH4k/yTCihoe7J2ov-GYjvUeuXytignJ7WNqmwCLcBGAsYHQ/s320/loioco.jpg" width="320" /></a></h1>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La
película que dirigen Luján Loioco y Mariano Turek se ambienta en los
años 50 a partir de la obra La Rosa, del santafesino Julio Beltzer.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/273711-una-epoca-de-perfumes-persistentes" target="_blank"><span style="color: #674ea7;"><span style="font-size: x-small;"><b>Leandro Arteaga</b></span></span></a></span></div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Lo que siempre me impresionó de La Rosa fue su perfume, su intenso
perfume de Santa Fe”, escribe Ricardo Monti en su prólogo a la obra
teatral de Julio César Beltzer. Ahora, la película <i>Algo con una mujer</i>, de estreno en Cine.Ar, va en procura de ese mismo perfume. El de una época pero también,
como Monti destaca, el de “nuestra patria interior, profunda,
Sudamérica”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Rosa (María Soldi) es testigo de un crimen. Es el año 1955 y la
violencia late fuerte. Está casada pero pasa la mayor parte del día
sola. De casa a la iglesia, a lo de alguna amiga o al cine. Cuando elige
mirar películas, son norteamericanas. Sin embargo, no fue ésta la
elección primera: “Iba a ser alguna de Carlos Hugo Christensen o de Kurt
Land. Teníamos una lista bastante importante de títulos posibles, que
jugaran con el espíritu de la película. Estuvimos meses buscando copias
de calidad y consultando por los derechos. Los archivos que quedan son
privados, y algunos de los estatales directamente no nos dieron bolilla.
Se nos hizo imposible por una u otra cuestión. Eso fue una herida muy
grande que tuve que aceptar, y explica qué poco cuidado tenemos por
nuestra propia historia”, explica Mariano Turek. “Los yanquis tienen todo muy organizado, hasta la cantidad de minutos de
dominio público. Es un retrato claro de un montón de cosas, así como
respecto a nuestra cultura y al valor que se le da en los lugares donde
tienen que cuidarla”, completa Luján Loioco.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Algo con una mujer</i>, co-dirigida por Loioco y Turek, no sólo se
ambienta en la década de 1950, sino que apropia la narrativa de esa
época. “Hicimos un trabajo exhaustivo de investigación y después en la
construcción de ese imaginario visual, como para poder dotar a la imagen
de ese mosaico de época y espíritu. La película dialoga con el cine
policial y con el melodrama de los años 50, tanto el nacional con el que
me siento identificado, como también el extranjero. A la vez,
necesitábamos generar un registro actual en la puesta en escena y en los
personajes, para generar identificación en el espectador de hoy”,
refiere Turek.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Y desde un personaje femenino, que abre un diálogo con las maneras a través de las cuales la mujer ha sido representada.</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>Luján Loioco:</b> -Cuando empezamos con este proceso y se decidió
anclar el punto de vista en Rosa y quedarnos en el 55, al empezar a
construir a esta mujer quisimos olvidarnos un poco del imaginario que
podía llegar a desprender la casa de mi abuela, al pensar en el
aburrimiento de estar metidas todo el día adentro, porque esa mirada
también es mentirosa. Lo que hicimos con María (Soldi) fue proyectarnos
nosotras en la película, y buscar una empatía, una humanidad. Ese
personaje tiene 33 o 34 años, así que pensamos en el universo de su casa
y en cómo pasaba sus días. Desde luego que ella tiene la mirada
impostada de la cultura cuando camina por la calle o cuando está en la
tienda, ahí es donde se para como las divas del cine o desde el
imaginario de la femineidad y la ropa delicada, pero en el hogar, si
bien es difícil perder las formas por completo, Rosa tiene determinadas
licencias: está leyendo una revista en la cama, despatarrada; o cuando
está con la amiga, tomando un whisky. Obviamente, en este universo hay
un sometimiento y una subestimación, pero éstas son palabras de ahora.
Ella está viendo cómo volcar su deseo, cómo pasar sus días.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>Turek:</b> -Es un personaje construido con muchos matices, que se
va transformando. Entre las cosas que nos interesan de los personajes
nos gusta que sean impuros, que en un entorno como éste, viciado,
violento y agresivo, los personajes tengan la posibilidad de decidir qué
quieren hacer y se hagan cargo de sus decisiones. Nosotros no los
juzgamos, los ponemos frente a situaciones y ellos deciden qué hacer.
Que el público tenga su juicio de valor para con ellos.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Hay un dato sustancial a la película. Si bien basada en la obra de
Beltzer, otra historia opera como lazo invisible. “El hecho criminal que
cuenta la película ocurrió realmente en Santa Fe, en esa época. Una
mujer llamada Rosa es testigo de un crimen que siempre quedó sin
resolver. Ella nunca denunció al asesino, se sumió en el silencio. Esa
mujer es la madre del dramaturgo, de Julio Beltzer, y es la historia que
él escucha toda su vida. Cuando llega a la edad adulta, adapta el
relato oral de su madre y lo lleva al teatro. En esa obra, Rosa tampoco
denuncia pero al menos se le da entidad a ese secreto. Treinta años
después venimos nosotros y hacemos una versión intermedial. Nuestra Rosa
es diferente, porque la época lo es. Si bien esa Rosa sigue viviendo en
la década del 50, se maneja frente a los mandatos sociales y las
imposiciones de otra manera. Ese juego de relaciones, anclado en el
personaje de María Soldi, es muy interesante para revisar y poder hablar
de otra época del país y de la sociedad”, comenta Turek.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>Loioco:</b> -Charlando un poco entre nosotros, hablábamos de los
silencios y de la mujer sometida a la mirada del marido. Fantaseando,
pensábamos en esta mujer, a quien realmente le sucedió este
acontecimiento, y cómo es de fuerte este relato que lo traspasa a su
hijo, quien construye una dramaturgia. Nosotros lo retomamos después, y
ahora esta mujer termina denunciando en el cine. Cada cosa tiene su
correlato en la época que lo habita, pero nada muere ahí, esto es la
resultante de espacios intermedios.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El género narrativo es el policial, de tintes <i>noir</i>, y <i>Algo con una mujer</i>
lo asume y genera intersticios no necesariamente resueltos. De acuerdo
con Turek, “vimos esos elementos en la obra de teatro, la ciudad como
personaje importante, la mujer sola, el secreto, la connivencia entre el
poder y el crimen, no se sabe si los policías son peores que los
criminales, el tema del poder y el peligro inminente, el dinero, todo
esos elementos enmarcados en un año bisagra, caracterizado entre otras
cosas por la violencia sufrida por la gente de a pie, que derivó en un
golpe de Estado y una época sangrienta. Elementos muy fuertes que se
podían combinar claramente con el género. No es una película
panfletaria, no baja línea, pero ese telón de fondo claramente repercute
en la vida de los personajes y eso nos interesaba mucho”.</span></span><br />
<br />
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-34211343669533682312020-06-20T11:52:00.001-07:002020-06-20T11:53:11.151-07:00Las Furias (2020, Tamae Garateguy): entrevista<div class="article-titles">
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #cc0000;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">“Es importante que la violencia se explicite"</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-MmYOOs8iMuM/Xu5aTQeHQ-I/AAAAAAAAH2c/ysHkoXCRTzw-mNVy6AC7VeM3gXEOCSTjgCLcBGAsYHQ/s1600/furias.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-MmYOOs8iMuM/Xu5aTQeHQ-I/AAAAAAAAH2c/ysHkoXCRTzw-mNVy6AC7VeM3gXEOCSTjgCLcBGAsYHQ/s320/furias.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En
su nueva película, la directora Tamae Garateguy acompaña a una pareja
fugitiva en un plan de venganza, con escenarios excepcionales en el
desierto negro mendocino.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><b> </b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/265034-es-importante-que-la-violencia-se-explicite" target="_blank"><span style="font-size: x-small;"><b>Leandro Arteaga </b></span></a></span></span></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Es una road movie de paisajes desérticos y mendocinos, que reúne a su
pareja fugitiva entre la salida de la cárcel de él (Nicolás
Goldschmidt) y la desobediencia familiar de ella (Guadalupe Docampo).
Cada uno proviene de un mundo distinto, con los contrapesos patriarcales
que respectivamente interpretan Juan Palomino y un perverso Daniel
Aráoz. De esta manera, rasgos de cultura milenaria, de pueblo
originario, a la par del terrateniente blanco y su desdén, traman un
clima de deriva fantástica y venganza en <i>Las Furias</i>, la nueva película de Tamae Garateguy (<i>Mujer Lobo</i>, <i>Toda la noche</i>, <i>Hasta que me desates</i>). “Es sorprendente e insólito estrenar así, pero yo lo veo con buenos
ojos, porque me parece que para nosotros, los independientes, es algo
bueno. Se pierde la magia de la sala, pero se gana en que llegamos a
mucha más gente y a lugares donde no hay sala. Además, se siente la no
presencia de los tanques, ocupando páginas y páginas”, comenta la
realizadora.</span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Entre paisajes y lugares que parecen retenidos en el tiempo, la dupla
que interpretan Docampo y Goldschmidt inculca un ritmo de cine, entre
reminiscencias de género y algunos efectos gore. Hay una iglesia que
bien podría envidiar el mejor western spaghetti. “El pueblo es Laguna
del Rosario, queda en medio del desierto. Es un pueblo donde podés
encontrar también casas más híbridas, pero las construcciones están
hechas con adobe y juncos. La iglesia es antiquísima”, explica la
realizadora.</span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Tamae Garateguy hace en <i>Las Furias</i> lo que no pudo antes, de
alguna manera amparada como estaba en la confianza provista por el
escenario de Buenos Aires. “Me preparé mucho para esta película, porque
para mí era un desafío. Una cosa es buscar e improvisar en lugares de la
ciudad, a la que caminé mucho y tengo en la mente. Pero en este caso no
conocía nada. Pude hacer un scouting y pasar unos días allá, además de
ir hasta La Payunia, uno de los pocos parques volcánicos que hay. Es muy
difícil entrar, se filma poco ahí, los seguros casi no te cubren. Y
resulta que nos agarró una tormenta eléctrica con granizo, que casi nos
rompe los equipos”, señala.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—¿Cómo manejaste esos imprevistos?</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—Teníamos trabajado el storyboard, la imagen con el DF (José María
Gómez), y con el postproductor de imagen hicimos reuniones, con una
puesta de cielo azul y sol rajante. ¿Qué pasó? Tormentas eléctricas.
Tuve todo bañado con cielo nublado. Pero, ¿qué me dio a cambio? Los
rayos que ves son de verdad. La tormenta se venía, en un momento se
largó a llover y luego el granizo. Nos tuvimos que subir a las
camionetas y salir. Todo esto para ejemplificar que si bien me había
preparado muchísimo y creí que conocía el lugar, cuando llegué cambió
todo y tuve que surfear la ola de las inclemencias.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—Pero lograste imágenes que difícilmente hubieses podido prever.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—Es todo real, salvo lo de la camioneta, que tiene las ventanas
pegadas cuando ellos la conducen. El guión decía que se levantaba el
viento Zonda, ¿cómo lo íbamos a lograr? Ya lo veríamos en la
postproducción. El problema también estaba en que a la película la
hicimos luego de las devaluaciones y problemas del INCAA, y el
presupuesto se nos había achicado a menos de la mitad. ¡Pero se levantó
una tormenta de polvo perfecta! (<i>risas</i>), y filmamos los planos así, de verdad.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—A la vieja usanza.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—Sí, el cielo de pompón rosa era así, estaba ahí. Íbamos por la ruta y
me dicen por el walkie talkie, “tenemos que parar”. “No”, les digo,
“nos va a agarrar la noche, vamos a llegar a las tres de la mañana,
decidan ustedes”. “Queremos parar, mirá lo que es el cielo”. Filmamos
entonces los planos de la camioneta, con ese cielo. Todo gracias al
equipo y su amor al cine.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—El guion tiene una estructura simétrica entre sus personajes, pienso en Aráoz y Palomino.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—El mérito es de (el santafesino) Diego Fleischer, con quien trabajé en <i>Mujer Lobo</i> y en <i>Pompeya</i>.
Él siempre está pendiente de las tensiones entre los personajes, de que
los antagonistas estén bien construidos, así como de la aparición de la
bruja, que es una figura que se contrapone al personaje de Aráoz. Esta
bruja tiene sus razones. Él es muy cuidadoso en que todo esto sea claro,
y en qué fuerza de oposición se trata.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—El plano de la bruja me hizo pensar en la Lechiguana de Leonardo Favio.</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—Mirá qué me pasa. Cuando estoy con el guión y antes de pensar en el scouting, la referencia obligada era ver <i>Nazareno Cruz y el lobo</i>.
Yo me dije que lo mío iba a ser diferente, porque a la bruja me la
imaginaba con sol, caminando con cielo azul por el desierto de La
Payunia. ¿Qué pasó? Llegué y estaban los mismos rayos como los del
inicio de <i>Nazareno</i>. ¡Tengo el plano igual! ¡Es la maldición de
Favio! Pero bueno, a la película la hicimos en 13 días, y dos días nos
llevó ir y venir para filmar 40 minutos en el desierto negro y con esa
tormenta. Fue muy exigido.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—Los toques <i>gore</i> los disfrutás de una manera especial, ¿no?</b></span></span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">—Me parece importante que la violencia se explicite, porque con tanto
ánimo de no mostrarla a veces se lava, como si no existiera. A veces,
las historias tienen que demostrar cuánta crueldad hay, y creo que la
película logra que la violencia de la opresión, de la injusticia y la
impunidad, sea peor que la violencia explícita de un corte, de un golpe,
o de algo de sangre que se vea.</span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-43274084156046436742020-06-20T11:44:00.003-07:002020-06-20T11:47:19.824-07:00Miragem (2019, Eryk Rocha): entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El cine, lo íntimo y la imaginación política</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></span></span></h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Qu6x5T3EAV8/Xu5Yh__yMrI/AAAAAAAAH2Q/KRhH4xptVB0i0ein3mVMCs8G2fQwRrNMACLcBGAsYHQ/s1600/rocha_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-Qu6x5T3EAV8/Xu5Yh__yMrI/AAAAAAAAH2Q/KRhH4xptVB0i0ein3mVMCs8G2fQwRrNMACLcBGAsYHQ/s320/rocha_0.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">A
partir de la mirada de un taxista en la noche de Río de Janeiro, el
director –hijo del admirable Glauber- indaga en una sociedad “que está
colapsada”</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<a href="https://www.pagina12.com.ar/267368-el-cine-lo-intimo-y-la-imaginacion-politica" target="_blank"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Leandro Arteaga</span></span></b></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Encerrado en el taxi, en su departamento o sus recuerdos, Paulo
(Fabricio Boliveira) acaricia la foto de su hijo. La pensión que pasar a
la madre le obliga al trabajo a deshora. La mirada caída pareciera no
encontrar momentos alegres. En la calle nocturna, la fiesta brasileña
parece sucumbir, entre retazos. Hay una tristeza que difumina contornos,
que hace que la cámara elija planos cerrados, oclusivos. ¿Cómo filmar
Brasil en estos días?</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En este periplo ahonda <i>Miragem</i> (Brasil/Argentina/Francia), el largometraje del brasileño Eryk Rocha que dio a conocer Cine.Ar. Estrenada
mundialmente en el BFI London Film Festival, con premios obtenidos en el
Festival Internacional de Río de Janeiro, <i>Miragem</i> es la película
más reciente de Eryk Rocha. Las huellas del cine documental de Rocha
están presentes también aquí, en la historia de Paulo, este taxista
ensimismado que recorre las calles de Río en un trance casi sonámbulo.
Por otra parte, el apellido del director tiene la filiación que promete:
Eryk es hijo de Glauber Rocha, uno de los más grandes directores de la
historia del cine, cuya lucha poética y política pareciera ser invocada
desde la urgencia de esta película.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“La dimensión estética y afectiva de la película es al mismo tiempo su dimensión política”, explica Eryk Rocha.
“Lo que vos decís sobre el lenguaje de la cámara, creo que en realidad
tiene mucho que ver con el montaje y con la creación de ese
espacio-tiempo. O sea, esa dimensión estética trae consigo ese sentido
del afecto, del intimismo, y creo que ése es el gesto político de la
película, al tratar de adentrarse en la subjetividad de este hombre, de
este personaje y su relación con el mundo, con la ciudad. Yo quería
pequeños gestos: en las manos, las miradas, lo que él escucha, su
cuerpo, su tensión. Quería que eso pudiera hablar de una forma muy
propia y expresiva. Es tan importante lo que Paulo ve, como lo que uno
ve. Uno es el espectador en sus ojos y en sus gestos. Me gusta mucho que
la película trate de materializar ciertas cuestiones que me interesan,
cuestiones macro y políticas, pero a través de pequeños gestos, de ese
cuerpo y su emoción, dentro del paisaje humano”, continúa.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Si es una ficción, hay un límite impreciso, a partir de imágenes que parecieran tomar por asalto al espectador.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Yo quería meter al espectador dentro de ese auto, y que se
volviera, a su manera, el personaje, para mirar y escuchar el mundo con
él, para sentir todo lo que pasa, las sensaciones y tensiones, las
energías y los riesgos que están jugando ahí, en las calles. Es una
película callejera. Durante el proceso de transformación del guión,
sobre todo después de 2016, cuando ocurre el golpe (que destituye a
Dilma Rousseff), quedó muy claro que la ficción no podía estar aislada.
No podemos hacer un film de ficción controlado y aislado de la realidad,
ni hacer una película de una forma tradicional. Era fundamental,
entonces, abrir la ficción y la puesta en escena para el documental,
para la vida punzante de la ciudad. O sea, lo interesante era romper con
esa frontera de la ficción con el documental, para dar lugar a toda la
carga energética, atmosférica, de lo que sucedía en la ciudad. Esa fue
una decisión estética y política de la película. En ese sentido, no
cerramos ninguna calle para filmar, y tuvimos un equipo muy pequeño de
personas. Es decir, hicimos una película de ficción con un espíritu
documental, para que la película estuviese afectada por la vida, por lo
que está pasando en la ciudad. Eso es importante, porque en Brasil
estamos pasando por un proceso de descomposición de la democracia, en
donde varios niveles de violencia se entrelazan. Por un lado, hay un
golpe de estado político; y por otro lado, hay una aceleración de la
“uberización” y del trabajo informal, algo que pasa en todo el mundo y
que es fruto del desempleo de millones y millones de personas. Entonces,
esa mezcla de componentes políticos desde el 2016 fue transformando
mucho el guión, a partir del deseo de incorporar a la película esa
realidad brasileña, que está colapsada. Esa fue la forma más honesta de
hacer la película. El golpe de 2016 me impactó mucho, a partir de allí,
agarrar la cámara pasó a tener otro sentido. También en cualquier
expresión artística y no solo artística, sino en cualquier gesto
ciudadano. Todo ganó un nuevo sentido. ¿Qué es lo que está pasando en
este país, en esta ciudad? Todas esas sensaciones y ese impacto fueron
fundamentales para canalizar en la película esa energía documental.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Hay algo cercano entre el esfuerzo de Paulo por volver a ver a su hijo y este contexto colapsado.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--En la película coexiste todo el tiempo el tema del afecto, el del trabajo, y el de la imaginación de las <i>miragens</i> (espejismos). <i>Miragens</i>
como puntos de escape de la imaginación, de la alucinación o del deseo.
La película tiene todo el tiempo ese juego y ese estado de <i>saudade</i>,
esa palabra tan única en portugués, que se dice al extrañar a una
persona, como en este caso, a partir de la distancia de Paulo con su
hijo. La existencia de Paulo y el afecto que tiene por su hijo, coexiste
con esta situación en Brasil de colapso, de un país que no tiene
perspectiva. Hay también un juego de palabras en portugués entre <i>pai</i> (padre) y <i>país</i>,
que me gusta mucho como ecuación. En cuanto a su pareja, Karina
(Bárbara Colen), que es enfermera y no quiere ser madre, es un derecho
que ella tiene, es su libertad, es su cuerpo, y quizás no quiere tener
hijos en este mundo. Es muy interesante ese hecho de la distancia entre
el padre y el hijo, ¿no? En el final de la película, por ejemplo, cuando
Paulo está en la floresta, a oscuras, y se para una mujer extraña, es
un poco una imagen de Brasil. Brasil está en una calle sin salida. Y
ahí, lo que él hace es imaginar. Es su imaginación. Es su deseo en
relación al hijo. Así estamos hoy en Brasil. Nuestro aliento, nuestra
posibilidad, es la imaginación, la urgencia de la imaginación, de
imaginar lo que deseamos. Solo la imaginación política nos puede llevar a
una acción.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-29817394417255560842020-06-20T11:32:00.003-07:002020-06-20T11:33:48.416-07:00Ichabod Jones: Cazador de Monstruos (Nohelty/Podestá) Multiversal Ediciones, 2020.<div class="article-titles">
<h2 class="article-prefix">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></h2>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con los monstruos por todas partes</span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-X_d5gufI3Hw/Xu5VwasIf0I/AAAAAAAAH2E/sCUKOt8uvSEAqkccbg6DX5ztueAucNqdwCLcBGAsYHQ/s1600/ichabod.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-X_d5gufI3Hw/Xu5VwasIf0I/AAAAAAAAH2E/sCUKOt8uvSEAqkccbg6DX5ztueAucNqdwCLcBGAsYHQ/s320/ichabod.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con
el libro de Renzo Podestá se estrena el sello Multiversal, dedicado a
recuperar historietas de rosarinos publicadas en el exterior. </span></i></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span><br />
<div class="article-text">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/267598-con-los-monstruos-por-todas-partes" target="_blank"><b><span style="font-size: x-small;">Leandro Arteaga</span></b></a> </span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En estos días de aislamiento, la lectura
acompaña –siempre lo hace, no hace falta esperar pandemias– y de un modo
visceral. La palabra está a tono con el ánimo de <i>Ichabod Jones: Cazador de Monstruos</i>,
la historieta con guión del norteamericano Russell Nohelty y dibujos
del rosarino Renzo Podestá, que es el título de largada del sello local
Multiversal, de Mariano Abrach.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Recluido en un psiquiátrico,
Ichabod convive con una voz interna que lo impulsa a un destino heroico.
Paredes afuera (¿o adentro?) el mundo atraviesa un apocalipsis. Y un
psicópata, un asesino, tal vez como una de sus esperanzas. “Siempre
estuvo en mí la idea de editar, dependiendo del momento y cuando me
sintiera preparado. A partir del trabajo periodístico y al ser parte del
colectivo editorial Big Sur, aprendí sobre cuestiones internas y me fui
preparando, sin planearlo. Por otra parte, me quedaba dando vueltas la
cuestión acerca de cómo muchísimos historietistas rosarinos trabajan
para afuera y de ellos no se conoce mucho o prácticamente nada, sacando a
(Eduardo) Risso, (Marcelo) Frusin, algo de (Leandro) Fernández y poco
más. Al momento de pensar un proyecto para (el programa ministerial de
subsidios a la cultura) Espacio Santafesino se unieron estas cuestiones,
y con el detalle no menor de que Renzo se había mudado justo a Rosario.
Él y el guionista, que es el editor original, tenían ganas de que
saliera en castellano. Me lo propuso y fue mi primera elección”, comenta
Mariano Abrach.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">“¡Y
quedó excelente!”, afirma Renzo Podestá. “Con el tiempo, los dibujantes
nos fuimos volviendo histeriquitos con el tema de la impresión, porque
entendemos que debe ser consecuente la inversión con el resultado. Y acá
se superaron las expectativas a pleno”, continúa. “El proyecto pasó de
aquella etapa declarativa, de intenciones y carpetas, a ser realidad. Y
salió bien. La satisfacción viene por poder concretar lo que planeaba y
en circunstancias todavía más difíciles, porque meterte a publicar un
libro en Argentina ya implica una serie de problemas, pero ¡no contaba
con una pandemia! (<i>risas</i>)”, completa Abrach.</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>–¿Cómo se origina <i>Ichabod</i>?</b></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Podestá:</b> –Yo
venía trabajando fuerte a nivel freelance, y Russell (Nohelty) me
contrata en enero de 2011, como dibujante, colorista y letrista, así que
tuve el control absoluto. ¡Imaginate la confianza que me depositó! Por
otro lado, yo estaba con ganas de ir por el lado que más me gusta, de un
estilo <i>cartoon</i>, “timburtonesco”, cercano a Edward Gorey y Jhonen
Vasquez. Siempre me gustó hacer eso, y mi estética coincidía bastante
con la historia, daba para jugar con ese registro. Ichabod Jones es un
chabón encerrado en un asilo, por ser un asesino serial. Y termina en
una especie de apocalipsis bastante raro. Pero no se aclara si eso
existe o no, en un juego superpuesto de realidades y demencias que para
mí fue sentirme como un chico en una juguetería.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>Ichabod Jones</i>
se editó por primera vez a través del sello norteamericano Viper en
2012, luego de manera integral por Wannabe Press –propiedad de Russell
Nohelty– en 2015. Ese mismo tomo es el que edita ahora Multiversal.
“Russell había quedado disconforme por la poca difusión y los manejos
internos, y eso lo impulsó a hacer su propia editorial, en donde largó
con el compilado del primer volumen de <i>Ichabod Jones</i>. El volumen 2 lo comenzamos a trabajar el año pasado”, señala el dibujante.</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>—Si hay un segundo volumen, significa que libros como <i>Ichabod</i> funcionan. No todo es Marvel o DC.</b></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Podestá:</b> –Las <i>big two</i>
acaparan absolutamente todo. Marvel se come el 34% de las ventas
totales, seguido por DC, y queda un margen, cerca del 30%, donde están
el resto de las editoriales y demás indies, que tienen un manejo por
fuera, de un sistema artesanal. Russell es una especie de ejército de un
solo hombre, monta las cajas en su auto y se va a las convenciones. Es
un trabajo de hormiga, que es para observar y respetar. Fundó una
especie de imperio chiquitito de un montón de cómics, y se carga al
hombro todo eso. El manejo independiente no tiene nada de raro o
extraño. Y no compite. Por un lado porque es algo que no se puede dar,
pero eso mismo permite un grado de libertad narrativa y creativa que no
existe en las editoriales más grandes.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Abrach: –</b>No deja de ser parecido a lo que nos pasa a nosotros.</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>–¿Cómo definís el estilo de Renzo?</b></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Abrach:</b> –En <i>Ichabod</i> no encontramos un trabajo como el de <i>Wormboy</i>, <i>Perro</i> o <i>El Aneurisma del Chico Punk</i>, que le salen más de las tripas, pero algunas de estas cuestiones están presentes, como el <i>gore</i>
y el disfrute de trabajar ese registro. A la vez, se nota el respeto
que Renzo le tiene al lenguaje del cómic, en cuanto a la narrativa, los
tiempos, y en los colores, con un enorme trabajo, que va mutando de un
capítulo a otro. Sé que él no me lo hubiera ofrecido para editar si no
estuviera convencido.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Podestá: </b>–Siempre laburé en esos
terrenos y me gustó elegir esta clase de proyectos, porque van acorde
con lo que yo pienso que es hacer historieta. Si bien separé siempre lo
freelance de lo que es personal, hay un vaso comunicante, interno, que
es la filosofía de vida con la cual yo llevo a cabo mis propias obras.
Con esto pago el alquiler, pero tampoco soy tan mercachifle (<i>risas</i>).</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los próximos lanzamientos de Multiversal prevén <i>The Last Contract</i> (Ed Brisson/Lisandro Estherren/Niko Guardia) y <i>Death Orb </i>(Alejandro Aragón/Ryan Ferrier/Chris O’Halloran). Y seguramente, más de <i>Ichabod Jones</i></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-80579621453466839812020-06-20T11:26:00.002-07:002020-06-20T11:27:26.621-07:00Gauchito Gil (2020, Fernando del Castillo): entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El gaucho detrás de la estampita</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-wL1Oc72f1Xs/Xu5Us4pRZMI/AAAAAAAAH18/4biuA3vNpTccZiCaEGTq20zJ152TbuCjwCLcBGAsYHQ/s1600/gauchito-20gil-201.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-wL1Oc72f1Xs/Xu5Us4pRZMI/AAAAAAAAH18/4biuA3vNpTccZiCaEGTq20zJ152TbuCjwCLcBGAsYHQ/s320/gauchito-20gil-201.jpeg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La
figura del correntino encuentra un gran protagónico en Roberto
Vallejos. “Es el Antonio Gil que siempre quise”, dice el director.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/270859-el-gaucho-detras-de-la-estampita" target="_blank"><span style="color: #cc0000;"><b><span style="font-size: x-small;">Por Leandro Arteaga</span></b></span></a></span></div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Mirá que sorteamos mil obstáculos, pero nunca nadie se imaginó algo
así”, dice Fernando del Castillo sobre el estreno de su película, <i>Gauchito Gil</i>, disponible en <a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/6281" target="_blank">Cine.Ar Play</a>
. Pero hay que ver también cuáles son las ventajas, porque para el cine
independiente o alejado de las producciones más costosas, “la entrada
está carísima y mucha gente, cuando va al cine, va a un evento
cinematográfico como las de Marvel. Por todo eso, estábamos viendo qué
hacer al momento de salir al público, después de tanto esfuerzo y
trabajo. De alguna manera, todo esto sirve como catalizador. Es una
oportunidad para que la película también llegue a lugares donde no hay
una pantallas de cine, como sucede en muchos pueblos y ciudades del
interior de Corrientes”, continúa el realizador.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Roberto Vallejos es quien encarna la figura histórica y de leyenda
que es Antonio Gil, gaucho perseguido tras la guerra de la Triple
Alianza. Rodada en Paso de los Libres y alrededores, la película de
Fernando del Castillo dice también sobre el lugar del cual el realizador
es oriundo. Así que es fundamental que pueda llegar al lugar de donde
emergió. “Si bien es para toda la Argentina, la película dice
Corrientes. Era importante que estén la naturaleza y sus paisajes, sus
llanuras y sonidos, tanto del ambiente como la música, y que los actores
pudieran interpretar a correntinos de ese momento histórico. Hubo mucho
trabajo, búsqueda de locaciones, recuerdos de mi infancia, con la
intención de tomar a la naturaleza como testigo de lo ocurrido”.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La asunción de la naturaleza hace que todo sea creíble por cercano. En <i>Gauchito Gil</i>,
la figura del personaje paulatinamente devendrá leyenda, a propósito o a
pesar de sí mismo. En este sentido, Del Castillo señala que “la premisa
era entender que donde rodábamos era el lugar por donde tranquilamente
habría pasado Antonio Gil, el lugar donde sucedió esta historia. Además,
la historia de Antonio Gil es representativa de la suerte de muchos
gauchos de esa época. Poder ir a ese lugar a hacer esos planos era
lograr el realismo que queríamos, el de Corrientes en 1870”.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-¿Cómo fue surgiendo la construcción del personaje?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Cuando de alguna manera comencé a disociar la figura de la estampita
o estatuita con la de quien había sido Antonio Gil. Eso es algo que se
consigue hablando con la gente en Corrientes; son ellos quienes te
cuentan lo que saben y lo que les contaron. Como a esta historia se la
hablaba en guaraní, una lengua que hasta la conquista no se escribía,
así llegó a nuestros días, en la forma de fábulas y de cuentos, algo que
es propio de la idiosincrasia guaranítica de esa zona de Corrientes. No
hay algo que esté escrito o documentado, sino que su historia surge del
imaginario correntino. Vas preguntando y te van contando. A veces los
relatos se repiten, hay otros que no. Pero la realidad es que hubo
muchos gauchos en Corrientes que tuvieron esa misma suerte. Un poco eso
es lo que yo agarro para construir el personaje, lo propio de su
historia y lo que le podría haber pasado. Y agrego personajes que
invento, para que sirvan narrativamente.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Inevitablemente, <i>Gauchito Gil</i> se inscribe en el cine gauchesco, y promueve un diálogo con esas películas.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Lo suyo es lo que le pasa también a Martín Fierro, a Juan Moreira,
es algo que vive en el inconsciente del pueblo argentino y forma parte
de su historia: alguien dice que no, se levanta y es perseguido; pero
también admirado por quienes no pudieron levantarse contra esas
injusticias. En cuanto al diálogo con otras películas del género, es una
película que de alguna manera busca meterse allí, en el hoy llamado
“western gaucho”. Uno puede trasladarse a ese momento y revivir lo que
les sucedió a nuestros antepasados, dialogar con todo ese mundo. Lo que
tiene de particular la película es lo que yo llamo una inteligencia
emocional y colectiva, que llevó a que todos estuvieran comprometidos,
en cuanto a poder entender lo que le pasa internamente al personaje. Si
bien el viaje es hacia la libertad, también hay un viaje interno.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Aquí sumo el nombre de Roberto Vallejos, porque la película no podría ser lo que es sin su caracterización.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Es difícil encontrar alguien que cale tan hondo, con una mirada de
tanta profundidad. Él es de San Luis, y cuando nos reunimos en un bar y
le conté el proyecto, ya estábamos hablando de la infancia en el campo.
Reconocí en él cosas que tenía incorporadas, en cuanto al ambiente donde
se movía el personaje. Tuvimos la suerte de poder ensayar, y la
construcción que fuimos haciendo fue fantástica. Gran parte del acierto
de la película se debe a él, porque toda la historia lo atraviesa. Y no
puede ser de otra manera. El Antonio Gil que yo quería era ése.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Y quiero destacar a Santiago Vicchi, porque la relación entre
ellos es la del contrapunto, entre gaucho perseguido y milico
perseguidor.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Vicchi encontró, con el gesto y la mirada, la forma de exteriorizar
el deseo interno de complacer siempre al coronel Salazar (Claudio Da
Passano), de querer ser la persona que no es.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Siendo él quien mata a Gil, da razón al planteo del gaucho: “Nos estamos matando entre nosotros”.</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-También fue un desafío llegar a ese final anticipado. En definitiva,
el tipo termina formando parte de lo mismo, por eso el mal está
planteado como en una esfera medio nebulosa que no se termina de
definir. Las órdenes vienen de arriba, del gobierno de Corrientes o de
Buenos Aires, no está claro. Pero hay que cagarse a piñas y matarse. Sin
saber por qué ni para quién. No me detuve en dar nombres sino que me
pareció interesante pararme desde este punto de vista.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-20122542526044142522020-06-20T11:19:00.003-07:002020-06-20T11:21:41.748-07:00Retrato incompleto de la canción infinita (2020, Roly Rauwolf): entrevista<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con </span></span></span><span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">la música entre la mente y el cuerpo</span></span></span></h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-xXpNcJl-7Sw/Xu5SrNBvpkI/AAAAAAAAH1o/GqULd6ijBosC5z4gSy5EVrcBs0-wA8FzQCLcBGAsYHQ/s1600/roly.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-xXpNcJl-7Sw/Xu5SrNBvpkI/AAAAAAAAH1o/GqULd6ijBosC5z4gSy5EVrcBs0-wA8FzQCLcBGAsYHQ/s320/roly.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Retrato incompleto de la canción infinita reúne archivos, testimonios y rescates, en el marco de un relato caleidoscópico.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span style="color: blue;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/273182-gozar-la-musica-entre-la-mente-y-el-cuerpo" target="_blank"><b><span style="font-size: x-small;">Por Leandro Arteaga</span></b></a></span> </span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Roly Rauwolf concede que sí, que “entre <i>incompleto</i> e <i>infinito</i> el documental asume su imposibilidad, si bien intenta mostrar algo”. Lo que muestra <i>Retrato incompleto de la canción infinita</i>
es un camino variado, de asombro, a partir de la figura y obra de
Daniel Melero. Una especie de caleidoscopio visual y conceptual, donde
los matices confluyen en el músico notable, capaz de desbordarlo todo. <i>Retrato incompleto de la canción infinita</i> se estrenó ayer en la Sala de Cine Virtual <a href="https://play.puentesdecine.com.ar/movie/30" target="_blank">Puentes de Cine</a> , que programa la Asociación de Directorxs de Cine PCI.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Lo que quería de alguna manera era entrar en distintos lugares de su
mente y de su cuerpo. Cuando inicié el proyecto, pensé que iba a hacer
entrevistas a otras personas, desde una estructura más convencional,
pero luego fue surgiendo esta forma, que me pareció más interesante y
que lo representaba mejor a él”, explica Rauwolf.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--¿Te resultó un problema lidiar con tu admiración?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Fue un lindo problema, un bello problema. Traté de que no quedara
como la película de un fan embobado, y de buscarle la forma. Pero la
verdad es que siempre tuvimos una muy buena relación, él fue muy
generoso y a medida que fueron pasando los años me abrió puertas en este
recorrido. Siempre fuimos como dos caballeros. Hubo un punto en donde
no quise ser el amigo, porque ya era bastante con ser fan. El recorrido
estuvo bueno, y creo que se ve en la película.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--¿Cuántos años pasaron a partir de la decisión de hacer el documental?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--La primera entrevista se la hice en 2012, a partir de un programa
para Canal Encuentro. Yo le quise hacer una entrevista más profunda, y
me llevé un cuestionario extenso, a ver si se copaba. Ése fue el
puntapié. Luego estuve haciendo el trabajo de investigación y buscando
productor, rol que terminé asumiendo. En el 2016 me dije basta, a esto
hay que darle forma, quería ver al documental caminar. Ahí ya tenía como
un 70 por ciento realizado, entre entrevistas, archivos, y lo que
Daniel me iba compartiendo. Pero el documental empieza a terminar cuando
entra en el Bafici, donde la inscribo como <i>Work in Progress</i> y queda seleccionada. Ahí ya tenía 40 minutos armados, y en unos meses realizamos el trabajo que faltaba.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre el material que fue apareciendo, hay un ensayo de Los
Encargados –la banda de Melero, pionera del tecno argentino- que Rauwolf
incorporó a esta nueva edición, a la manera de un <i>bonus track</i>.
“Esa post-escena es genial” dice, y tiene razón. “En cuanto a decidir
qué incluir y qué dejar afuera, fue parte de un proceso integral, pero
fue el mismo material el que iba decantando. Yo busqué las escenas
fuertes, y lo que de alguna manera me guiaba era la entrevista. No quise
que fuera cronológico, pero sí con cierta orientación para el
espectador, porque la película, si se quiere, es mezquina con ciertos
datos. Pero están los datos necesarios para que se entienda. Hay
materiales o discos que no están, pero que podrían ser parte de una
segunda etapa del documental, discos como <i>Travesti</i> y <i>Operación escuchar</i>, o la dualidad entre <i>Tecno</i> (2000) y <i>Vaquero</i>
(2001), discos que no tienen nada que ver uno con el otro si bien están
pegados. Pero de esa etapa no tenía tanto archivo, fue apareciendo a
posteriori”, continúa.</span></span><br />
<br />
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Tras la experiencia de la película y luego de tantos años, ¿apareció algo distintivo en Melero, que te haya sorprendido?</b></span></span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Siento que en el recorrido aprendí anécdotas y cosas que no sabía y
que fueron reconfortantes e inspiradoras. También le fui mostrando lo
que hacía, porque me interesaba que le gustara el documental sin
traicionar mis ideas ni lo que quería lograr. Quería escucharlo porque
era a él a quien estaba retratando. Tuvimos un par de encuentros donde
me dijo algunas cosas, nunca en carácter de tenés que hacer esto o lo
otro, pero lo que me decía me llevaba a hacer una tercera cosa, todavía
más interesante, y eso estuvo bueno. Más que descubrir, siento que
confirmé cosas que ya había descubierto durante el trayecto de fan. Si
bien lo conozco por su música siempre me interesaron sus entrevistas, y
sabía que tenía cosas interesantes para decir, porque siempre tiene
alguna idea, reflexión, un concepto o punto de vista que es nuevo para
mí, eso es algo que busqué también rescatar. Por eso en la película se
habla de discos y de ideas; de sensibilidades, si se quiere.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre los recursos de valía, que la película atesora cuando indaga en
salas de ensayos, diálogos, gestos y momentos íntimos, hay dos rescates
notables. Uno de ellos tiene que ver con la presentación de Melero en
el programa televisivo <i>Todo por 2 pesos</i>, donde Fabio Alberti y
Diego Capusotto permiten a Melero revertir lo sucedido durante el
fatídico B.A.Rock del ’82, cuando a Los Encargados los bajaron a
naranjazos del escenario. “Sabía de ese momento porque yo editaba <i>Todo por 2 pesos</i> (<i>risas</i>).
Como no encontraba imágenes de los famosos tomatazos, no hay ninguna
foto, tenía este as en la manga, y lo resolví de manera metafórica.
Melero se presta al juego de la escena, un capo”. El otro momento es la
actuación en <i>Feliz domingo para la juventud</i>, con la presentación
de Silvio Soldán, uno de los pocos conductores que hicieron posible la
difusión del rock en la televisión argentina: “Para mí es un momento
fuerte, es éste el tipo de rescates que me encantan”.</span></span><br />
<br /></div>
<div class="article-summary">
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-80165472325924106472020-06-06T12:27:00.001-07:002020-06-06T12:29:57.546-07:00Refutación de Troya (2020), de Carolina Rímini y Gustavo Galuppo<div class="article-titles">
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="color: blue;"><span style="font-size: large;">¿Qué esconde tu interior?</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-lm0phjzY07k/Xtvr4v44kHI/AAAAAAAAHzU/1xVAQUJo_SkdhOYovX_BLsVgIhHiA7rBgCLcBGAsYHQ/s1600/troya.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-lm0phjzY07k/Xtvr4v44kHI/AAAAAAAAHzU/1xVAQUJo_SkdhOYovX_BLsVgIhHiA7rBgCLcBGAsYHQ/s320/troya.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El
video, disponible on line, indaga en la razón de ser de las imágenes,
desconfía de la historia del cine y persigue otros horizontes.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/266474-para-que-y-por-que-se-hacen-esas-imagenes" target="_blank"><span style="color: blue;"><span style="font-size: x-small;"><b>Leandro Arteaga</b></span></span></a></span></span></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Refutación de Troya</i> es el más reciente trabajo de la dupla que integran Gustavo Galuppo y Carolina Rímini<i>, </i>y su estreno de hace días continúa online en el sitio especializado<i> <a href="http://kilometro111cine.com.ar/refutacion-y-reinvencion-de-la-imagen/" target="_blank">Kilómetro 111</a> . </i>También allí destaca la compañía analítica que ofrece el texto <i>“</i>Refutación y reinvención de la imagen. A propósito de <i>Refutación de Troya</i>”, de Emilio Bernini. La incidencia de su lectura es un rasgo bienvenido, que las líneas que siguen no intentan disimular.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En este sentido, lo que asoma es el análisis de un trabajo que ya es
el de una obra. Galuppo/Rímini continúan, podría decirse, el camino de
un ensayo audiovisual extensivo, en donde cada parada interactúa con las
anteriores mientras enhebran el porvenir de la próxima:<b> </b><i>La creación de un mundo</i>, <i>Pequeño diccionario ilustrado de la electricidad</i>, <i>Binaria</i>,<i> Has pensado en matar</i>, son estos eslabones.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Por su parte,<i> Refutación de Troya</i> guarda su razón nominal como
descifrado interno, a develar. Primero oficia desde la evocación bélica
que ya el título evoca. Algo que será abordado en el denominado “Primer
movimiento: Private Dancer”. La violencia, el sometimiento, la guerra,
asoman como consumaciones y corolario a la construcción del enemigo.
Querer matar, allí la cuestión. Pero las imágenes, aquí el asunto, no
guardan una génesis distinta. Imágenes como consolidación simbólica del
“otro”, como justificaciones a partir de las cuales proceder a la
violencia. </span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La pregunta por la imagen provoca, desde ya, su invocación. La
historia del cine aparece como el reservorio e instancia a denunciar. Al
hacerlo, esa misma historia es señalada como una operación ideológica.
Consecuente con la organización social que promueve, con las violencias
que legitima. De John Ford a Rambo, el periplo guarda concomitancias más
allá de las formas distintivas. Un siglo y poco más de imágenes, en
donde los superhéroes de Marvel continúan el heroísmo del Ku Klux Klan
de <i>El nacimiento de una nación</i> (1915).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Las evocaciones de <i>Refutación de Troya</i> operan como retazos,
desprendimientos de un imaginario colectivo, intervenidos con rayaduras y
colores. El resultado es estridente. Atrapa y logra un distanciamiento.
También como una ebullición que yuxtapone, de forma meditada,
fragmentos cinematográficos y fotogramas. La imagen, en suma, supeditada
a una mirada introspectiva. La imagen cinematográfica como objeto que
electrónicamente auscultar, con el video como escalpelo. Al hacerlo, <i>Refutación de Troya</i>, imagen al fin y al cabo, es quien se sitúa también como sospecha de sí misma.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De este modo, el manto de duda se asume. Dialécticamente. Desde un proceder cercano a las <i>Histoire(s) du cinema</i> de Jean-Luc Godard. El cine es una promesa (<i>El cine como promesa</i>
(Sans Soleil) es el título del libro de Galuppo) traicionada. Su
denuncia como vehículo que legitima la violencia capitalista revierte
las definiciones usuales. “El espectador no se identifica con el
personaje. Se identifica con el enemigo”, dicen Galuppo/Rímini. Así, son
los espectadores mismos quienes han sido engañados. Víctimas de una
fascinación que les llevó a celebrar matanzas y persecuciones al
diferente. El monstruo, el negro, la puta, el indio. Los ejemplos
siguen.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Todo este primer movimiento de <i>Refutación de Troya</i> pareciera,
en suma, la profundización de esa alerta temprana con la cual Walter
Benjamin cerrara su ensayo “La obra de arte en la época de su
reproductibilidad técnica”, donde advierte sobre la “estetización de la
política puesta en práctica por el fascismo”. “Su autoenajenación -dice
Benjamin- ha alcanzado un grado tal que le permite (a la humanidad)
vivir su propia aniquilación como un goce estético de primer orden”.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De manera equilibrada, <i>Refutación de Troya</i> guarda simetría con
su segundo movimiento –“Humus”–, contraparte que subvierte y desafía el
ánimo previo. El doblez lo permite un “interludio”: “La misa de San
Ignacio”. Allí asaltan al ojo imágenes de represión en Latinoamérica,
coincidentes con el momento mismo durante la gestación de este video.
Las balas y golpizas cobran una dimensión urgente. La misma que oficiaba
en Binaria, con un interludio similar. Si la violencia simbólica no
basta, hay otros medios.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Con “Humus” no es que el recorrido yuxtapuesto se deshaga, antes
bien, se tranquiliza. Aquí es donde la imagen se reencuentra consigo. Se
deshace de lo accesorio, y es consecuente con las preguntas con las que
abre su recorrido: ¿por qué?, ¿para quién?, ¿contra quién? Aparecerán,
entonces, a partir o a través del afecto, del amor. En la piel, su
rugosidad y texturas (mientras dialogan con el cine de Sokurov,
particularmente en <i>Madre e hijo</i>). El montaje puede discurrir de
otros modos, incitado por la mirada que mira a quien ama. Los pies
niños, la tierra húmeda. Una caricia de luz, el vientre de vida.
Detalles íntimos. Piel joven, piel arrugada. El paso del tiempo y el
árbol que permanece (de un silencio cuyos ecos rememoran el de la
naturaleza impertérrita del cine de Ozu, según la mirada de Deleuze).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Refutación de Troya</i> se reserva una coda. La titula <i>"</i>Caral”,
es el nombre de una antigua civilización descubierta en Perú. Con ella,
la aseveración de que la violencia no la definía, de que el comercio
justo y la distribución equitativa los acompañaba. Los investigadores se
empecinan, de todos modos, en encontrar el lugar de la violencia
seminal. Pero no está. Y Caral que es anterior a todo esto. De esta
manera, <i>Refutación de Troya</i> desoculta su nombre clave, el de una
organización social distante en el tiempo, anterior y verdadera, como
cara cíclica a la cual volver para así seguir.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Troya sucumbe y Caral asoma. El video de Galuppo y Rímini adquiere un
carácter cíclico. Así como el de la luz que acaricia al vientre de
vida.</span></span><br />
<br /></div>
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-41786719844736036202020-06-06T11:45:00.000-07:002020-06-06T11:46:39.829-07:00Ema (2019, Pablo Larraín)<div class="article-titles">
<h2 class="article-prefix">
</h2>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #cc0000;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Mujer de espíritu libre y transgresor</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-gHMyo0xrhZ4/Xtvj4hKMvSI/AAAAAAAAHzI/LOoc_Ntz-iQ1Oy-15Plp35OB4RazU5XUwCLcBGAsYHQ/s1600/Ema.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-gHMyo0xrhZ4/Xtvj4hKMvSI/AAAAAAAAHzI/LOoc_Ntz-iQ1Oy-15Plp35OB4RazU5XUwCLcBGAsYHQ/s320/Ema.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<br />
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La película del director chileno centra el relato en una figura inescrutable, entre el baile, el sexo, y ardides de telaraña.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Ema</span></b></span><br />
<span style="font-size: x-small;">
</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">(Chile, 2019). Dirección: Pablo Larraín. Guión: Guillermo Calderón, Pablo Larraín, Alejandro Moreno. Música: Nicolás Jaar. Fotografía: Sergio Armstrong. Montaje: Sebastián Sepúlveda. Reparto: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera,
Paola Giannini, Cristián Suárez, Giannina Frutero, Mariana Loyola. Duración: 107 minutos.</span></span><br />
<span style="font-size: x-small;">
</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">8 (ocho) puntos</span></span><br />
<span style="font-size: x-small;">
</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Disponible en MUBI</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La más reciente película del director chileno Pablo Larraín (<i>No</i>, <i>El club</i>, <i>Neruda</i>, <i>Jackie</i>)
comienza en negro. El sonido presagia. Lo que sigue es un semáforo en
llamas. La calle desierta, es de noche. El rojo de la luz redonda se
potencia con el fuego. Como puntos luminosos o chispas, otros semáforos
prolongan la perspectiva. El verde matiza. Los colores están saturados,
extrañados. Una silueta camina sola, con un lanzallamas. Corte a negro.
Título de la película.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“Ema” se lee centrado. En blanco sobre fondo negro. El contraste
reitera la relación que ya establecían, semánticamente, el rojo y el
verde de los semáforos. A partir de aquí, la película se desgrana, y
habrá que estar atentos. ¿Quién es Ema? Ema es una bailarina (Mariana Di
Girolamo), forma parte de un cuerpo de baile que dirige su pareja (Gael
García Bernal). Ellos adoptaron un niño pero también lo devolvieron.
Parece que el niño tuvo brotes piromaníacos, y una tía quedó
hospitalizada. Ema es docente, enseña a sus alumnas y alumnos a ser
libres con el cuerpo. Baila reggaetón y se manifiesta bisexual. Trama su
divorcio, pero no tiene dinero. Mientras, persiste en el reencuentro
con su hijo.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El nombre de Ema en blanco y el fondo negro, como título, aportan una
seña distintiva sobre las formas del devenir argumental. El nombre de
ella está en el punto medio del cuadro. Ema es un personaje central
porque <i>Ema</i>, la película, es centrípeta. Sus planos organizan el
espacio visual desde el punto medio, el centro, todo lo demás siempre
alrededor de quien ocupe ese lugar. Así, todo lo que se diga o muestre
tendrá que ver con este ordenamiento. Y cuesta apartar la vista del
centro, porque hacia ese punto es donde dirige la mirada la cámara de
Larraín, de modo sostenido y a lo largo de todo el film.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entonces, la confluencia está en Ema. Es el nombre de la película
porque la película es ella. Siempre en Ema y desde Ema. Ella como el
lugar donde confluyen las miradas y los diálogos. Por eso, bien podría
pensarse con qué tipo de registro se relaciona el film. Y cuándo se está
dentro o fuera de la cabeza de su personaje; es decir, si lo visto
tiene visos de realidad o son derivas fantásticas. En este sentido, el
semáforo incendiado ya lo advierte. Su imagen poderosa –surreal,
nocturna, saturada– tiñe todo lo que sigue. Elipsis total mediante,
habrá que atender de igual modo al plano último, en el desenlace -imagen
que aquí no se develará-, cuya cotidianeidad pareciera acentuar el
carácter alterno de todo lo que se ha visto. ¿Sucedió? ¿Quién es Ema?</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Ema es un fusible que hace explotar lo que toca. Sexualmente,
musicalmente, maternalmente. En ninguna de estas instancias lo hace de
un modo previsible. Si bailar bien es tan importante como tener el mejor
sexo, las dos caras son parte de la misma moneda. Desde el baile, ella
corroe fronteras. Apela al reggaetón y provoca la furia de su pareja,
afecto a las performances, al teatro-danza, a la música meditada. Él le
regaña la estupidez mental al dejarse tratar, musicalmente, como mujer
objeto. Pero Ema atrae las miradas de todas y todos cuando lo hace. Y
anda en grupo, de mujeres que se quieren como unidad.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">¿Y la maternidad? Ema la persigue desde la figura elusiva de un niño
adoptado y abandonado. ¿Dónde está? ¿Está en alguna parte? ¿Qué es lo
que realmente sucedió para que fuese devuelto? A la vez, ella reprocha
la impotencia de su pareja, a quien ridiculiza. ¿Qué es lo que quiere
decir él cuando le recuerda ciertos comportamientos impúdicos con el
niño?</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Por otro lado, hay una cuasi paradoja que es elemento nodal en la
puesta en escena. La caracterización de la actriz Mariana Di Girolamo
como Ema es de una frialdad andrógina, pareciera nada fogosa. Viste y
mira de modo impasible. El fuego, en todo caso, opera de otra manera. Y
esto es algo que la propia película suscita por contraste hacia sí
misma, como cine que es, al salirse del estereotipo habitual, en donde
la mujer ha sido -y todavía lo es- retratada desde el estereotipo. Desde
su sensualidad particular, Ema conquista el afecto del bombero, y la
relación de su fuego con el agua se asume grotesca. En ello tiene que
ver la ridiculización fálica aludida, cuando ella se divierte con la
manguera del autobomba (su arma elegida al inicio era el lanzallamas,
vale recordar). Por otro lado, su esposa, la abogada que permitiría el
divorcio de Ema, será también seducida. Y ello habilita otro rasgo
burlón, en función de la ley que esta mujer representa. Porque habrá
divorcio sólo si hay dinero. Ema busca otros modos. Y baila.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En otras palabras, Ema es una figura que subvierte. Una especie de
duende, de espíritu libre. No habría que buscar en ella un
comportamiento moral. Es en quienes la rodean donde éste se manifiesta.
Así los docentes, directivos, funcionarios, esposos y amantes. Y los
hijos. Hay que ver cómo Ema resuelve su dilema maternal sin portar panza
embarazada. Pero eso es algo que la película guarda consigo y aquí no
se develará. Un recurso que normalizará –si es ésta la palabra precisa-
de otra forma lo que la rodea.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Ahora bien, y de vuelta a ese plano último, el referido más arriba.
¿Dónde y cómo localizarlo argumentalmente? Todo lo visto, ¿realmente
sucedió? Lo que sí está claro es que la película siempre fue ella. Y que
tal vez la explicación mejor esté en el parlamento con el cual Gael
García Bernal se defiende de las acusaciones de la funcionaria de
minoridad, quien confunde por real la tarea artística. Bernal le dice
que todo es una performance, que ésa es su labor. Crear, representar.
Ella dirá que su tarea es la de enfrentar a personas como él, porque
ella es el sistema. <i>Ema</i>, la película, está cifrada allí.</span></span><br />
<br /></div>
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-2181551225413411902020-06-06T11:40:00.003-07:002020-06-06T11:42:02.485-07:00El Cazador (2019) de Marco Berger: Entrevista con el director.<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El peligro que esconde lo que no se habla</span></span></span></h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-QJsFyTrdsQo/XtviYexu2SI/AAAAAAAAHy8/ttB2pOiL63ojOj5jvDWnP9N0221EHr5fwCEwYBhgLKs0DAL1OcqyBaEIlo5WkMqasDjngRq2JcsLN2LyKVr4Fb9NaGbgeg5oJUSC4O_XfeuyzgHE7WdWsCmnMSH1G_qP0TFqQasV3dM_Gd2QH0mmQFdqNWOZdQ2csQ1nG9f6oXUu3y2tqZ-NsfMw0f8pSCyhK98hSgQinEQYH9xGQGlB9DQr0-_vMxT_yg6DmrgQKmwT1gZm9ZOgGmn6x1FFedaTZy0oqOEPV2M69SYATNWUtN8yV6hXjAiAZGdhDfOh5kt8oukl3X6dcFF4ijioq_CM6lWxkLkh6Z56vAH1kGun62XswpH1cidSzmFEf4k7wCPr0ursOW2EyhtWzrf0KpATyTg-PzGE2kTQ5yUcFh2zGqm4n76-PbgAny4DrRb2jybwjrSMHF3pJnMFXlXQITHgvEJJOEAFegFEXm1AUSiUCDCbuwLV2sfaiIlrjTVWZnTppEzh_W1p9EdBsESldraiMlgMkFUxxBdFv_wdowzYCb-uzW_MchjmBS2OHikuTixNqx481oL64AqeRa-rtkwhzj8dgj58Yxayl9YQdiOvviOtDGo4dUeW5CF60t3CgAUGEclwuADgv4JWMS8CXFKHZkwZLEtpSir6ed7SMIv4wyMnv9gU/s1600/cazador.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-QJsFyTrdsQo/XtviYexu2SI/AAAAAAAAHy8/ttB2pOiL63ojOj5jvDWnP9N0221EHr5fwCEwYBhgLKs0DAL1OcqyBaEIlo5WkMqasDjngRq2JcsLN2LyKVr4Fb9NaGbgeg5oJUSC4O_XfeuyzgHE7WdWsCmnMSH1G_qP0TFqQasV3dM_Gd2QH0mmQFdqNWOZdQ2csQ1nG9f6oXUu3y2tqZ-NsfMw0f8pSCyhK98hSgQinEQYH9xGQGlB9DQr0-_vMxT_yg6DmrgQKmwT1gZm9ZOgGmn6x1FFedaTZy0oqOEPV2M69SYATNWUtN8yV6hXjAiAZGdhDfOh5kt8oukl3X6dcFF4ijioq_CM6lWxkLkh6Z56vAH1kGun62XswpH1cidSzmFEf4k7wCPr0ursOW2EyhtWzrf0KpATyTg-PzGE2kTQ5yUcFh2zGqm4n76-PbgAny4DrRb2jybwjrSMHF3pJnMFXlXQITHgvEJJOEAFegFEXm1AUSiUCDCbuwLV2sfaiIlrjTVWZnTppEzh_W1p9EdBsESldraiMlgMkFUxxBdFv_wdowzYCb-uzW_MchjmBS2OHikuTixNqx481oL64AqeRa-rtkwhzj8dgj58Yxayl9YQdiOvviOtDGo4dUeW5CF60t3CgAUGEclwuADgv4JWMS8CXFKHZkwZLEtpSir6ed7SMIv4wyMnv9gU/s320/cazador.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="article-summary" style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El film indaga en la pornografía infantil, desde el suspense y en la mirada de un adolescente que calla su homosexualidad.</span></span></i></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<br />
<a href="https://www.pagina12.com.ar/268858-el-peligro-que-esconde-lo-que-no-se-habla" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Leandro Arteaga</span></span></b></span></a></div>
<div class="article-summary">
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Reconocido y premiado de manera internacional –ganador del Teddy de la Berlinale con <i>Ausente</i>-, el director Marco Berger (<i>Mariposa</i>, <i>Taekwondo</i>,<i> Un rubio</i>) es alguien de quien se espera cada película con expectativa. En este sentido, <i>El Cazador </i>no puede menos que acentuarla, vista su atención al submundo de la <i>deep web</i> y la pornografía infantil. A la vez, se trata de un relato de suspense meditado, que enhebra otras y varias cuestiones. <i>El Cazador</i> tuvo su estreno en <a href="https://play.cine.ar/bienvenida/" target="_blank">Cine.Ar Play</a> .</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">“A las películas siempre las tomo de manera diferente, a ninguna como
prioridad ni como la película que me tiene que modificar. A veces, uno
sueña un poco con esto de si ésta es la película con la que la pego o
con la que llevo más gente. Uno tiene un montón de fantasías. Pero
después de <i>Ausente</i>, cuando gané el Teddy y parecía que mi carrera
se debía perfilar de una forma específica, decidí salir un poco de ese
juego y concentrarme en lo que debía. Por eso hice <i>Hawaii</i>, que es una película muy chiquita. Entendí que para el bien de la obra había que alejarse un poco de esos lugares. Amo <i>El Cazador</i>,
me encanta, pero no la pongo en ningún lugar específico. Tengo la
cabeza en lo que es mi carrera y en los futuros trabajos. Agradezco lo
que está pasando, porque siento que hay mucho interés en la película,
pero no me gustaría que eso me modifique. Quiero pensar que es una
película más, y mis películas me gustan todas”, conversa Marco Berger
con <b>Rosario/12</b>.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>--Se nota la presencia de un guión muy sólido.</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Venía manejando la película en mi cabeza hace mucho tiempo. Me
parecía que era una historia muy potente pero no sabía bien por dónde
encararla. Cuando decidí hacerla, tenía a grandes rasgos definidos tanto
el principio como el final, así como los dos giros que hay. Quizás no
sabía tanto sobre el cambio que en un momento hago del personaje, eso es
algo que surgió durante el guion. Pero sí, tenía dos o tres puntas
importantes. Cuando el personaje se entera de qué está pasando
alrededor, ahí me pasó de descubrir que me convenía frenar a la
película, y empezar una película nueva, para generar otra vez la
sensación de que quedó algo en el tintero, que nos está molestando en el
fondo de la cabeza, y no sabemos si volverá a aparecer. Son
estrategias, para encarar, más que nada, un thriller, para esconder al
“monstruo”, y lograr que la atención esté puesta en el protagonista,
pero también en las cosas que lo rodean aunque no estén presentes. Son
estrategias trabajadas desde la emoción y los sentimientos pero también
desde la inteligencia, en función de cómo hacer un tramado inteligente
para que la película se vuelva bastante atrapante.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Las actuaciones parecen contenidas.</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">-Mucho se construye desde el montaje, y yo soy también el montajista.
La línea de actuación que trabajo tiene que ver con que no se gesticula
y no se le da información a la cara, sino que se piensa, para que la
cara se acomode a lo que está pensando el personaje. Así sentimos que
podemos leer el pensamiento de los actores, porque lo que están haciendo
es ubicarse en esa situación. Es una técnica que no es mía, desde ya.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Aún no hablamos de la homosexualidad de los personajes. Lo digo porque, tal vez, ya sea hora de un cine que la naturalice.</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--A partir del momento en que se naturalice, no podrían existir este
tipo de películas, o por lo menos de la forma en que yo las encaro. Creo
que acá, justamente, la trampa de <i>El Cazador</i> es que la base está
sostenida en que un adolescente varón no puede expresar a su familia lo
que le pasa, no por lo que le pasa, sino porque la primera traba es que
no saben que a él le gustan los varones. Por un lado, estoy totalmente
de acuerdo en que el mundo debería cambiar, pero soy consciente de que
todavía no lo hizo, y de que ésta es la película que más demuestra que
mi cine no está orientado a un público específico, porque lo que plantea
es una problemática que, si bien yo la encaro desde este lugar, le
podría pasar a cualquier persona, sea con la videopornografía, con la
trata o un montón de situaciones. En este caso, está orientado así
porque yo vuelvo siempre a mi propia mirada, como si me hubiese pasado a
mí. Entonces sí aparece algo que, si bien no me gusta llamarla de este
modo, es la “etiqueta”. Pero acompaña, es secundaria, no la pone uno. <i>El Cazador</i> es un thriller dramático, por así decirlo, y está contextuado en el cine de temática gay porque el personaje lo es.</span></span><br />
<br />
<span style="color: #674ea7;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><b>-Me gusta cuando la madre le dice al hijo sobre la posibilidad de tener novia o “amigovia”.</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">--Es la escena clave, y es por lo que él se siente totalmente solo.
Tiene la opción de tener novia y plantear así todos los problemas que le
surjan. Ahora bien, si le surgen porque tiene un novio, no tiene por
dónde acceder, se siente atrapado. A veces, si las cosas no se hablan se
vuelven peligrosas; si no se nombran, uno siente que si aparecen serán
un peligro.</span></span><br />
<br /></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-79005875461954262292020-06-06T11:33:00.004-07:002020-06-06T11:35:49.080-07:00Catorce (Fourteen, 2019, Dan Sallitt)<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
<span style="color: #741b47;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Amigas de relaciones simétricas</span></span></span></h1>
<h1 class="article-title" style="text-align: center;">
</h1>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-FNcB1pSiHMw/Xtvg-0FvkzI/AAAAAAAAHyo/cUtp3GY024Enw0LUF3Qp5Tk21VVm3gR-QCLcBGAsYHQ/s1600/sallitt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-FNcB1pSiHMw/Xtvg-0FvkzI/AAAAAAAAHyo/cUtp3GY024Enw0LUF3Qp5Tk21VVm3gR-QCLcBGAsYHQ/s320/sallitt.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La película del director norteamericano narra una amistad íntima, entre recuerdos sesgados y el tiempo que prosigue.</span></span></i></div>
<br /></div>
<div class="article-summary">
</div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/269417-dos-amigas-de-relaciones-simetricas" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;">Leandro Arteaga </span></b></span></a></span></span></div>
<div class="article-summary">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span><br />
<div class="article-text">
<b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Catorce</span></span></b><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Fourteen</span></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">(EE.UU., 2019). Dirección: Dan Sallitt. Guion y montaje: Dan Sallitt. Fotografía: Chris Messina, Reparto: Tallie Medel, Norma Kuhling, Evan Davis, Willy McGee, Scott Friend, C. Mason Wells. Duración: 94 minutos. Disponible en: <a href="http://puentesdecine.com/">PuentesDeCine.com</a></span></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">8 (ocho) puntos</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La circulación online ya es costumbre en los estrenos, y el panorama que se abre ofrece alternativas. Éste es el caso de <i>Catorce</i> (Fourteen), la más reciente película del norteamericano Dan Sallitt (<i>Honeymoon</i>, <i>All the Ships at Sea</i>, <i>The Unspeakable Act</i>), disponible en la Sala de Cine Virtual de <a href="https://play.puentesdecine.com.ar/estrenos" target="_blank">Puentes de Cine</a> , que organiza la Asociación de Directorxs de Cine PCI.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Catorce</i> tuvo su estreno en la Berlinale y pudo verse en el Festival de Cine de Mar del Plata, junto con el cortometraje <i>Caterina</i>,
del mismo director e interpretado por la argentina Agustina Muñoz.
Acercarse a su propuesta lo es a un mundo fuertemente personal. El cine
de Sallitt no requiere de presupuestos enormes, sus historias están
acotadas a lo que internamente sucede con sus personajes. Y estas
cuestiones, se sabe, pueden ser extensivas al cine independiente de todo
país, aun cuando sean muchos los matices e idiosincrasias que
distinguir.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En este sentido, el disfrute de una película como <i>Catorce</i>
vuelve cercana la necesidad de un cine urgente, a pesar o a propósito de
los vaivenes económicos. En suma, no hay excusa para no hacer cine. Y
eso es algo que la película de Sallitt dice de manera inmediata. Pero
también se trata de hacer buen cine. Y eso es algo que también ofrece<i> Catorce</i>.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El film se articula a partir de la amistad entre Mara (Tallie Medel) y
Jo (Norma Kuhling). Y sucede como si se tratara de un arribo imprevisto
en su historia. <i>Catorce</i> podría comenzar de muchas maneras, pero
lo hace a partir de un llamado telefónico que interrumpe el trabajo de
Mara, quien corre rauda al encuentro de su amiga. Una vez en el
departamento de Jo, el diálogo entre ambas comienza a delinearlas. Lo
notable es cómo en el hacer y el decir de cada una replican las
características de la otra. Como imágenes devueltas que se requieren
porque, precisamente, son diferentes.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Mara es quien se preocupa por el trabajo y el estudio, mientras
alterna citas, piensa su relación afectiva, y encuentra momentos para
escribir. Jo no encuentra un trabajo que la sostenga o contenga, sus
parejas rotan, el alcohol y las drogas tal vez la acompañen. Nada hay de
subrayado en todo esto por parte de la película, sino que son matices,
detalles, que surgen de modo sesgado, mientras construyen cada
personaje. Durante el diálogo aludido, hay un plano suficiente: Jo habla
sentada en su sofá, mientras el espejo que cuelga detrás captura el
reflejo atento de Mara. Plano y contraplano en el mismo encuadre. Las
dos, en suma, reunidas y en función de la otra.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Este requerimiento recuerda una película notable de Agnès Varda; en <i>Una canta, otra no</i>
(1977) también dos amigas atraviesan, desde sus características e
historia personales, un mismo devenir. Sus encuentros ofician como
paradas en el camino, como recuentos personales sobre lo hecho y vivido.
Hay algo similar en <i>Catorce</i>. Pero el hilo invisible que las une
aquí oficia como un llamado de atención permanente. Jo pide ayuda, y
Mara la asiste. Así como el film se sumerge en esta relación a la manera
de una historia ya en curso, su desarrollo será acorde con esta
premisa: la transición entre secuencias oficiará como elipsis a develar.
Es decir, la acción parece proseguir normalmente, cuando en verdad
pueden haber sucedido meses o años entre una situación y la siguiente.
Hay un pulso narrativo sutil en estas soluciones, sin fundidos o
diálogos explicativos, sino siempre por corte directo.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En todo caso, se trata de participar de un transcurrir temporal
misterioso, el de todos los días, casi lento y sin embargo veloz. El
cine puede emularlo y transformarlo. Aquí sin flashbacks ni parlamentos.
Sino a la manera de saltos elípticos elegidos. Pero con el eje puesto
en Mara. La elección tiene su razón de ser. Si la película inicia con
ella y en ella permanece, es porque es Mara quien puede contar. Es ella
quien escribe. Quien ordena y organiza con el fin de narrar. Cuando
refiere datos sobre lo que ha escrito, devela que detrás de ellos hay
una historia real, que alguien le contó. Pero con algún personaje de su
invención.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Si es Mara quien escribe, y trabaja y asume ciertas
responsabilidades; Jo es quien no consigue un lugar permanente. Si Mara
proyecta hacia adelante, Jo vuelve sobre sus pasos. En este sentido, hay
una secuencia nodal, la que transcurre en casa de los padres de Jo,
donde ella está recluida, en esa habitación de la que quiere volver a
huir, como durante su adolescencia. Es perfecto cómo la situación se
enhebra en la película, de manera progresiva –desde la lógica causal del
relato- y regresiva: porque es aquí donde se pueden atisbar aspectos
relativos a lo sucedido en el pasado, sea con Jo pero también con Mara.
Filmar un recuerdo tal vez tenga que ver con permanecer en el rostro de
quien piensa. Leer entre sus gestos. Escuchar las palabras no dichas.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Pero hay una palabra fundamental, que es también el título de esta
película. El “catorce” es un número que puede significar de varias
maneras. ¿Ya éramos amigas, no?, pregunta Mara en alusión a ese número,
como si recordarse por fuera de Jo ya le resultara imposible. Entre las
rememoraciones fragmentadas, se esconden otras cuestiones, que apenas se
vislumbran. La vida familiar de Jo parece que no fue nada mágica. Pero
esto es apenas sugerido, y de modo oportuno no se explica. En algún
momento, eso sí, ella explotará, en casa de Mara y en un horario
inoportuno, que culminará por alterar la calma tensa entre Mara y su
pareja. Tampoco Mara, vale destacar, tiene nada seguro.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-_gAHlcT7TGo/XtvhbZ2sdNI/AAAAAAAAHyw/9cU0jVwNpfM-PSI8nE1-PDFdJHUlTaI4wCLcBGAsYHQ/s1600/sallitt.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1600" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-_gAHlcT7TGo/XtvhbZ2sdNI/AAAAAAAAHyw/9cU0jVwNpfM-PSI8nE1-PDFdJHUlTaI4wCLcBGAsYHQ/s320/sallitt.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Hay que dejarse llevar por el encanto dialogado de <i>Catorce</i>
(Eric Rohmer ha sido señalado por Sallitt como una de sus influencias),
por sus actuaciones y diálogos ajustados. Y reparar en el cuento que
Mara le narra a su hija, protagonizado por alguien de nombre Jo. Otra
vez el salto al pasado. El cuento permite el vínculo con la niña y la
rememoración de un hecho remoto y esencial en la vida de Mara. A su vez,
está filmado en un plano secuencia, lo que permite disfrutar de las
reacciones de la niña, de sus gestos y preguntas. Allí hay algo de lo
espontáneo que dice también sobre esas personas que se sitúan ante la
cámara y se disponen a compartir una recreación: la actriz que
interpreta a Mara, y la niña que se sabe filmada pero lo olvida, porque
se encanta ante la historia de la madre (o de quien actúa como tal).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">A ella, a esta niña, la madre le hablará de la muerte. Y de que morir es algo importante.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
</div>
</div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-36954400926030628532020-06-05T15:14:00.005-07:002020-06-05T15:15:37.924-07:00Películas de directores argentinos y magistrales (IV)<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><b><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Dos caras y una misma desesperación</span></span></b></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-0zdr-OnW-IU/XtrDjjg7o9I/AAAAAAAAHyU/OhOAdsx0bDYHULTILH2sD-RuGRlscbpEgCLcBGAsYHQ/s1600/Silvia%2BLegrand%2By%2BMirtha%2BLegrand.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="624" height="239" src="https://1.bp.blogspot.com/-0zdr-OnW-IU/XtrDjjg7o9I/AAAAAAAAHyU/OhOAdsx0bDYHULTILH2sD-RuGRlscbpEgCLcBGAsYHQ/s320/Silvia%2BLegrand%2By%2BMirtha%2BLegrand.png" width="320" /></a></div>
<br />
<a href="https://www.pagina12.com.ar/264000-dos-caras-y-una-desesperacion" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Por Leandro Arteaga</span></span></b></span></a><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br /></span></span>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A Silvia Legrand</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Decir que fue de los máximos cultores del cine policial argentino, es
una buena manera de aproximarse a su obra. Daniel Tinayre es uno de los
directores sobre los cuales se modeló el cine autóctono, entre sus
esplendores y caídas. Realizador de formación europea, admirador de
Hitchcock y Lang, tuvo en Mirtha Legrand una de sus efigies. En cierta
oportunidad, el cincelado sobre la figura de la actriz fue dual,
mellizo. La película es <i>Bajo un mismo rostro</i>, de 1962,
protagonizada por Mirtha y Silvia Legrand, a quien esta nota está
dedicada (porque a las y los protagonistas del cine propio hay que
recordarlos, siempre).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Para llegar a esta película, Tinayre ya había filmado algunos de sus más célebres títulos, como <i>Deshonra</i> (1952), <i>La bestia humana</i> (1957) y <i>La patota</i> (1960). Luego vendrían otros éxitos y reinvenciones, como <i>La cigarra no es un bicho </i>(1963, cuya cuarentena de comedia adquiere hoy otros matices) y <i>La Mary</i> (1974).</span></span><br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-0EFNi8QMUAg/XtrDjIbqUHI/AAAAAAAAHyQ/hlVu4oWaQ281FYsDiW99W5c9B0D62djuwCLcBGAsYHQ/s1600/Ernesto%2BBianco%2By%2BSilvia%2BLegrand%2Ben%2BBajo%2Bun%2Bmismo%2Brostro%2B%25281962%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="205" data-original-width="246" src="https://1.bp.blogspot.com/-0EFNi8QMUAg/XtrDjIbqUHI/AAAAAAAAHyQ/hlVu4oWaQ281FYsDiW99W5c9B0D62djuwCLcBGAsYHQ/s1600/Ernesto%2BBianco%2By%2BSilvia%2BLegrand%2Ben%2BBajo%2Bun%2Bmismo%2Brostro%2B%25281962%2529.jpg" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Producción de Argentina Sono Film, <i>Bajo un mismo rostro</i> –-disponible en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=B39QEFPVZH0" target="_blank">Youtube</a> -- cuenta con guion de Silvina Bullrich, a partir de la novela <i>Hijas de la alegría</i>
(Les filles de joie) de Guy des Cars. La elección de un bestseller
evidencia la vocación fronteras afuera de la película –-con
participación en el Festival de Berlín de aquel año-- pero también una
costumbre que era habitual al cine argentino, dado a versionar obras
literarias del mundo.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El film de Tinayre narra la historia de dos hermanas, una es monja
(Silvia Legrand) y la otra prostituta (Mirtha Legrand). De modo habitual
a la poética del director, el desarrollo argumental comienza desde la
voz en off que rememora y obliga al racconto, al salto temporal al
pasado, con el hecho ya consumado (así como sucede en <i>Deshonra</i> y <i>La bestia humana</i>).
Hubo un crimen, y la voz del policía lo lamenta. Las imágenes son las
de un móvil que atraviesa a toda velocidad Buenos Aires (mientras marca
de forma intensa una de las elecciones estéticas del film, ambientado en
locaciones reales). La parada del patrullero lleva al convento donde
vive Sor Elisabet, para dar la noticia del asesinato de Inés, su
hermana. Pero no será tanta la sorpresa de la monja, quien espera entre
sombras.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Al dar su versión de los hechos, Elisabeth origina nuevos saltos al
pasado. No es un dato menor, porque es en estos detalles donde descansa
la sabiduría narrativa de Tinayre: la voz policía del comienzo es dicha
desde un lugar invisible, ya que la imagen del patrullero es
consecuencia del relato (¿desde dónde habla este policía?). Ahora, es la
voz de la monja la que guía la historia, con sus sucesivos flashbacks.
Es algo que vale tener presente cuando el desenlace ocurra, y atender a
quién corresponde la voz narradora de la secuencia final.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Antes de llegar allí (y a uno de los momentos tal vez más alucinados
del cine argentino), hay que señalar que entre Inés y Elisabeth la
simpatía es plena. Ambas resplandecen cuando están juntas. Aun
separadas, entre las dos existe unidad. Así, mientras Inés cuida de
enfermos y ancianos, Elisabeth modela para firmas de ropa. Mientras una
es admirada por miradas de lujuria, la otra es contemplada en su bondad.
Una compensación mutua, extraña. Ahora bien, lo que comienza como una
cita más, terminará de modo escabroso. Así será cuando Inés conozca a
Jorge (Ernesto Bianco), de quien se enamora como si fuese el príncipe
soñado. Pero aquí el beso transforma en sapo lo que toca. El dinero no
alcanza, y ella se prostituye a escondidas para solventar las deudas. Lo
cierto es que tras la fachada amable de Jorge se esconde en verdad un
rufián, e Inés no es la primera en caer en sus garras. Sin saberlo, Inés
oficiaba como su esclava sexual involuntaria. Ahora que lo sabe,
tampoco puede salir del círculo maléfico que ayudó a trazar.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3-6ZPTCjvLg/XtrDjOvW-LI/AAAAAAAAHyM/DoD8nSX6sC43xGCFuop-d1XCdtEHKSjRQCLcBGAsYHQ/s1600/Mirtha%2BLegrand%2By%2BJorge%2BMistral.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="200" data-original-width="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-3-6ZPTCjvLg/XtrDjOvW-LI/AAAAAAAAHyM/DoD8nSX6sC43xGCFuop-d1XCdtEHKSjRQCLcBGAsYHQ/s1600/Mirtha%2BLegrand%2By%2BJorge%2BMistral.jpg" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Como se trata de una película de simetrías, será también el momento
de planear la venganza, de meditar la manera con la cual hacerle caer en
su propia red. Lo curioso es cómo, mientras Elisabeth nada sabe sobre
lo que su hermana hace, las réplicas entre una y otra median de manera
misteriosa. El decaimiento casi mortal de Elisabeth oficia de alerta,
como aviso premonitorio; mientras Inés, espantada, piensa en el
suicidio, cuando espera paciente a que el gentío se disipe en el subte
(en la estación Pueyrredón). La elección espacial no es gratuita: cae la
noche, las sombras prevalecen, Inés yace bajo tierra y en su infierno.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Hay que decir que lo tortuoso del asunto es moneda de cambio en el
cine de Tinayre. Si bien el argumento podría juzgarse forzado o poco
creíble, nada de eso hay que tener en cuenta para el disfrute del cine.
En todo caso, lo que se respira aquí es la asunción de una puesta en
escena traumática, en donde los dolores y las alegrías van juntas, entre
sus luces y sombras, a merced del alma y los placeres carnales. Inés y
Elisabeth comulgan, son una unidad, lo que a una de ellas sucede
repercutirá en la otra, la simetría es consecuente con la totalidad de
la película.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es de esta manera como hay que entender la aparición de Jaime (Jorge
Mistral), el aviador militar -cuyo nombre es similar al de Jorge- que
ofrece la respuesta a la vida que Inés sueña. Pero los sueños, son
sueños. Felizmente y terriblemente. Es por esto que <i>Bajo un mismo rostro</i> es un melodrama verdadero: es exceso, es alucinación, es desdoblamiento. Tiene ejemplos similares en <i>The Dark Mirror</i>,
con Olivia de Havilland duplicada como hermanas según la dirección del
magistral Robert Siodmak; también en el cine de Fritz Lang, en sus
pliegues de espejos sombríos; o en títulos clásicos como <i>Ángeles con caras sucias</i>, de Michael Curtiz, con Pat O’Brien y James Cagney como amigos devenidos cura y criminal respectivamente.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Pero en el film de Daniel Tinayre las actrices son dos, diferentes
caras del mismo rostro. Lo que acerca la película de una manera curiosa a
la posterior <i>Ese oscuro objeto del deseo</i>, donde Luis Buñuel se
valiera indistintamente de Carole Bouquet y Ángela Molina para la
composición de Conchita. Hay que observar de qué manera Tinayre hace lo
propio. Para eso hay que ver, y rever, la película.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-6399314412446204892020-06-05T15:06:00.003-07:002020-06-05T15:10:32.494-07:00Narciso Ibáñez Menta<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: large;">El maestro de todos los miedos</span></span></span></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<i><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El cine argentino tuvo en Narciso Ibáñez Menta una de sus figuras más importantes, aquí rescatado en tres títulos insoslayables.</span></span></i></div>
<br />
<a href="https://www.pagina12.com.ar/260727-el-maestro-de-todos-los-miedos" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Por Leandro Arteaga</span></span></b></span></a><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span><br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-xDVGwIj_2Ls/XtrBIfoSULI/AAAAAAAAHx0/wY46-azA8p8HD3jADo3sYoSpTXwC9lSzwCLcBGAsYHQ/s1600/Una_luz_en_la_ventana-310096366-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="647" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-xDVGwIj_2Ls/XtrBIfoSULI/AAAAAAAAHx0/wY46-azA8p8HD3jADo3sYoSpTXwC9lSzwCLcBGAsYHQ/s320/Una_luz_en_la_ventana-310096366-large.jpg" width="215" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Los miedos serían otros sin la figura y obra de Narciso Ibáñez Menta.
Actor camaleónico, maestro del maquillaje, capaz de encarnar temores y
afectos entrelazados. Su nombre integra una lista de célebres, entre
quienes figuran Bela Lugosi, Boris Karloff, Peter Cushing, Vincent
Price, Christopher Lee, bajo la guía del mentor Lon Chaney.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Internet mediante, acceder a su obra cinematográfica no es imposible,
aun cuando sus proezas televisivas -que detuvieron la respiración de un
país entero con producciones como <i>El muñeco maldito</i> o <i>El hombre que volvió de la muerte</i>-
agonicen en un olvido próximo, merced al descuido. Ojo, el caso del
cine no es distinto. Lo que subsisten son copias maltrechas, que
perviven todavía (gracias a voluntariosos) en la red.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De entre ellas, se eligen aquí tres títulos como momentos distintivos en la trayectoria ejemplar de Ibáñez Menta. El primero, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=mwOfQnZXvVw" target="_blank"><i>Una luz en la ventana</i></a> (1942) de Manuel Romero, marca el comienzo de su carrera cinematográfica. A partir del guión
de Romero, el actor encarna a un enfermo de acromegalia, para cuya
caracterización se vale de un maquillaje de invención propia (rasgo
inherente a todas las metamorfosis en la carrera del actor). A un chalet
sombrío y alejado llega una enfermera (Irma Córdoba), con el fin de
cuidar de una anciana paralítica (María Esther Buschiazzo). El hijo de
la señora (Ibáñez Menta), un doctor alguna vez célebre, susurra entre
las sombras su dolor, con las ganas puestas en curarse a través de un
transplante de glándula pituitaria. La dirección fotográfica de Alfredo
Traverso es notable -también trabajaría con Carlos Hugo Christensen en
títulos como <i>Safó, historia de una pasión</i> y <i>El ángel desnudo</i>- en la creación de una atmósfera acorde con el naciente cine de terror argentino.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Una luz en la ventana</i> está modelada a la manera del cine de
monstruos de los estudios norteamericanos Universal –noche, lluvia,
caserón lóbrego, científico loco-, pero desde la factoría Lumiton y con
Ibáñez Menta como su respuesta local. Un diálogo nada casual permite una
ironía, cuando un policía diga que “esas películas de Boris Karloff le
están haciendo mucho mal a la gente”, luego de golpear con la cachiporra
a Severo Fernández, el <i>comic relief</i> de la película. Así, Romero
desliza su mirada urticante sobre el desprecio practicado hacia el
género, mientras filma la primera película de terror argentina. Hay que
destacar que si bien Ibáñez Menta ya era un actor teatral consumado, es
con Manuel Romero con quien encuentra trayectoria de cine, en una
relación que continuará con la inmediatamente posterior <i>Historia de crímenes </i>(1942).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Otro título nodal es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=u5IaTveaShs" target="_blank"><i>La bestia debe morir</i></a> (1952), con dirección de Román Viñoly Barreto. A partir de la novela de Nicholas Blake, Narciso Ibáñez Menta (autor
también del guión) encarna al escritor de novelas policiales Félix
Lane, desesperado por los deseos de venganza provocados por "la bestia
que mató a mi hijo". El asesinato del niño, al ser atropellado por un
automovilista anónimo, desencadena no sólo la búsqueda de la bestia,
sino también un descenso hacia la parte más oscura del protagonista.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Fp6TyEJ_g9k/XtrBIFU7EHI/AAAAAAAAHxw/RUZF1AM8TWsDKC98AnF7pQV1NEpQ5FquACLcBGAsYHQ/s1600/la%2Bbestia%2Bdebe%2Bmorir.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="301" data-original-width="400" height="240" src="https://1.bp.blogspot.com/-Fp6TyEJ_g9k/XtrBIFU7EHI/AAAAAAAAHxw/RUZF1AM8TWsDKC98AnF7pQV1NEpQ5FquACLcBGAsYHQ/s320/la%2Bbestia%2Bdebe%2Bmorir.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El film inicia en una mansión, durante el almuerzo, cuando el padre
de familia (Guillermo Battaglia), tras tomar su medicina, descubre que
fue envenenado y muere. Con él se encuentran su madre (Milagros de la
Vega), su esposa (Gloria Ferrandiz), su hijastro Ronnie, y su cuñada
Linda (Laura Hidalgo). A la ronda de sospechosos que celebra el
inspector de policía se sumarán otros tres: un socio de negocios (Nathán
Pinzón), su señora (Beba Bidart), y el propio Félix Lane, novio de
Linda. En poder de la policía se encuentra el diario personal de Félix,
en el que describe, de manera abierta, sus intenciones asesinas. A
partir de aquí, la historia apela a los <i>flashbacks</i>, dedicados a
explicar la muerte del hijo de Félix, la búsqueda del homicida, y el
noviazgo necesario con Linda, cuñada de "la bestia".</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El montaje logra que el relato, de manera constante, vuelva sobre sí
mismo, entre el tiempo presente y el pasado. De este modo, no será
possible saber, hasta el desenlace, si Félix es realmente un asesino
vengador. El final, desde ya, es desolador: mientras Félix se aleja mar
adentro para morir, el pequeño Ronnie dice a Linda: "Me dijo que te
quería".</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La tercera película no puede ser sino <a href="https://www.youtube.com/watch?v=5pBtOcCRhR4" target="_blank"><i>Obras maestras del terror</i></a> (1960) de Enrique Carreras. Dos razones son invariables. Una es la progenie de Edgar Allan Poe,
al versionar tres de sus relatos: “Los hechos en el caso del Señor
Valdemar”, “El tonel de amontillado”, “El corazón delator”. La otra es
la tarea conjunta entre Ibáñez Menta y su hijo, “Chicho” Ibáñez
Serrador, actor y guionista. En este sentido, la película es consecuente
con el éxito televisivo que el actor ya tenía, y presagia el esplendor
que Chicho alcanzaría de igual modo en España.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-wdQUA_l08hc/XtrBIfFY6QI/AAAAAAAAHx4/CAqB5jsyA3MtDDHwLc9knk1HWfTmFiisgCLcBGAsYHQ/s1600/terror.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="321" data-original-width="300" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-wdQUA_l08hc/XtrBIfFY6QI/AAAAAAAAHx4/CAqB5jsyA3MtDDHwLc9knk1HWfTmFiisgCLcBGAsYHQ/s320/terror.jpg" width="299" /></a></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Las caracterizaciones de Ibáñez Menta son una fiesta, pero vale
destacar la organización equilibrada del film, consciente del impacto
que supone “El corazón delator”. En este sentido, así como ser una
película soberbia (sobre la cual no tiene ya interés rubricar quién hizo
más, si Narciso o Carreras), hay que señalar que la versión de este
cuento está a la altura de las mejores; entre ellas: el cortometraje de
Jules Dassin (1941), otro animado y facturado por la UPA (1953), y la
historieta genial que hizo Alberto Breccia (en 1975). Y no sólo por la
faena del actor, en sintonía con su avaricia y ojo blanco, sino sobre
todo por una puesta en escena donde la atmósfera contagia con su humedad
y los tic tac constantes (“pequeños corazones que laten y laten”, dice
Narciso), entre llaves secretas, rendijas que permiten miradas furtivas,
y tablones de madera que esconden dinero. O cadáveres.</span></span><br />
<br />LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-44611055023333149932020-06-05T14:54:00.001-07:002020-06-05T14:58:33.723-07:00Películas de directores argentinos y magistrales (III)<div style="text-align: center;">
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>Otros tres títulos de otros (de los tantos) directores fundamentales del cine argentino: Romero, Tinayre, Moglia Barth.</i></span></span></div>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/259210-otros-grandes-titulos-del-mejor-cine-argentino" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;">Por Leandro Arteaga</span></b></span></a></span><br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-zc-5nqD3RWQ/Xtq-fGIcZQI/AAAAAAAAHxQ/wCZLTlRWyGUwSpegvmRWDKyPkfeAbQnqACLcBGAsYHQ/s1600/Romero.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://1.bp.blogspot.com/-zc-5nqD3RWQ/Xtq-fGIcZQI/AAAAAAAAHxQ/wCZLTlRWyGUwSpegvmRWDKyPkfeAbQnqACLcBGAsYHQ/s320/Romero.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">No habría cine argentino sin Manuel Romero. Director prolífico, de un
pulso con carácter, articulador de un cine identitario, en sintonía con
el teatro y la radio, letrista tanguero. Descubridor para la pantalla
de figuras como Niní Marshall y Hugo del Carril. Entre títulos
inevitables como <i>Tres argentinos en París</i>, <i>Fuera de la ley</i> y <i>Una luz en la ventana</i>, nunca faltará <a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/1177" target="_blank"><i>La rubia del camino</i></a> (1938), vehículo para el lucimiento de la actriz Paulina Singerman, otro de sus descubrimientos.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Se ha señalado el vínculo con <i>Lo que sucedió aquella noche</i>, la <i>screwball comedy</i>
de Frank Capra, con Clark Gable y Claudette Colbert. Y así es. El gran
cine argentino tuvo a Hollywood como ejemplo a imitar y diferenciar.
Romero hizo lo propio y aportó una filmografía personal, con títulos
magistrales como este, en donde la Singerman asume una rítmica propia,
bajo la atenta mirada del director (también guionista), en diálogo con
el mejor cine de Capra o Howard Hawks. Porque Paulina Singerman está a
la altura de las alocadas réplicas de Katherine Hepburn en <i>La adorable revoltosa</i> de Hawks, film también de 1938.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Producción de los estudios Lumiton, <i>La rubia del camino</i> va
detrás de los revires de Betty (Singerman), hija de familia acaudalada,
quien no decide qué hacer con su vida porque todo lo tiene. Ya está
comprometida pero se vuelve a comprometer con otro. Deja a todos
plantados y finalmente se raja en auto a la ruta, camino a Buenos Aires.
Así como en el film de Capra, el camino le hará conocer a alguien
inesperado y ajeno a su mundo. En aquella película se trata de un
periodista, aquí de un camionero (Fernando Borel) de oficio cantor
(móvil para algún momento cancionero, infaltable).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El contraste atrae, los condimentos para la discusión están dados,
así que Romero no tiene más que dejarse llevar por el complemento
inevitable. Desde ya, la fricción es de clase, y es éste el lugar por
donde transcurre la filmografía de Romero. Dado el caso, no faltarán las
risotadas del gaucho ante los novios aristócratas de Betty, ni líneas
de diálogo todavía sorprendentes: “¿quién es este descamisado?”, se
pregunta el conde italiano que interpreta Enrique Serrano, mientras teme
ante un comunismo posiblemente inculcado en quien era su prometida,
vestida ahora con ropas “simples”. La ropa no es mero detalle, habrá que
ver cómo ofician en el novio camionero también, y llegar al final de la
película para constatar el camino dialéctico que los dos atraviesan.
Resuelto el film, queda claro dónde se posiciona el gran Romero.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-nFSvbQvzkUg/Xtq-e2kub8I/AAAAAAAAHxM/plOSIu8yEHgaJ5jM_CCABq-6MwQaxSUyACLcBGAsYHQ/s1600/Con_el_dedo_en_el_gatillo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="325" data-original-width="220" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-nFSvbQvzkUg/Xtq-e2kub8I/AAAAAAAAHxM/plOSIu8yEHgaJ5jM_CCABq-6MwQaxSUyACLcBGAsYHQ/s320/Con_el_dedo_en_el_gatillo.jpg" width="216" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Si Romero es fundamental, otro tanto hay que decir de Luis José
Moglia Barth, director responsable del acta de nacimiento industrial que
es <i>¡Tango!</i> (1933). Dueño de una narrativa un tanto quieta, como
si el drama debiera resolverse en lo que Noël Burch denominó la
“autarquía del plano”, Moglia Barth ocupa un lugar peculiar en el cine,
no demasiado estudiado. Entre sus películas, hay que destacar <a href="https://www.youtube.com/watch?v=HMlv6PbA76c" target="_blank"><i>Con el dedo en el gatillo</i></a> (1940), porque tiene guión de Homero Manzi y Ulises Petyt de Murat (con Manzi ya había colaborado en <i>Huella</i>),
y porque es una versión de nombres y hechos alterados sobre la vida de
Severino Di Giovanni. (De paso: si Leonardo Favio hubiese concretado su
deseo de filmar la vida del anarquista, habría vuelto por segunda vez
sobre la obra de Moglia Barth, quien dirigió<i> Juan Moreira</i> en 1948).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> <i>Con el dedo en el gatillo</i> tiene una secuencia célebre, cuando sucede el robo a la boletería del cine en donde exhiben <i>Scarface</i>,
de Hawks. Así como en el film de Romero, aquí otro diálogo de contraste
con Hollywood, en la búsqueda de una mitología propia. Producida por
Argentina Sono Film -y con disgusto por parte de Manzi ante el resultado
final-, la película de Moglia Barth deja bien parada a la policía y
retrata al anarquismo (sin siquiera mencionarlo) desde una relación
lindante con la delincuencia, aspectos por demás relevantes como para
acercarse a este film, cuya imagen final es letal (el plano último
perturba mucho, porque pone al espectador en las filas que fusilan) y
permite su nexo con la fotos recientemente descubiertas del fusilamiento
de Di Giovanni, aquí bautizado (y con sangre, hay que ver cómo)
“Salvador Di Pietro” e interpretado por Sebastián Chiola.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> No hay historial fílmico posible sin Daniel Tinayre. Cultor del cine
policial, como un ámbito en donde desbrozar su imaginería perversa,
Tinayre tiene momentos soberbios. Uno de ellos es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=jkRLc1q4NSk" target="_blank"><i>A sangre fría</i></a>
(1947), junto con Luis Saslavsky en guión a partir de su novela
homónima. “Las mujeres no renuncian nunca a los hombres” dice Elena
(Amelia Bence) y es síntesis de lo que se viene. Apenas liberada de la
cárcel, cumple ahora funciones de enfermera para una anciana de casa
señorial, gracias a su madre (Ilde Pirovano), el ama de llaves
obediente.</span></span><br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-_0KLwM84cA0/Xtq-f5HM39I/AAAAAAAAHxY/unD5cmCCDn4Xh_O8ICOtkkk89sdd9cYMQCLcBGAsYHQ/s1600/Tinayre.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="193" data-original-width="261" src="https://1.bp.blogspot.com/-_0KLwM84cA0/Xtq-f5HM39I/AAAAAAAAHxY/unD5cmCCDn4Xh_O8ICOtkkk89sdd9cYMQCLcBGAsYHQ/s1600/Tinayre.jpg" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">"Mamá, déjeme dormir. Me he pasado tanto tiempo madrugando a
reglamento", le pide, pero hay que atender a la salud de la mujer
(Antonia Herrero) entre limpieza, planchado y medicamentos. Hasta que
aparece el so</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">brino malandra (Pedro López Lagar), aquél del que no se
conoce más que una virtud: tocar el piano. Quién logra seducir primero
no interesa tanto como los motivos que se esconden. Lo que importa es
que Elena y Fernando comulgarán en la intención: acelerar la herencia
demorada por una tía que no termina de morirse. El paso por el civil
será la alfombra que oculte la tierra. A la manera de una intriga de
James M. Cain, la sociedad para el crimen guarda sinsabor y melodrama. <i>A sangre fría </i>ofrece
una puesta en escena desesperada, porque no se puede salir del lugar
social asignado, y porque la sociedad castiga. El crimen, por eso, como
resorte dramático y predilecto por el noir. Así como lo hiciera con
Mirtha Legrand, de quien redefiniera su imagen fílmica, otro tanto hace
Tinayre con Amelia Bence, aquí devenida fémina letal, ya alejada de su
hacer paisano y de emblema, tal como sucedía en <i>La guerra gaucha</i>.</span></span><br />
<br />LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-92153335749713055822020-04-11T14:00:00.003-07:002020-06-05T14:44:57.478-07:00Películas de directores argentinos y magistrales (II)<div class="article-text">
<div style="text-align: center;">
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><i>Algunos títulos argentinos clásicos y disponibles, con las firmas de Mario Soffici, Hugo Fregonese y Román Viñoly Barreto. </i></span></span></div>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/257675-mas-directores-magistrales-en-casa" target="_blank"><b><span style="font-size: x-small;">Por Leandro Arteaga</span></b></a></span><br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-VcHrjyZBrV8/XpIvOe3T7xI/AAAAAAAAHhc/5TVyybdVOwwP1VwIK8EHFUksFfPnyfWGACLcBGAsYHQ/s1600/Viento%2Bnorte%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="866" data-original-width="684" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-VcHrjyZBrV8/XpIvOe3T7xI/AAAAAAAAHhc/5TVyybdVOwwP1VwIK8EHFUksFfPnyfWGACLcBGAsYHQ/s200/Viento%2Bnorte%2B2.jpg" width="157" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El cine argentino es una aventura de
laberintos. Si bien delimitable en épocas, cada película conlleva hacia
otras, en una relación que sólo las buenas cinematografías logran. Por
gusto propio y porque internet permite verlas, algunas buenas películas
de algunos grandes directores: Mario Soffici, Hugo Fregonese, Román
Viñoly Barreto.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Hay directores que nunca deben soslayarse. Uno de ellos es el insigne
Mario Soffici. Pocos como él en cuanto a solidez narrativa y lírica
personal (Hugo del Carril podría ser caracterizado de manera similar; no
casualmente, entre <i>Prisioneros de la tierra</i> de Soffici, y <i>Las aguas bajan turbias</i> de Del Carril, se establece un díptico consustancial). Antes de <i>Kilómetro 111</i> y de <i>Prisioneros de la tierra</i>, Soffici filmó <i>Viento norte</i> (1937) (disponible en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=iUxqvvb6wr4" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=iUxqvvb6wr4</a> ), versión delirada –con Alberto Vacarezza en guión- de uno de los capítulos de <i>Una excursión a los indios ranqueles</i>, de Lucio V. Mansilla.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ADm3labfm9E/XpIvOGpltBI/AAAAAAAAHhY/0muy_MYXhK4o3XKWz_KU9Ixf2ZBLAap3wCLcBGAsYHQ/s1600/Viento%2Bnorte%2B1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="905" data-original-width="1360" height="212" src="https://1.bp.blogspot.com/-ADm3labfm9E/XpIvOGpltBI/AAAAAAAAHhY/0muy_MYXhK4o3XKWz_KU9Ixf2ZBLAap3wCLcBGAsYHQ/s320/Viento%2Bnorte%2B1.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">El gaucho cinematográfico es un problema particular dentro del cine,
no son tantas las películas que lo supieron modelar; tampoco llegó a
obtener un estatuto similar al del cowboy. Como sea, en <i>Viento norte</i>
se asiste a un drama de fortín, con ranchería aledaña y un pasado de
amorío que ciega. Como síntesis, vale una secuencia: es de noche y los
soldados están de farra. Bailan ruidosos un gato. Uno de ellos esconde
ginebra dentro del fusil, del cual bebe con disimulo. Dentro de su
carpa, el comandante Ledesma (Orestes Caviglia) parece en trance,
alucinado por el reencuentro con el amor que no pudo ser, ahora en
pareja (Camila Quiroga y Enrique Muiño) y madre de Miguelito (Ángel
Magaña). La situación se vuelve más intensa, Soffici acentúa el
crescendo con planos detalle, y Ramallo finalmente explota.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xu2Ng3fiks4/XpIvPN876aI/AAAAAAAAHhk/9H9X2EktuNUTe8jijSHxI2RkHArTfjpbQCLcBGAsYHQ/s1600/apenas%2Bun%2Bdelincuente%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="711" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-xu2Ng3fiks4/XpIvPN876aI/AAAAAAAAHhk/9H9X2EktuNUTe8jijSHxI2RkHArTfjpbQCLcBGAsYHQ/s200/apenas%2Bun%2Bdelincuente%2B2.jpg" width="141" /></a><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Lo dicho oficia como pieza ulterior, que el espectador descubrirá a
partir del romance imposible y “más a la vista”, el de Miguelito, pobre
como es y enamorado de una chica de familia pudiente. La tragedia, así,
se reitera, con el destino fatídico como horizonte. Cuando éste se
acerca, hay que ver cómo las señales que lo anuncian se articulan
discursivamente, para lograr que <i>Viento norte</i> sea un melodrama
prodigioso, en donde el hijo (Magaña) carga con los pecados del padre
(Muiño). Soffici es piedra angular del cine. Lo corroborará varias
veces, hasta llegar a la perfección de <i>Rosaura a las 10</i> (1958).</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">En otro orden, de quien puede decirse con justicia fue el único
director del cine clásico que triunfó en Hollywood, está Hugo Fregonese.
No hay repaso del cine policial que no lo contemple de manera
privilegiada. <i>Apenas un delincuente</i> (1949) (disponible en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=y0Cb3znULTI" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=y0Cb3znULTI</a>
) es pieza fundamental para el cine local, entre otras cuestiones por
sacar la cámara a la calle y filmar a la Buenos Aires de entonces como
marco idóneo para la fechoría de su protagonista: José Morán (Jorge
Salcedo), un oscuro oficinista que idea la manera de estafar al jefe y
la compañía donde trabaja. Tiene todo calculado, hasta la cantidad de
años que tendría que pasar en prisión. La guita que le aguarda vale la
pena.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-lSNfuW6twUA/XpIvPquu3uI/AAAAAAAAHho/jgd6kHst748FRgafuJkwe9mFa94pSPMiACLcBGAsYHQ/s1600/apenas%2Bun%2Bdelincuente.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="506" data-original-width="793" height="204" src="https://1.bp.blogspot.com/-lSNfuW6twUA/XpIvPquu3uI/AAAAAAAAHho/jgd6kHst748FRgafuJkwe9mFa94pSPMiACLcBGAsYHQ/s320/apenas%2Bun%2Bdelincuente.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De este modo, Fregonese –quien luego trabajaría con Gary Cooper,
James Mason y Barbara Stanwyck– plantea lineamientos caros y nodales al
cine <i>noir</i>, ya en ebullición en Hollywood: la ciudad como espina
dorsal, en donde cualquiera podría ser el delincuente. El título mismo,
con su “apenas” sugerido, no deja de coincidir con el de la película de
Orson Welles: <i>Touch of Evil</i>, un “toque de maldad”. De narrativa
vertiginosa, con una voz de expediente que guía al espectador a partir
del hecho consumado –el cine noir es coherente con el <i>fatum</i>
griego-, Apenas un delincuente atraviesa la vida cotidiana de Morán
mientras persiste en su plan perfecto. Vale detenerse en la escena de la
firma del jefe (esa firma que Morán necesita para su plan maestro),
entre la tinta china y su secador, a la par del sudor de Jorge Salcedo.
Fregonese, otro grande.</span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DV3KciDQAzU/XpIvOde7AfI/AAAAAAAAHhg/0Iwi625k0d4ye_rcjtvf_Puh80_dRBVRACLcBGAsYHQ/s1600/El%2Bvampiro%2Bnegro%2B1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="300" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-DV3KciDQAzU/XpIvOde7AfI/AAAAAAAAHhg/0Iwi625k0d4ye_rcjtvf_Puh80_dRBVRACLcBGAsYHQ/s320/El%2Bvampiro%2Bnegro%2B1.jpg" width="213" /></a><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De origen uruguayo, Román Viñoly Barreto tiene películas gloriosas como <i>La bestia debe morir </i>(1952) y <i>El vampiro negro </i>(1953) (disponible en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Yfh6__IdexM" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=Yfh6__IdexM</a> ). <i>El vampiro negro</i> es ni más ni menos que remake de <i>M</i>
(1931), la obra maestra de Fritz Lang, de la cual ya en 1951 Joseph
Losey filmó otra versión en EE.UU. En el caso local, el papel
interpretado por Peter Lorre le cabe a Nathán Pinzón, más la siempre
notable Olga Zubarry como la cantante de club nocturno que entrevé,
desde su camerino, las sombras del pedófilo y asesino.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Resulta de particular interés que <i>El vampiro negro</i> se ambiente
en un no-lugar, un sueño de pesadilla en donde se habla castellano y
existe la pena de muerte. Es el juicio al culpable, de hecho, la primera
de las acciones de la película. Luego habrá que descender a los abismos
para llegar al desenlace. En este sentido, la dimensión espacial del
argumento se replica compositivamente, ya que las pesquisas tendientes a
dar con el paradero del criminal estarán repartidas entre la superficie
citadina y los bajos fondos del mundo hampón.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">La situación última corresponde al espectador, interpelado en su
intimidad. Así como lo hiciera el propio Lang cuando descubría la
flaqueza enfermiza de su personaje, mientras era juzgado por pares,
criminales y similares. Lo que hacen Viñoly Barreto y Pinzón es también
brillante. <i>El vampiro negro</i> es una de las películas que todo amante del noir (y de Fritz Lang, que es el cine mismo) debe ver.</span></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-5949983992314241272020-04-06T11:26:00.001-07:002020-06-05T14:45:53.239-07:00Películas de directores argentinos y magistrales (I)<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: center;">
<i><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con
las firmas de Luis Saslavsky, Carlos Hugo Christensen y Hugo del Carril,
algunas de las mejores películas argentinas disponibles en internet.</span></span></i></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://www.pagina12.com.ar/256143-peliculas-de-directores-magistrales" target="_blank"><span style="color: blue;"><b><span style="font-size: x-small;">Por Leandro Arteaga</span></b></span></a></span></span><br />
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-oywHOh7FxxY/XotzzfwPzhI/AAAAAAAAHgk/xBY31RM5pOowUdUhMrMvPx4fq_BdEQQJgCLcBGAsYHQ/s1600/vidalita.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1447" data-original-width="984" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-oywHOh7FxxY/XotzzfwPzhI/AAAAAAAAHgk/xBY31RM5pOowUdUhMrMvPx4fq_BdEQQJgCLcBGAsYHQ/s320/vidalita.jpg" width="217" /></a><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Hubo
una vez un cine a punto de ser más, un proyecto que pudo haber alumbrado de
otra manera. Tal vez lo hizo. Quizás duró tanto como pudo, obligado por las
circunstancias a transformarse de otras y muchas formas. El cine argentino es
este misterio. Durante los años ’30 y ’50, así como Hollywood, tuvo estudios,
star-system, obras maestras, incidencia continental. Con realizadores</span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> <br />
autorales
como Luis Saslavsky, Carlos Hugo Christensen y Hugo del Carril.</span></span><br />
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Vale
comenzar por Saslavsky, sea por el orden cronológico de las películas como por
su rosarinidad. En YouTube puede encontrarse Vidalita (1949), <a href="https://www.youtube.com/watch?v=UtlOMC7wxk4" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=UtlOMC7wxk4</a>
, todavía una rareza para ciertos cánones del cine. Ambientada en escenario
campestre –entre escenas en exteriores y otras rodadas en los estudios Emelco-,
la película de Saslavsky retoma la tradición gauchesca desde el juego de
mascaradas. A saber: Vidalita es el nombre del nieto que espera el estanciero
que interpreta Narciso Ibáñez Menta, rodeado de polleras –toda la descendencia
le salió mujer– y ansioso por un hombre que le acompañe y releve en la faena
del campo. Pero lo cierto es que Vidalita es mujer (Mirtha Legrand). Así que
mejor evitar el disgusto al abuelo y hacerse pasar por hombre.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Lo
que sucede a continuación es puro disparate. En una comedia de enredos donde la
identidad sexual es puesta en entredicho a partir del festival de las máscaras
y el travestismo. El ardid del guión hará que la Legrand lleve su treta al
absurdo, hasta vestirse de mujer allí cuando algunos crean que se trata todavía
de un hombre. Entre medio, enamoramientos imprevistos –con guiños homosexuales
evidentes–, y la templanza de una mujer que se reafirma a sí misma mientras
pone en entredicho la hombría de quienes dicen preferir un carácter huraño.
Desde ya, la caracterización del inmenso Ibáñez Menta –viejo, cascarrabias,
odiador de indios– hace que la película sea un disfrute aún mayor.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A
propósito: aun cuando en su temática esté lejos de ser una de las primeras, Vidalita
se adelanta una década a Una Eva y dos Adanes, la fiesta travesti del austríaco
Billy Wilder, con Tony Curtis, Marilyn Monroe y Jack Lemmon. Por otro lado, en
la película de Saslavsky se celebra un matrimonio homosexual. Lo dicho. Y es
una película realizada durante el gobierno de Perón. No es un dato menor. Será
décadas después, durante un gobierno peronista, cuando se apruebe la Ley de
Matrimonio Igualitario.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<br /></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-9O-hXrXK6Tk/XotzykqGIuI/AAAAAAAAHgc/Vvx96WLbBaYRccROrDVJAqGCzNDH-xz8ACLcBGAsYHQ/s1600/no%2Babras%2Bnunca.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1114" data-original-width="780" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-9O-hXrXK6Tk/XotzykqGIuI/AAAAAAAAHgc/Vvx96WLbBaYRccROrDVJAqGCzNDH-xz8ACLcBGAsYHQ/s320/no%2Babras%2Bnunca.jpg" width="224" /></a><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Si
bien la comedia tampoco fue ajena al realizador santiagueño Carlos Hugo
Christensen, el policial y el melodrama tuvieron en él a uno de sus artífices.
Dos ejemplos dan muestra de ello. Son un díptico y deben mirarse así. No abras
nunca esa puerta (<a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/256" target="_blank">https://play.cine.ar/INCAA/produccion/256</a> ) y Si muero
antes de despertar (<a href="https://play.cine.ar/INCAA/produccion/266" target="_blank">https://play.cine.ar/INCAA/produccion/266</a> ) (ambas de 1952)
versionan relatos del norteamericano William Irish y delinean un mundo de
laberintos, confesiones calladas, y Edipo. En la primera, dos relatos organizan
al film, a través del incesto que se esconde entre los pliegues de un hermano
vengador (Ángel Magaña), y un hampón (Roberto Escalada) que se esconde en el
nido materno con la confianza puesta en el cuidado de la madre (Ilde Pirovano).
Por su parte, Si muero antes de despertar deposita su atención en el mundo de
la infancia, en el horror de un chico (Néstor Zavarce) que no entiende por qué
sus compañeritas de grado desaparecen. Hay alguien que las espera a la salida
de la escuela. Les da caramelos, tizas de colores. Y se las lleva. Él lo sabe,
pero dio su palabra de no contar; ni siquiera a su papá, que es policía. Un
mundo de hadas de pesadilla se traduce en algunas de las imágenes más hermosas
y terribles del cine argentino. Christensen era un genio.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-qNraxLq6khY/Xotzyir-6lI/AAAAAAAAHgg/0zELrawxwJo6d3RSNOT0ToLZPYP-lr2OgCLcBGAsYHQ/s1600/amorina.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1307" data-original-width="878" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-qNraxLq6khY/Xotzyir-6lI/AAAAAAAAHgg/0zELrawxwJo6d3RSNOT0ToLZPYP-lr2OgCLcBGAsYHQ/s320/amorina.jpg" width="214" /></a><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Finalmente,
otro de los más notables realizadores de todos los tiempos es Hugo del Carril.
Así como lo es, entre todo el cine, su película Amorina (1961) (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=B8PXR0qItxg" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=B8PXR0qItxg</a>
). El melodrama tiene aquí una de sus más brillantes puestas en escena, a
partir de la obra de Eduardo Borrás y el guión de César Tiempo. Amorina (Tita
Merello) vive confiada en el amor puesto en su pareja (Hugo del Carril) y
familia. El cometido para el cual vivió su vida. Pero la mesa familiar ya no
está siempre completa. Peor cuando descubra que el amor de su compañero está
ahora en otra mujer. Lo construido trastabilla. Sólo queda alucinar. Dejarse
atropellar por un vehículo. Penar hacia dentro.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A
partir de allí, Amorina oficiará como vértice y disparará la historia de modo
simétrico, con ella desdoblada, como mujer imaginada. Amorina se replica y
obliga de igual modo a quienes le rodean. La mesa volverá a estar completa. Así
lo parece. El desenlace, entre las sombras que guarda la casa alguna vez
luminosa, tras el torbellino mental que cifra la hélice de un avión, es puro
desgarramiento. Para llegar a tales instancias dramáticas se necesita oficio y
talento, no en vano Hugo del Carril también dirigió Más allá del olvido (1956),
el melodrama más importante del cine argentino.</span></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-66532042423525180152016-10-18T19:40:00.001-07:002016-10-18T19:45:57.605-07:00Las inocentes (2015, Anne Fontaine)<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div align="center" class="MsoNoSpacing" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="color: #20124d;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>La doctora y el voto de silencio</b></span></span></span><br />
<br />
</div>
<div align="center" class="MsoNoSpacing" style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i>Con una puesta en escena simétrica, en donde la figura de la
cruz es bisagra, </i>Las
inocentes<i> recrea un hecho histórico, e
interpela el presente. Preguntas en forma de cine, desde una mirada femenina.</i></span></span><br />
<br />
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-b0I38LzP2NU/WAbcQ_AAOzI/AAAAAAAAEK0/0bANyFzQnewRcUrkA6M46e3hXhRYCQQ7gCLcB/s1600/innocentes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="211" src="https://1.bp.blogspot.com/-b0I38LzP2NU/WAbcQ_AAOzI/AAAAAAAAEK0/0bANyFzQnewRcUrkA6M46e3hXhRYCQQ7gCLcB/s320/innocentes.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las
inocentes</span></span></b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">(Les innocentes)</span></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Francia/Polonia, 2015. Dirección: Anne Fontaine. Guión: Sabrina B. Karine y Alice Vial, sobre una historia
de Philippe Maynial. Adaptación y diálogos: Anne Fontaine, Pacal Bonitzer. Fotografía: Caroline Champetier. Música: Gregoire Hetzel. Montaje: Annette Dutertre. Reaprto: Lou de Laage, Agata Buzek, Agata Kulesza, Vincent
Macaigne, Joanna Kulig, Eliza Rycembel, Anna Prochniak, Katarzyna Dabrowska,
Helena Sujecka, Klara Bielawka, Distribuidora: CDI. Duración: 100 minutos.</span></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Salas:
Cines Del Centro.</span></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">8
(ocho) puntos</span></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="color: #20124d;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Por
Leandro Arteaga</span></span></b></span></div>
<div class="MsoNoSpacing">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-56998-2016-10-17.html" target="_blank"><span style="color: #20124d;"><b>Rosario/12 (17/10/2016)</b></span></a> </span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing">
</div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">A partir de la cruz como figura nodal, <i>Las inocentes</i> estructura su puesta en
escena. Y lo hace de manera simétrica, al repartirla entre el convento y la cruz
roja. Dos instituciones, separadas espacialmente, de <i>modus operandi </i>divergentes, preocupadas por el alma y el cuerpo. Una
de ellas vuelta hacia dentro, la otra hacia fuera. Síntesis de un conflicto, de
una época, y de cosmovisiones que tocan el ahora.</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Vale decir, el film de Anne Fontaine transcurre
durante diciembre de 1945, en Polonia. La acción sucede a partir de una de las
monjas que contraviene las órdenes y escapa. La transgresión aparece como paso
primero y no es un dato menor, ya que se revela como un riesgo necesario: el caos,
el desorden, amenaza con desbaratar el secreto religioso. Cuando consiga
contactarse con una doctora –a partir de un rezo que parece responder de manera
más efectiva, contrariamente a las palabras, que se confunden entre el francés
y el polaco<i><span style="font-style: normal;">–, la película </span></i>permitirá el cruce
inverso del umbral. Dos sentidos, dos direcciones, que se recorren para
converger, a partir de dos mujeres que son, en tanto síntesis, también
expresión de sus instituciones respectivas. </span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">De esta manera, desde la réplica espacial y
simbólica, el film encuentra su equilibrio formal y discursivo. El argumento
tiene sostén en un hecho concreto, basado en una historia real, cuando el
convento aludido fuera asaltado por soldados comunistas, y todas las monjas violadas.
Mathilde, la doctora (<i><span style="font-style: normal;">Lou de Laâge)</span></i>, llega allí sin
saber con qué encontrarse, casi como en respuesta al misterio de la oración que
se refería. Su decisión, finalmente, será cuidarlas y asistirlas, sin revelar el
secreto. Sin darse cuenta, irónicamente, la mujer de ciencia cumplirá con un
voto de silencio, sin palabras que respondan a las exigencias de sus
superiores, todos hombres, que se ufanan por explicar sus horarios dispersos.</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Del mismo modo, las monjas comienzan a demostrar
comportamientos que resquebrajan sus normas habituales. Ante Mathilde, algunas demuestran
otras actitudes, entre historias guardadas de una vida anterior, con sonrisas ahora
prohibidas. Casi como si se confesaran. La irrupción de la doctora no deja de
ser, por eso, el temor que crece a los ojos de la madre superiora (Agata
Kulesza), quien sabe sobre el resquebrajamiento gradual de su ámbito de
encierro. Mathilde puede ser el detonante final, la consecuencia de los
nacimientos que inevitablemente sobrevienen. Con ella el afuera está adentro, y
la clausura amenaza romperse. </span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Entre las monjas, Anna (Agata Buzek) es quien dará
cuenta de una transformación gradual, si bien primero renuente, obligada como
se siente a responder sin objeciones a las decisiones de su madre superiora. Por
otra parte, su nombre es un palíndromo, rasgo que acentúa su comportamiento, de
manera acorde con el tono general de la película.</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Si salir afuera tiene su correlato en la
introspección, vale entonces detenerse en las maneras desde las cuales Mathilde
habrá de interrogarse, circunspecta como es, de caricias difíciles, con un
semblante pétreo. Es bella, pero no parece notarlo. Y es tal su adhesión a la
atención hacia estas mujeres, que inevitablemente habrá de atravesar, si bien
desde el roce amargo, la brutalidad de las que han sido víctimas. No hay
palabras que expliquen algo semejante. El espectador será, por esto, hábilmente
dirigido hacia lo espeluznante.</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es por ello que el film de Anne Fontaine es capaz de
indagar en asuntos densos, que son actuales. Violación, miedo, hijos, aborto;
no le hace falta al film declamarlo sino, antes bien, indagar desde preguntas, con
interrogantes que se traducen en la acción de sus personajes. El resultado es
magnífico, de una ambigüedad que interpela al espectador, aspecto mayor que ya
se intuye en el título mismo, que la distribución elige volver femenino. La
traducción podría haber sido “Los inocentes”, y la valoración de la película
seguir todavía problemática, por fuera de la intención primera: ¿cuáles son
los/las inocentes?</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">Además, es menester destacar que tales instancias
son dispuestas por una mirada y voz femeninas. Anne Fontaine es quien dispara
sus ideas en forma de cine, y lo hace con una altura que resulta admirable. El
trabajo de guión es preciso y cuenta con la participación del gran Pascal
Bonitzer. Pero lo que prevalece, vale atender, es el tono con el que Fontaine
plasma el relato, ya que no le interesa declinar la balanza en favor de uno u
otro lado, sino contrapesarla desde equívocos y segundas lecturas. Tan
suficientes como el cabello suelto de Anna (siempre seré una madre, dice) o el
rol salvador, casi mesiánico, de Mathilde.</span></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-35732428114119144782016-10-12T21:28:00.001-07:002016-10-12T21:28:47.489-07:00Miss Peregrine y los niños peculiares (2016, Tim Burton)<div align="center" id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5457" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="color: #20124d;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><b id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5458"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5459">Mansión sombría y bruja protectora</span></b></span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5460">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5461"> </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-55OqwlEzQ6w/V_8MiGTMTlI/AAAAAAAAEKI/ns12FFSouA4f8Lbbr6IMXMlmr7DMXQrSgCLcB/s1600/peregrins-gallery1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="172" src="https://2.bp.blogspot.com/-55OqwlEzQ6w/V_8MiGTMTlI/AAAAAAAAEKI/ns12FFSouA4f8Lbbr6IMXMlmr7DMXQrSgCLcB/s320/peregrins-gallery1.jpg" width="320" /></a></div>
<div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5462">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5463"> </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div align="center" id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5464" style="text-align: center;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5465"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5466">Con la fábula como disparador, la película de Tim Burton ofrece
una galería de personajes marginados, solos y felices. Una bruja como hada
oscura y un niño deseoso de amigos, tan peculiares como él.</span></i></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5467">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5468"> </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5469">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5470"></span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5471">
<span style="font-size: x-small;"><b><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5472">Mi<span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5473">ss Peregrine y los niños peculiares</span></span></span></b></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5474">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5475">(Miss Peregrine's Home for Peculiar Children)</span></span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5476">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5477">Reino Unido/Bélgica/EE.UU., 2016)</span></span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5502">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5479">Dirección: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5480">Tim Burton.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5482"> Guión: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5483">Jane Goldman, basado en la novela de Ransom Riggs.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5485"> Fotografía: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5486">Bruno Delbonnel.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5488"> Montaje: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5489">Chris Lebenzon.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5491"> Música: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5492">Michael Higham, Matthew Margeson.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5494"> Reparto<span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5495">: </span>Eva Green, Asa Butterfield, Samuel
L. Jackson, Chris O'Dowd, Terence Stamp, Allison Janney, Ella Purnell.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5497"> Distribuidora: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5498">Fox.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5500"> Duración: </span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5501">127 minutos.</span><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5503"> Salas:
Monumental, Hoyts, Showcase, Village.</span></span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5504">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5505">7
(siete) puntos</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5506">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5507"> </span></span></span></div>
<span style="color: #351c75;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span></b></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5508">
<span style="color: #351c75;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5509">Por
Leandro Arteaga</span></span></span></b></span></div>
<div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5508">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5509"><a href="http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-56899-2016-10-10.html" target="_blank"><span style="color: #351c75;"><b>Rosario/12 (10/10/2016)</b></span></a> </span></span></span></div>
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5510">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5511"> </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5512" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5513">No es lo mejor de Tim Burton… Basta de tonterías semejantes,
dichas por voces de altura retórica. ¿De dónde sale el afán por exigir cotas de
excelencia a cineastas (y músicos y escritores y etc.), cuando tantas veces esas
películas “cumbre” lo fueron por cuestiones absolutamente irrepetibles?</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5514" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5515">De acuerdo, hay matices, y son ellos los que deben
guiar el asunto. Cuando están, lo que no se pierde es la sensibilidad
acostumbrada, la que hace todavía a un director querer el cine. Con Burton hubo
un momento crítico, de nombre <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5516">Alicia en
el país de las maravillas</i>, película desgajada de esa ternura que hiciera de
él una voz personal. Pero el traspié afortunadamente se subsanó: <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5517">Sombras tenebrosas</i>, <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5518">Frankenweenie</i>, <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5519">Big Eyes</i>
lograron, con mayor y menor fortuna, devolver brillo. </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5520" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5521">Afortunadamente, con <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5522">Miss Peregrine y los niños peculiares</i> la poética persiste y
sobrevive al ánimo avasallante del cine de superhéroes; entre ellos, los <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5523">X-Men</i> como referencia mayor: la mansión,
los niños con habilidades especiales, la figura del guía. La reciprocidad entre
las dos propuestas no es casual. Al respecto, vale pensar lo lejos que han
quedado las dos incursiones de Burton en ese género, situadas en una época ya
pretérita, pre-digital, cuando Batman podía ser un caballero oscuro, romántico
y psicópata, en la línea de una galería anómala habitada por Beetlejuice, Jack
Skellington y Edward Scissorhands.</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5524" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5525">Justamente, el cine de Tim Burton trata sobre <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5526">freaks</i>, sobre fenómenos que se saben al
margen y deciden habitar en su tierra de penumbras. Es también ése el lugar de estos
niños peculiares. Para descubrirles, será necesario creer en el cuento, en la fantasía,
así como sucedía en <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5527">El joven manos de
tijera</i> y en <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5528">El gran pez</i> (o en <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5529">Batman</i>, a partir de habladurías
mitómanas). Más aún con esta última, ya que entre abuelo y niño (Terence Stamp
y Asa Butterfield) hay una conexión que en algún momento trastoca en
desconfianza, así como ocurría entre Albert Finney y Billy Crudup, cuando el
hijo exige al padre saber la verdad por descreer de la fábula. La diferencia
con el joven Jake estará en que su padre es un imbécil, sin redención posible, borracho
de cerveza y televisión.</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5530" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5531">Por otra parte, en este film Burton se permite señales
breves, suficientes, sobre temas que ha desarrollado muchas veces. Si la acción
inicia en la soleada California, el espectador ya sabe que habrá que salir de
allí lo antes posible, porque la aventura está lejos, nunca al sol y con
bronceadores. Hacia una isla de Gales partirá el niño, tras los pasos sugeridos
por la historia del abuelo, en procura de recuperar ese afecto que la muerte ha
interrumpido para dejarlo solo y, veladamente, huérfano. Otro tanto, vale
recordar, le sucedía a Victor Frankenstein al resucitar a su perrito en <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5532">Frankenweenie</i>: una de esas maneras mágicas
la ofrecía el cine, capaz de vencer la finitud y descubrir horizontes. En <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5533">Miss Peregrine</i>, uno de los niños cuenta
con la habilidad de proyectar sus sueños, sin necesidad de intérpretes (adultos)
que “aclaren” con significados. Los espectadores (los niños), felices.</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5534" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5535">Ahora bien, si los padres acceden a la aventura del
hijo es porque la psiquiatra avala el asunto. Pero a no confiarse demasiado. No
sólo ante lo que será el devenir argumental y sus revelaciones, sino por la
relación que provocan los pies de las dos mujeres preocupadas por decidir el futuro
del niño: madre y psiquiatra exhiben un calzado ajustado, con pies apenas
hinchados, algo morados. Un detalle que se disfruta en exceso, que dice sobre
la sorna con la que Burton sabe retratar.</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5536" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5537">Cuando Jake descubra la mansión de Miss Peregrine,
lo que con ella aparece es una historia paralela, guardada entre las sombras.
Misma situación con la que se encontraba Dianne Wiest al visitar el castillo de
Edward Scissorhands: la silueta del joven retraído se perfilaba de a poco, y con
él su historia oscura. Allí, Vincent Price oficiaba de padre y creador amoroso,
acá el turno es de Eva Green, cuya Miss Peregrine será síntesis de brujería y
candor. Como una Elsa Lanchester que sobrevive al amor del monstruo de
Frankenstein, Peregrine se sabe responsable de estos niños, a los que ama y
mantiene suspendidos en una gota de agua temporal, condenada a reiterarse tantas
veces como sea necesario, para así evitar el estallido de la bomba nazi.</span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5538" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5539">No hace falta adivinar ni explicar dónde descansa la
monstruosidad, según la mirada de Tim Burton. <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5540">Miss Peregrine y los niños peculiares</i> es una variación del film <i id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5541">Freaks</i> (1932), la película maldita de
Tod Browning, así como asunción de la prédica fotográfica de Diane Arbus. Los personajes
distorsivos y atractivos de ambos, tienen acá su rebote y homenaje, a la par de
un barco fantasma, viajes en el tiempo, y una feria de atracciones donde la
diversión mayor estará, más vale, en el tren fantasma y el ejército de
esqueletos. </span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5542" style="text-indent: 7.1pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><span id="yiv7615666294yui_3_16_0_1_1475958069626_5543">Mientras tanto, el que crece es Jake. Y con él, la decisión
de alejarse de sus padres, progresivamente olvidados por el fuera de
campo. Extraordinario.</span></span></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-248181362098824842.post-90558873840607472872016-06-21T20:01:00.000-07:002016-06-21T20:01:02.552-07:00Javier Cercas: El punto ciego (Random House)<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="color: #cc0000;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><b>El punto ciego</b></span></span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal">
<br /></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-vyHWiRFl9uI/V2n-TyX9b9I/AAAAAAAAEB8/p-SS53iSJJEBGYWRt_IXeOqT0bBDFXDmACLcB/s1600/ro08fo0121.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="153" src="https://1.bp.blogspot.com/-vyHWiRFl9uI/V2n-TyX9b9I/AAAAAAAAEB8/p-SS53iSJJEBGYWRt_IXeOqT0bBDFXDmACLcB/s320/ro08fo0121.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: #cc0000;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">Por Leandro Arteaga</span></span></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: #38761d;"><b><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><a href="http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/14-55140-2016-06-21.html" target="_blank"><span style="color: #cc0000;">Rosario/12 (21/06/2016 - contratapa) </span></a></span></span></b></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> </span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es
a partir de <i>Don Quijote </i>cuando nace
la novela moderna, expone Javier Cercas en <i>El
punto ciego. Las conferencias Weidenfeld 2015</i> (Random House). “Cervantes
funda al género y al mismo tiempo lo agota –aunque sea volviéndolo inagotable”,
dice. Un carácter libérrimo, híbrido y maleable, surge con las andanzas del hidalgo
caballero. La novela, así, aparece como el género donde hacer caber todos los
géneros. Mestiza e irreverente, da cobijo a todo y todo lo reformula.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">El
caballero de la triste figura y su escudero hilvanan este camino de esplendor,
si bien paradójico para la novela, ya que no será España su ámbito natural. En
este sentido, Balzac y Flaubert le aportarán, durante el siglo XIX, rigor
constructivo, cuya búsqueda formal no dejó de lidiar con la génesis plebeya de
la novela, afín con el entretenimiento. El siglo siguiente profundizará este
mismo modelo. Cercas, en todo caso, prefiere una tercera opción, que sintetice estas
dos. Y propone la narrativa posmoderna como momento superador: conciente del
legado cervantino y con Borges como origen de la hibridación de géneros. </span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es
en ese rumbo donde se incluye él, heredero de esta pulsión incontenible que
significa escribir novelas. Mira a su padre lejano, fallecido hace
cuatrocientos años, y hacia allí dirige su horizonte, al hacer latir
interrogantes sobre su libro <i>Anatomía de
un instante</i>: ¿novela?, ¿ficción?, ¿ensayo?, ¿antiliteratura? En esas
páginas, Cercas recrea uno de los instantes fundacionales de la historia democrática
española, pleno de preguntas; allí cuando el 23 de febrero de 1981, Adolfo
Suárez –antiguo secretario general del partido franquista, primer presidente
democrático– permaneciera sentado y desafiante durante la balacera golpista que
inundara al Congreso de los Diputados. ¿Por qué lo hizo? ¿Por qué acompañaron
el gesto el comunista Santiago Carrillo y el general Gutiérrez Mellado?</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Es
momento del “punto ciego”. Si el lector cae allí, también el autor. ¿Qué es? Es
el motivo de este libro notable, pero también el ciclo de conferencias del
escritor durante la cátedra Weidenfeld en Literatura Europea Comparada, de la Universidad de Oxford.
Por allí pasaron también, entre otros, George Steiner, Umberto Eco, Mario
Vargas Llosa, Michele Le Doueff, Roger Chartier, Don Paterson. <i>El punto ciego</i> es el nudo de sus clases
y el intento por desanudarlo; mejor, por preguntarlo.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Su
complejidad le vuelve apasionante. Vale decir, ¿cómo definir ese momento de
desasosiego que embarga durante la lectura? Cuidado, no se trata de leer cualquier
libro, sino de aquellos donde haya punto ciego. ¿Pero cómo reconocer lo
inasible? Una manera es la pregunta. Por ejemplo: ¿de verdad está loco Don
Quijote? No hay respuesta que satisfaga, porque cualquiera se contradice.
Cervantes, se deduce, escribe a partir de la ambigüedad, a través de preguntas
morales, preguntas que son novelescas. Escribe para preguntar(se).</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Así,
Cercas toca a la literatura con la filosofía. Si hay un cometido literario,
éste es el de la interrogación moral. “¿Por qué durante la guerra civil
española un soldado republicano salvó la vida de Rafael Sánchez Mazas, poeta e
ideólogo fascista y futuro ministro de Franco?”, se preguntaba el autor, al
escribir <i>Soldados de Salamina</i>. Más
preguntas: ¿Quién es Moby Dick? ¿Josef K. es culpable? ¿Peter Quint es un fantasma
real? ¿Cuál es la muerte veraz de Juan Dahlmann? </span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Se
sabe que ensayar respuestas es materia predilecta de muchos. Más difícil es
detenerse en la duda, en escribir o en leer a partir de ella. Según Javier
Cercas, hay casos donde esto se consigue, en donde el autor concede al lector el
espacio de ambigüedad que éste reclama. Lo que resulta es inasible, interminable,
fascinante. Es decir, habrá tantas lecturas del Quijote como lectores. En este
abismarse, el nexo filosófico aparece. La novela, dice el escritor, es una
herramienta de investigación existencial, que se preocupa por buscar la verdad.
No lo hace a la manera de los historiadores, sino a través de la ironía. Cuando
hay ironía, hay punto ciego. Porque como observó Thomas Mann, la ironía no
consiste en decir “ni esto ni aquello”, sino “esto y aquello” a la vez.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">En
este recorrido, que el autor de <i>Anatomía
de un instante</i> organiza en cuatro partes –con capítulo dedicado a Vargas
Llosa y reflexiones sobre la figura del intelectual y esa palabra maldita: compromiso
(para compromiso, a la Iglesia,
decía Cortázar)–, los vínculos de los otros géneros narrativos con el punto
ciego son sugeridos. Cercas así lo hace cuando menciona al protagonista ausente
de <i>Esperando a Godot</i>. En el cine apenas
se detiene, y por vía indirecta, cuando refiere <i>Los imperdonables</i> (<i>Unforgiven</i>)
como ejemplo kafkiano propuesto por George Steiner: luego de que Gene Hackman
aporrea a Clint Eastwood, las prostitutas se lo reprochan y le gritan que es
inocente. El marshall responde: “Inocente, ¿de qué?”.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">El
cine puede, y debe, ser interpelado. Al respecto, un buen ejemplo podría ser el
enigma de la cajita de <i>Belle de jour</i>.
¿Qué hay allí?, le preguntaban a Buñuel y a Carrière, su guionista. Hubo
quienes no dudaron en aseverar un contenido que ni ellos sospechaban. Otro caso
puede aportarlo <i>2001, una odisea del
espacio</i>, de Kubrick. ¿Qué es el monolito? El cine, a veces, no precisa de
demasiado vericueto: está claro y a la vista que se trata, ni más ni menos, que
de un monolito. Otro ejemplo posible sería la veracidad de ese hijo demoníaco
que parece engendrar Mia Farrow en <i>El
bebé de Rosemary</i>, de Polanski. Muchos espectadores aseguraron haber visto
el rostro del bebé.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Lo
cierto, en todo caso y de vuelta a la literatura, es que la respuesta es que no
hay respuesta. El punto ciego es “un punto a través del cual no es posible ver
nada. Ahora bien –y de ahí su paradoja constitutiva–, es precisamente a través
de ese punto ciego a través del cual, en la práctica, estas novelas ven; es
precisamente a través de esa oscuridad a través de la cual iluminan estas
novelas; es precisamente a través de ese silencio a través del cual estas
novelas se tornan elocuentes”.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><div class="MsoNormal" style="text-indent: 9pt;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">El
punto ciego, dice Javier Cercas, es lo que somos.</span></span></div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;">
</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: small;"></span></span></div>
LEANDRO ARTEAGAhttp://www.blogger.com/profile/12952498261698410505noreply@blogger.com0