Películas de directores argentinos y magistrales (II)

Algunos títulos argentinos clásicos y disponibles, con las firmas de Mario Soffici, Hugo Fregonese y Román Viñoly Barreto.

Por Leandro Arteaga

El cine argentino es una aventura de laberintos. Si bien delimitable en épocas, cada película conlleva hacia otras, en una relación que sólo las buenas cinematografías logran. Por gusto propio y porque internet permite verlas, algunas buenas películas de algunos grandes directores: Mario Soffici, Hugo Fregonese, Román Viñoly Barreto.

Hay directores que nunca deben soslayarse. Uno de ellos es el insigne Mario Soffici. Pocos como él en cuanto a solidez narrativa y lírica personal (Hugo del Carril podría ser caracterizado de manera similar; no casualmente, entre Prisioneros de la tierra de Soffici, y Las aguas bajan turbias de Del Carril, se establece un díptico consustancial). Antes de Kilómetro 111 y de Prisioneros de la tierra, Soffici filmó Viento norte (1937) (disponible en https://www.youtube.com/watch?v=iUxqvvb6wr4 ), versión delirada –con Alberto Vacarezza en guión- de uno de los capítulos de Una excursión a los indios ranqueles, de Lucio V. Mansilla.

El gaucho cinematográfico es un problema particular dentro del cine, no son tantas las películas que lo supieron modelar; tampoco llegó a obtener un estatuto similar al del cowboy. Como sea, en Viento norte se asiste a un drama de fortín, con ranchería aledaña y un pasado de amorío que ciega. Como síntesis, vale una secuencia: es de noche y los soldados están de farra. Bailan ruidosos un gato. Uno de ellos esconde ginebra dentro del fusil, del cual bebe con disimulo. Dentro de su carpa, el comandante Ledesma (Orestes Caviglia) parece en trance, alucinado por el reencuentro con el amor que no pudo ser, ahora en pareja (Camila Quiroga y Enrique Muiño) y madre de Miguelito (Ángel Magaña). La situación se vuelve más intensa, Soffici acentúa el crescendo con planos detalle, y Ramallo finalmente explota.

Lo dicho oficia como pieza ulterior, que el espectador descubrirá a partir del romance imposible y “más a la vista”, el de Miguelito, pobre como es y enamorado de una chica de familia pudiente. La tragedia, así, se reitera, con el destino fatídico como horizonte. Cuando éste se acerca, hay que ver cómo las señales que lo anuncian se articulan discursivamente, para lograr que Viento norte sea un melodrama prodigioso, en donde el hijo (Magaña) carga con los pecados del padre (Muiño). Soffici es piedra angular del cine. Lo corroborará varias veces, hasta llegar a la perfección de Rosaura a las 10 (1958).
 
En otro orden, de quien puede decirse con justicia fue el único director del cine clásico que triunfó en Hollywood, está Hugo Fregonese. No hay repaso del cine policial que no lo contemple de manera privilegiada. Apenas un delincuente (1949) (disponible en https://www.youtube.com/watch?v=y0Cb3znULTI ) es pieza fundamental para el cine local, entre otras cuestiones por sacar la cámara a la calle y filmar a la Buenos Aires de entonces como marco idóneo para la fechoría de su protagonista: José Morán (Jorge Salcedo), un oscuro oficinista que idea la manera de estafar al jefe y la compañía donde trabaja. Tiene todo calculado, hasta la cantidad de años que tendría que pasar en prisión. La guita que le aguarda vale la pena.

De este modo, Fregonese –quien luego trabajaría con Gary Cooper, James Mason y Barbara Stanwyck– plantea lineamientos caros y nodales al cine noir, ya en ebullición en Hollywood: la ciudad como espina dorsal, en donde cualquiera podría ser el delincuente. El título mismo, con su “apenas” sugerido, no deja de coincidir con el de la película de Orson Welles: Touch of Evil, un “toque de maldad”. De narrativa vertiginosa, con una voz de expediente que guía al espectador a partir del hecho consumado –el cine noir es coherente con el fatum griego-, Apenas un delincuente atraviesa la vida cotidiana de Morán mientras persiste en su plan perfecto. Vale detenerse en la escena de la firma del jefe (esa firma que Morán necesita para su plan maestro), entre la tinta china y su secador, a la par del sudor de Jorge Salcedo. Fregonese, otro grande.



De origen uruguayo, Román Viñoly Barreto tiene películas gloriosas como La bestia debe morir (1952) y El vampiro negro (1953) (disponible en https://www.youtube.com/watch?v=Yfh6__IdexM ). El vampiro negro es ni más ni menos que remake de M (1931), la obra maestra de Fritz Lang, de la cual ya en 1951 Joseph Losey filmó otra versión en EE.UU. En el caso local, el papel interpretado por Peter Lorre le cabe a Nathán Pinzón, más la siempre notable Olga Zubarry como la cantante de club nocturno que entrevé, desde su camerino, las sombras del pedófilo y asesino.

Resulta de particular interés que El vampiro negro se ambiente en un no-lugar, un sueño de pesadilla en donde se habla castellano y existe la pena de muerte. Es el juicio al culpable, de hecho, la primera de las acciones de la película. Luego habrá que descender a los abismos para llegar al desenlace. En este sentido, la dimensión espacial del argumento se replica compositivamente, ya que las pesquisas tendientes a dar con el paradero del criminal estarán repartidas entre la superficie citadina y los bajos fondos del mundo hampón.

La situación última corresponde al espectador, interpelado en su intimidad. Así como lo hiciera el propio Lang cuando descubría la flaqueza enfermiza de su personaje, mientras era juzgado por pares, criminales y similares. Lo que hacen Viñoly Barreto y Pinzón es también brillante. El vampiro negro es una de las películas que todo amante del noir (y de Fritz Lang, que es el cine mismo) debe ver.

Películas de directores argentinos y magistrales (I)

Con las firmas de Luis Saslavsky, Carlos Hugo Christensen y Hugo del Carril, algunas de las mejores películas argentinas disponibles en internet.

Por Leandro Arteaga

Hubo una vez un cine a punto de ser más, un proyecto que pudo haber alumbrado de otra manera. Tal vez lo hizo. Quizás duró tanto como pudo, obligado por las circunstancias a transformarse de otras y muchas formas. El cine argentino es este misterio. Durante los años ’30 y ’50, así como Hollywood, tuvo estudios, star-system, obras maestras, incidencia continental. Con realizadores
autorales como Luis Saslavsky, Carlos Hugo Christensen y Hugo del Carril.

Vale comenzar por Saslavsky, sea por el orden cronológico de las películas como por su rosarinidad. En YouTube puede encontrarse Vidalita (1949), https://www.youtube.com/watch?v=UtlOMC7wxk4 , todavía una rareza para ciertos cánones del cine. Ambientada en escenario campestre –entre escenas en exteriores y otras rodadas en los estudios Emelco-, la película de Saslavsky retoma la tradición gauchesca desde el juego de mascaradas. A saber: Vidalita es el nombre del nieto que espera el estanciero que interpreta Narciso Ibáñez Menta, rodeado de polleras –toda la descendencia le salió mujer– y ansioso por un hombre que le acompañe y releve en la faena del campo. Pero lo cierto es que Vidalita es mujer (Mirtha Legrand). Así que mejor evitar el disgusto al abuelo y hacerse pasar por hombre.

Lo que sucede a continuación es puro disparate. En una comedia de enredos donde la identidad sexual es puesta en entredicho a partir del festival de las máscaras y el travestismo. El ardid del guión hará que la Legrand lleve su treta al absurdo, hasta vestirse de mujer allí cuando algunos crean que se trata todavía de un hombre. Entre medio, enamoramientos imprevistos –con guiños homosexuales evidentes–, y la templanza de una mujer que se reafirma a sí misma mientras pone en entredicho la hombría de quienes dicen preferir un carácter huraño. Desde ya, la caracterización del inmenso Ibáñez Menta –viejo, cascarrabias, odiador de indios– hace que la película sea un disfrute aún mayor.

A propósito: aun cuando en su temática esté lejos de ser una de las primeras, Vidalita se adelanta una década a Una Eva y dos Adanes, la fiesta travesti del austríaco Billy Wilder, con Tony Curtis, Marilyn Monroe y Jack Lemmon. Por otro lado, en la película de Saslavsky se celebra un matrimonio homosexual. Lo dicho. Y es una película realizada durante el gobierno de Perón. No es un dato menor. Será décadas después, durante un gobierno peronista, cuando se apruebe la Ley de Matrimonio Igualitario.

Si bien la comedia tampoco fue ajena al realizador santiagueño Carlos Hugo Christensen, el policial y el melodrama tuvieron en él a uno de sus artífices. Dos ejemplos dan muestra de ello. Son un díptico y deben mirarse así. No abras nunca esa puerta (https://play.cine.ar/INCAA/produccion/256 ) y Si muero antes de despertar (https://play.cine.ar/INCAA/produccion/266 ) (ambas de 1952) versionan relatos del norteamericano William Irish y delinean un mundo de laberintos, confesiones calladas, y Edipo. En la primera, dos relatos organizan al film, a través del incesto que se esconde entre los pliegues de un hermano vengador (Ángel Magaña), y un hampón (Roberto Escalada) que se esconde en el nido materno con la confianza puesta en el cuidado de la madre (Ilde Pirovano). Por su parte, Si muero antes de despertar deposita su atención en el mundo de la infancia, en el horror de un chico (Néstor Zavarce) que no entiende por qué sus compañeritas de grado desaparecen. Hay alguien que las espera a la salida de la escuela. Les da caramelos, tizas de colores. Y se las lleva. Él lo sabe, pero dio su palabra de no contar; ni siquiera a su papá, que es policía. Un mundo de hadas de pesadilla se traduce en algunas de las imágenes más hermosas y terribles del cine argentino. Christensen era un genio.

Finalmente, otro de los más notables realizadores de todos los tiempos es Hugo del Carril. Así como lo es, entre todo el cine, su película Amorina (1961) (https://www.youtube.com/watch?v=B8PXR0qItxg ). El melodrama tiene aquí una de sus más brillantes puestas en escena, a partir de la obra de Eduardo Borrás y el guión de César Tiempo. Amorina (Tita Merello) vive confiada en el amor puesto en su pareja (Hugo del Carril) y familia. El cometido para el cual vivió su vida. Pero la mesa familiar ya no está siempre completa. Peor cuando descubra que el amor de su compañero está ahora en otra mujer. Lo construido trastabilla. Sólo queda alucinar. Dejarse atropellar por un vehículo. Penar hacia dentro.

A partir de allí, Amorina oficiará como vértice y disparará la historia de modo simétrico, con ella desdoblada, como mujer imaginada. Amorina se replica y obliga de igual modo a quienes le rodean. La mesa volverá a estar completa. Así lo parece. El desenlace, entre las sombras que guarda la casa alguna vez luminosa, tras el torbellino mental que cifra la hélice de un avión, es puro desgarramiento. Para llegar a tales instancias dramáticas se necesita oficio y talento, no en vano Hugo del Carril también dirigió Más allá del olvido (1956), el melodrama más importante del cine argentino.